À table avec...

Alexandre Dubost,

de la coutellerie Jean Dubost

Tournée résolument vers l’international depuis plus de cinquante ans, la coutellerie Jean Dubost a su s’adapter à des marchés exigeants, sans perdre son identité et son histoire, bien au contraire. Alexandre Dubost, 4ème génération de couteliers, nous détaille sa façon de voir son métier, résolument tourné vers l’avenir.


À 46 ans, Alexandre Dubost porte fièrement le nom de son arrière-grand-père, fondateur de la coutellerie Jean Dubost en 1920. En plus du patronyme, il a aussi hérité d’une passion commune pour ce métier : « J’ai toujours connu la manufacture, située en face de la maison familiale » se souvient-il.

La famille a toujours été très impliquée dans le développement de la société : « Même mon arrière-grand-mère participait à toutes les étapes de la fabrication, du rivetage à l’essuyage des couteaux ». Aujourd'hui encore, il n’est pas rare de retrouver Alexandre à l’atelier, au milieu des salariés.

Une entreprise toujours en mouvement

Solidement implantée dans le bassin thiernois, la coutellerie Jean Dubost a très tôt pris le parti de se développer sur le marché international. « Au début des années 1960, mon grand-père Jean Dubost est allé chercher de nouveaux partenaires dans les grandes foires aux Etats-Unis », explique Alexandre Dubost, qui a intégré ce côté pionnier à l’ADN de l’entreprise. « Une entreprise doit toujours être en mouvement dans ses processus de production et de fabrication, ainsi que dans son développement. »

Un savoir-faire traditionnel et industriel

En se plaçant sur le marché du haut de gamme nord-américain, la société a dû s’adapter aux exigences de ce marché : « Ce que nous proposons, c’est l’association d’un savoir-faire industriel et d’un savoir-faire traditionnel. Ainsi, nous utilisons des machines à commande numérique pour l’aiguisage, et le manche en bois est monté et ajusté à la main, par des personnes formées, dans la plus pure tradition de la coutellerie française ». Aujourd'hui, la société produit 30 000 pièces par jour et exporte dans 55 pays. 

Mieux que le « Made in France », le « Made in Thiers »

Pour la clientèle internationale « la principale attente, c’est d’acheter du "Made in France". Elle est en quête d’un savoir-faire et d’un design français. Ainsi, le fait que nos couteaux soient d’authentiques Laguiole représente une véritable valeur ajoutée pour eux ».

Les investissements consentis par Alexandre Dubost sont payés en retour quand il voit l’enthousiasme de ses clients en visite à la manufacture, et qui découvrent que tous ces couteaux et couverts de table sont entièrement réalisés sur place.

Le développement durable, un intérêt stratégique

Cet intérêt pour la production locale va même très loin, puisque « la majorité de notre parc de machines a été fabriqué par des entreprises locales, situées dans la région, et selon notre cahier des charges » détaille Alexandre Dubost.

C’est dans le prolongement de cette idée, associée à une logique de développement durable, que la société a développé des manches de couteaux issus d’un processus de fabrication utilisant l’amidon de maïs, recyclables et même biodégradables. « Nous sommes aussi la seule coutellerie certifiée PEFC [NDLR : Certificat en faveur d’une gestion durable des forêts] pour nos manches en chêne. Il en va de même pour les cartons qui sont recyclés localement, et même nos chiffons, utilisés pour le dernier contrôle qualité avant emballage, qui sont recyclés par une entreprise locale » .

C’est aussi un enjeu de ressources humaines : « Il faut intéresser les jeunes, savoir les accueillir. Nous souhaitons qu’ils se sentent bien chez nous ».

Être au fait des tendances

Dans les arts de la table, les tendances sont en continuelle évolution. Une réalité qu’Alexandre Dubost a parfaitement intégrée, en collaborant de façon régulière avec le designer Jérôme Pouey : « Nous partageons la même sensibilité. Il a une vraie facilité à créer des objets qui sont à la fois beaux et utiles ». Une collaboration prolifique puisque ce sont jusqu'à six collections qui sortent chaque année de la manufacture Jean Dubost pour les arts de la table.

Des baguettes à la française

Récemment, ils ont développé une gamme de baguettes chinoises à la demande d’Alexandre Dubost : « C’est parti d’un partenaire coréen. L’idée nous est venu de créer une baguette à la française ».

Au-delà du jeu de mots et du coup de communication, l’entrepreneur a tout de suite compris l’intérêt qu’il pouvait tirer de ce produit : « En Corée, les produits français sont très populaires. La culture asiatique est mondialement connue et aujourd'hui, nous commercialisons les baguettes en France et en Chine ! » Il a fallu s’adapter à ce marché, avec une attention toute particulière au packaging : « Les Coréens ont une exigence de qualité très forte. Ils sont très sensibles aux détails ».

Pour un melting-pot culinaire

Alexandre Dubost suit de très près les nouveaux modes de convivialité de la table : « Les codes changent et évoluent vers l’ouverture, à l’instar des cuisines. Avant, c’était une pièce fermée et confinée. C’est désormais un lieu d’échanges, ouvert sur le salon. Il en va de même sur la façon dont les gens passent à table. Aujourd'hui, c’est la convivialité qui prime. On peut tout à fait recevoir des invités sur une thématique espagnole, avec une bouteille de vin australien ».

Et la France dans tout cela ? « Avec la bistronomie (grande cuisine servie en petite quantité comme dans un bistrot), notre pays a su préserver sa belle image et la nouvelle cuisine s’inscrit parfaitement dans cette tendance, celle d’un melting-pot culinaire ».

Crédit photos : Coutellerie Jean Dubost

Peinture à la main

La faïence
à contre-pieds

La première chose qui frappe quand on consulte le catalogue des Faïenceries Georges, Maison plus que centenaire et issue de la grande tradition de Nevers, c’est l’originalité des dessins, à la fois graphiques et insolites. Une singularité qui s’est imposée de façon toute naturelle, à l’image de Carole Georges, quatrième génération à reprendre la maison familiale.

Le positionnement de la Faïencerie Georges mêle tradition et modernité. L’un n’exclut pas l’autre et les motifs atypiques détonnent dans un univers enclin de classicisme. « Le choix de mettre des décors plus contemporains s’est fait naturellement » explique le Jean-François Dumont, co-gérant et compagnon de la créatrice Carole Georges.

Le patrimoine industriel comme décor

Cela a commencé tout près de leur atelier, lors d’une promenade autour de Nevers : « Aujourd’hui à l’abandon, l’usine Lambiotte est une ancienne fabrique de colle et de charbon à bois que nous connaissons, Carole et moi, depuis notre enfance. C’est de là que nous est venu l’idée de mettre comme décor sur nos assiettes ces monuments du patrimoine industriel. Comme un pied de nez à la tradition de Nevers, spécialisée dans les représentations d’églises et d’icônes religieuses.

D’une assiette, ils ont décidé d’en faire un service. « Nous voulions rendre hommage à notre région, au riche passé industriel de la Nièvre. » C’est aussi un clin d’œil aux travaux photographiques de Bernd et Hilla Becher, couple de photographes allemands, devenus maîtres dans le témoignage industriel. 

De la plage au grillage

Leurs travaux sont aussi divers qu’insolites. La thématique des loisirs a conduit la créatrice Carole Georges à immortaliser leurs vacances à la plage ou à la montagne. « Ce sont nos propres photos de vacances. Du coup, nos amis se retrouvent sur les assiettes !»

Plus récemment, ce sont les grillages qui les ont inspirés : « Ce grillage, on pourrait le toucher, tellement il paraît réel. C’est parti d’une idée pour notre thématique Monthly Plates, avec une création différente tous les mois » révèle Jean-François Dumont.

La chromo, un choix sans polémique

Pour certains services de table, Carole et Jean-François ont fait le choix d’utiliser une chromo (contraction de chromolithographie) platine sur terre et émail blanc. « Dans le décor à la main, qui représente notre activité principale, nous ne sommes pas censés utiliser cette technique, une application sur assiette d’un motif en décalcomanie ».

Des artistes qui poussent les limites

Administrateur du Centre d’art contemporain du Parc Saint-Léger, situé près de Nevers, Jean-François Dumont apprécie les rencontres avec les artistes résidents : « Ils repoussent nos limites. De plus, l’art contemporain s’intéresse de plus en plus à la céramique. » Des collaborations remarquables et remarquées, dont certaines œuvres s’exportent jusqu’au Koweït.

L’artisanat au service de la modernité

Pour Carole Georges, tout part du réel. La photo à peine retouchée est appliquée à l’aide d’un calque : « Aujourd’hui, nous travaillons entièrement de façon artisanale. Ainsi, le décor sur émail cru au pinceau à l’aide d’un poncif fait partie de la grande tradition de Nevers. Il n’y a pas le droit à l’erreur, et le résultat est là. » 

La seule différence dans le travail réalisé par rapport à 1898, date de la création de la faïencerie, est le passage au four électrique : « Le bois est très difficile à contrôler et il laisse trop de place au hasard. Aujourd’hui, le travail est plus facile, mieux maîtrisé. »

De l’âge d’or au déclin

Il faut savoir que la faïencerie française est née à Nevers, région idéalement située avec une terre de qualité en abondance, et à proximité des bois du Morvan, indispensables pour chauffer la terre à 1050 degrés. L’axe routier historique Paris-Lyon et le canal de Briare ont permis aux faïenciers de la ville de commercialiser dès le XVIème siècle leurs créations dites de « grand feu ».

L’âge d’or arrive très vite, et au XVIIème siècle, le fameux « Bleu de Nevers » est connu dans toute la France, faisant de Nevers la capitale de la faïencerie française. Avec l’arrivée de la porcelaine, le déclin survient, même si un regain se fait ressentir au XIXème siècle, avec un retour à la mode de « l’art pompier et du style Renaissance ».

Deux nœuds verts à Nevers

Habitués à se retrouver dans les pages Tendances des magazines de décoration et Lifestyle, le couple a gardé la tête froide : « nous avons conscience de plaire aux journalistes, qui aiment le côté décalé de nos pièces. » Aujourd’hui, Jean-François Dumont cherche à agrandir son réseau de distributeurs. « Nous avons principalement des concepts stores comme clients. Nous aimerions bien être référencés par exemple, aux Galeries Lafayette Maison qui apprécie notre travail ».

Il arrive encore à Jean-François Dumont de découvrir des moules cachés dans l’atelier, contemporains de l’époque où l’entreprise familiale a décidé de prendre comme signature 2 nœuds verts. « Deux nœuds verts, de Nevers » : un jeu de mots en emblème, aujourd’hui apposé sur chacune des assiettes qui sortent de la Faïencerie Georges.

Crédit photos : Faïencerie Georges 

A table avec

Pascal d’Halluin,

co-propriétaire de la Faïencerie de Gien.

« Emblématique » est presque insuffisant quand on parle de la Faïencerie de Gien tant elle fait, de par son histoire très ancienne, partie intégrante du patrimoine français. Alors pour continuer à faire vivre l’âme de l’une des premières faïenceries du 19ème siècle installée dans la ville éponyme du Loiret, il fallait bien un homme tel que Pascal d’Halluin. Rencontre avec ce redresseur de marque qui a su, par amour pour la faïencerie française et les hommes qui la façonnent, replacer la marque Gien sur le devant de la scène, au cœur des tendances et sur fond de « Made In France ». 

On le surnomme le « redresseur de marques » tant il a su, à travers son parcours professionnel raviver des marques renommées, comme Lee Cooper, Lacoste ou encore Biotherm.

Son secret pour réussir : la foi, mais pas en n’importe qui ou en n’importe quoi. « L’amour et le respect du client, mais aussi celui du travail bien fait sont pour moi au cœur de la réussite d’une marque. C’est un contrat de confiance. Vous savez, depuis toujours, ce sont les hommes qui font la marque et non l’inverse ». Et comme dit François Michelin : « le patron, c’est le client ».

Une belle endormie qui ne demandait qu’à être réveillée

C’est sur la base de ces valeurs qu’il reprend il y a quelques années, aux côtés d’Yves de Talhouët, second propriétaire de la marque, la Faïencerie de Gien. Agée de 196 ans, elle est fière et droite. Elle avait juste besoin, semble-t-il, de nouveaux maîtres pour l’aider à dévoiler au grand jour son art, son potentiel et ses couleurs.

« J’avais envie depuis très longtemps de trouver une belle endormie à réveiller. La dimension et le savoir-faire français étaient là, de même que l’ouverture à l’international. Tout cela m’a convaincu ». 

Par amour pour la marque Gien... et ses hommes

Alors qu’il visite la manufacture pour la toute première fois, il pressent qu’une nouvelle histoire peut s’écrire. « Lors de cette visite, j’ai immédiatement perçu cette passion des collaborateurs pour leur métier et leur amour pour la marque qu’ils font vivre. D’ailleurs les visiteurs ont souvent cette impression là aussi. Nous avions là tous les ingrédients pour continuer à raconter une belle histoire : la volonté des hommes conjuguée à leur savoir-faire ».

Pour remplir les pages blanches de ce nouveau livre, Pascal d’Halluin s’appuie avant tout sur l’humain. « Les équipes doivent être soudées, solidaires et surtout partager une vision commune. Pour arriver à cela il faut créer un environnement de confiance (…) Cela est possible si le patron incarne lui-même les valeurs qu’il fait porter à son entreprise ». 

Des assiettes qui parlent …

Comme beaucoup de marques emblématiques françaises, la création et l’innovation sont au cœur de son positionnement stratégique. Cela devient même une priorité pour Pascal d’Halluin. « Nous avons travaillé avec de nombreux artistes, comme par exemple le créateur et illustrateur Cyril Destrade, qui a dessiné pour nous la collection « Jardins Extraordinaires » (…)

Le fameux « mix and match » trouve aussi tout à fait sa place sur les présentoirs de boutiques de la marque bicentenaire, aux côtés des « biscuits », ces faïences sans émaillage dont les clients raffolent. « Ces objets sont uniquement moulés et cuits. L’absence d’émaillage les rend poreux et donc inutilisables. Cette faïence brute travaillée s’appelle le « biscuit » et les clients l’apprécie pour sa texture mate et son blanc à la fois cassé et pur ». Il y a aussi des assiettes que l’on peut personnaliser pour les grands événements, ou encore celles qui parlent. Aussi appelées « assiettes rébus », elles recouvrent les pans de mur des boutiques de la marque. 

La tendance, c’est bien, mais pas sans le patrimoine

Au-delà de la belle vaisselle, la marque Gien c’est aussi 200 ans de dessins que Pascal d’Halluin souhaite utiliser pour les objets de décoration. « Pour fabriquer des lampes, nous imaginons des abat-jours à partir d’une coupe dont on a percé le centre. Nous réalisons également les carreaux du métro parisien ».

Pour lui, la tendance, c’est bien, mais pas sans le patrimoine. « Il est nécessaire de rattacher la marque à son patrimoine. Si on ne fait que de la tendance, les gens perdent leurs repères ; et nos produits, alors sans racines, deviennent éphémères, et nos clients … volatiles ».

Mais Pascal d’Halluin gère tout cela à l’équilibre. « Notre manufacture est totalement intégrée. Nous faisons nous-mêmes nos pâtes, nos moules, nos couleurs, nos émaux. Même la terre est française », sourit-il.

Vous l’aurez compris, si la marque Gien détient l’Art de la Faïence à la française, elle maîtrise aussi celui, plus subtile, de continuer à nous surprendre !

Crédit photo : Gien France, Comité Francéclat 

L'orfèvrerie, une histoire d'amour (et de bijoux)

 

Elle habite en face de la boutique Voglux qu’elle a rachetée en 2007. Michèle Baschet, ancienne parurière des plus grandes maisons françaises de Haute Couture n’a jamais voulu quitter le quartier de son enfance ; ce quartier du 3ème arrondissement parisien, qui a vu naître et grandir l’orfèvrerie Voglux, aujourd’hui labélisée Entreprise du Patrimoine Vivant (EPV). Rencontre avec une artiste. 

Rue Saintonge, près du Marché des Enfants-Rouges, au cœur d’un Paris qu’on ne connait plus, se cache la boutique de Michèle Baschet. Durant toute son enfance, cette enfant du quartier a baigné dans une époque aujourd’hui révolue, du temps où les orfèvres et les artisans remplissaient encore les rues de paille, de bruit et de sciure de bois. « Aujourd’hui les artisans ne sont plus là et le quartier est moins vivant ; car les prix ont augmenté ».

Il en faudra pourtant bien plus pour détourner l’ancienne parurière des Maisons Dior, Yves-Saint-Laurent, Balenciaga et Vuitton d’un environnement qui a vu naître ses premiers amours : la céramique et le modelage.

« Je modelais mes pièces en céramique dans un petit bureau, chez mes beaux – parents. J’allais ensuite les cuire dans un atelier, pas très loin ».

Alors qu’en 2003, l’orfèvrerie Voglux est proche de l’extinction, elle décide de la racheter et y trouve un terrain de jeu inépuisable. Pendant de nombreuses années, et encore aujourd’hui, elle crée des pièces qui allient sa passion de la sculpture et du modelage à celui de la joaillerie, de l’orfèvrerie et des Arts de la Table.

« Je fais des choses qui me ressemblent pour ne pas me tromper et ne pas tromper les autres »

On ne saurait dire de quel monde viennent ces créations tant elles mélangent les techniques. « J’ai appris l’orfèvrerie sur le tard, bien après la sculpture et la peinture ». Portée par son imagination, Michèle Baschet crée un monde où « l’objet d’orfèvrerie ou d’art devient un bijou et inversement », comme cette bonbonnière ornée d’une hématite, ce presse-papier en coquillage ou ce porte-couteau tous deux entourés de corail doré. « Je fais des choses qui me ressemblent pour ne pas me tromper et ne pas tromper les autres ».

« Il faut laisser libre court à son imagination ou répondre précisément à une commande »

Aidée par sa fille Gabrielle, Michèle dessine, soude, polit, emboutit et martèle dans son atelier qui communique avec la boutique via une porte vitrée à l’ancienne. Les clients peuvent alors admirer son travail d’orfèvre mais aussi celui qu’elle fait sur les bijoux en métaux précieux. C’est important pour elle et sa fille. « Nos clients sont des collectionneurs  (le Yacht Club de France), des restaurateurs, des gens du quartier, des amoureux des objets ».

Michèle Baschet répond aussi à des commandes sur-mesure ou spécifiques, et collabore avec des stylistes, comme Hedi Slimane, et des photographes. «  Il faut laisser libre court à son imagination ou répondre précisément à une commande », se confie-elle.

Orfèvrerie, mon amour…

« Nous restaurons aussi bijoux et objets anciens (…) Certains particuliers et propriétaires de pièces familiales ont du mal à trouver des orfèvres pour réparer ou nettoyer leurs bijoux ou leur vieille théière trouée et salie. Ces objets ont une histoire et une valeur sentimentale à leurs yeux.
C’est une marque de confiance de la part de nos clients que de nous demander une restauration. L’orfèvrerie, c’est aussi cette histoire d’amour éternelle entre l’objet et son propriétaire ».

Crédit Photo : Voglux, Francéclat

Rencontre avec

Frédéric Morin Payé,

directeur marketing de Duralex.

Le verre Picardie est un emblème du verre à la française. Comment expliquez-vous ce succès ?

Ce verre possède deux particularités : sa forme et sa solidité. Sa prise en main est facile et il a l’art de trouver sa place sur toutes les tables, depuis celles des cantines de nos enfants à celles de nos grands-mères.

Duralex incarne le verre au quotidien qui rappelle l’enfance, évoque des souvenirs forts pour certaines générations.  Aujourd’hui, il incarne à l’international « le gobelet français par excellence » et il n’est pas rare qu’il apparaisse dans des films comme Skyfall, l’un des derniers James Bond.

Le modèle « Picardie » n’est pourtant pas récent, comment faites-vous pour le rajeunir et toucher un large public ?

Notre cœur de cible est âgé, mais le retour du vintage nous incite à l’élargir pour toucher un public plus jeune, qu’il soit professionnel, avec les restaurateurs, ou familial, avec les jeunes couples et leurs enfants. Pour y arriver, nous surfons sur la tendance très recherchée du « Made in France ». Nous créons également des variantes autour de ce modèle « Picardie » qui arborent des couleurs acidulées et s’invitent à la table du petit-déjeuner. Nous avons aussi lancé deux collections de trois couleurs chacune ; trois pour le printemps et l’automne avec 3 couleurs chacune.

Vous surfez sur la tendance du « Made In France », mais qu’est-ce que cela signifie et en quoi cette tendance est-elle recherchée aujourd’hui ?

Le consommateur français ne veut plus acheter de produits qui ne durent pas dans le temps. Il recherche plutôt la qualité et favorise des produits fabriqués en France. Notre pays possède toujours cette quasi inaltérable image de qualité et de savoir-faire à la française.  Nos modèles répondent à ces attentes.

Comment répondez-vous à cette tendance ?

Nous avons pour nous notre ancienneté, notre histoire et le savoir-faire qui en découle. Nous proposons un verre trempé à la fois solide, accessible à tous les budgets, et répondant aux carnets de tendances. C’est d’ailleurs la devise latine « Dura Lex, Sed Lex » (La loi est dure mais c’est la loi), qui a inspiré le nom de notre marque.

Au-delà des gammes de couleurs que vous proposez, vous jouez également sur les matières et sur l’expérience tactile qu’offre votre modèle. Pouvez-vous nous en dire davantage ?

Nous avons imaginé un modèle « Picardie » opaque, dans les tons noirs, marrons et gris béton. Il possède un velouté unique. Nous n’avons plus la sensation de toucher du verre.

Pouvez-vous nous parler de vos techniques de fabrication ? Comment arrivez-vous à ces résultats, en termes de qualité mais aussi d’innovation ?

La pâte de verre est fondue à 1500 degrés et tombe dans un moule. Ensuite, on extrait le verre du moule. La température retombe à 400 degrés, et on la remonte à 650 degrés ; c’est la température maximum au-delà de laquelle la pâte de verre fond. Ensuite, le verre passe dans un tunnel et subit un choc thermique de moins 300 degrés. Ce sont toutes ces tensions thermiques mises bout à bout qui rendent le verre si résistant.

Concernant les couleurs, et pour réussir à obtenir le rouge de notre modèle Picardie, nous utilisons un laquage organique non polluant à base d’eau. Pour les autres coloris, nous teintons le verre dans la masse. Ces techniques assurent des couleurs inaltérables et les verres peuvent être passés au lave-vaisselle.  

Pourriez-vous nous dire à quoi correspond le numéro que l’on trouve au fond du modèle « Picardie » ? Les écoliers disent, pour l’avoir sur les tables de leur cantine, qu’il indique l’âge de celui qui boit dedans…  

En effet, ce mythe, solide comme nos verres, perdure auprès des écoliers, mais aussi des plus grands, alors pourquoi vouloir le briser maintenant ?

Crédit Photo : Duralex 

À table avec...

Stéphane Trapier,

directeur de salle de la Tour d'Argent.

C’est un peu chez lui, à la Tour d’Argent, que nous rencontrons Stéphane Trapier. Deux bougies imprègnent le rez-de-chaussée et introduisent un univers élégant et chaleureux. Avant de découvrir la salle emblématique en haut de la Tour, nous discutons en bas de sa philosophie de travail : Comment perpétue-t-il l’esprit de la Maison, entre tradition et modernité ? Quel regard porte-t-il sur les arts de la table ?

Moins d’objets, plus de repères

Lorsqu’il intègre l’équipe de direction de salle, il y a six ans, Stéphane Trapier connait déjà l’identité de la Tour d’Argent puisqu’il y est sommelier. Il apprécie déjà l’adéquation des verres Riedel avec les vins français. « Ces verres en cristallin mettent en valeur le vin, ils facilitent l’association avec nos mets. Le restaurant est fier de ses traditions, comme ces verres, mais souhaitait aussi moderniser son art de la table, repenser une expérience globale ».

En conservant un style aux accents baroques, Stéphane Trapier et son équipe réfléchissent à une nouvelle table, plus légère. La nappe épaisse et d’un jaune franc laisse place à un tissage plus clair et léger. « Il nous a fallu deux années pour trouver la juste couleur ; un blanc cassé qui met en valeur les tables de jour comme de nuit. La timbale a également été redessinée pour devenir plus légère. Elle comporte toujours notre logo mais plus discrètement qu’avant. Elle est identitaire, comme le canard en argent ». Ce canard emblématique se présente désormais en cristal Baccarat ou cristal Lalique. Chaque canard est unique mais tous sont transparents et colorés.

Pour Stéphane Trapier, alléger les tables était nécessaire. Les objets incontournables, comme les candélabres de Christofle, suffisent à orner l’espace. « Je pense cette épuration nécessaire dans une société où les informations et objets abondent. Si les gens ne savent plus choisir, un directeur de salle doit être capable de le faire pour eux ». 

Le dessein du geste

Depuis quelques années, ce chorégraphe culinaire observe des changements de comportement. Le repas serait le meilleur moment pour les constater. « Les convives sont moins stricts à table, la rigueur a laissé place à une curiosité bienvenue », confie-t-il avec passion. La découverte tactile de la table devient, pour le convive, un moyen d’établir son espace de confort. Mimant une caresse sur la nappe, il nous expose le circuit habituel : d’abord le linge, puis la timbale. Ensuite l’assiette de présentation, parfois jusqu’à la retourner pour découvrir la signature Christofle. Enfin, la serviette. Tous ces objets mettent en confiance, ils servent de repères dans un contexte qui bouleverse parfois les habitudes culinaires. « Pour les restaurants gastronomiques, le plus important est d’obtenir la confiance du convive… et la conserver. Il peut alors lâcher-prise et profiter de l’expérience ».

Stéphane Trapier voit dans le moindre regard, dans le moindre mot, un indice sur le ressenti du convive. Mais la gestuelle devient pour lui l’indication la plus précieuse. Tous ces gestes d’appropriation de l’espace sont autant de sources d’inspiration pour recréer les ustensiles. Le beurrier, accompagné de son tartineur emblématique, a par exemple nécessité une création lente et minutieuse pour affiner son maniement. « Avec notre exigence de mise en scène, un petit objet devient très complexe. Pour le beurrier, tout s’est joué à 3mm près ».

Ce chef d’équipe aguerri profite de capacités d’observation et d’analyse redoutables. Dans ce métier, tout est aussi affaire de travail, de recherche. En constante veille, Stéphane Trapier se retrouve dans cette Maison qui ne s’interdit rien. « Les gens se lassent de plus en plus vite. Changer ne signifie pas faire mieux à tout prix, mais il faut savoir étonner à nouveau, réinventer les tables pour éveiller les sens ».

Crédit photo: La Tour d'Argent

À table avec...

Thierry Moysset,

dirigeant des Forges de Laguiole.

A la tête des Forges de Laguiole depuis 2007, Thierry Moysset s’est inspiré de son expérience des grands groupes et de sa philosophie de vie pour donner, au fil des années, un nouveau souffle à l’entreprise. Rencontre avec une forte personnalité qui s’empare du monde et l’embrasse avec force. 

Porsche, Alcatel ou encore Peugeot ne vous sont sûrement pas des sociétés ou des marques inconnues. Pour Thierry Moysset, elles le sont encore moins puisqu’il y a occupé des postes stratégiques pendant de nombreuses années. « Malgré mon profil de grand groupe, je voulais travailler au sein d’une PME (…) Dans une PME, les moindres erreurs se paient cash. Nous avons plus de responsabilités et l’on manage plus ».

Si la Coutellerie n’est pas son milieu de prédilection, avec les Forges de Laguiole, il y voit un challenge. «La situation était compliquée et ça m’a attiré. Vous savez, c’est plus facile de faire travailler un pompier quand il y a le feu que quand il n’y a rien à éteindre ».

Eteindre le feu, raviver la flamme

Et pour l’éteindre il utilise les techniques apprises dans les grands groupes afin de redonner stabilité à son entreprise. « On a rééquilibré les équipes, adopté une juste hiérarchie, relocalisé la fabrication ; on a innové, remarketé le produit (…) Les réflexes techniques et technologiques d’une grande société peuvent solutionner les problèmes d’une PME ».

« Moi le Cahier des Tendances des grands groupes, je m’en fiche »

Mais pour Thierry Moysset, ces réflexes ont une limite, tout comme les lois imposées par un marché dont il se tient éloigné : « Moi, les Cahiers de Tendances des grands groupes, je m’en fiche. Je réponds à une autre demande, celle qui vient du terroir. La tendance, elle est là ».

Aujourd’hui, les Forges de Laguiole ne recherchent pas le succès absolu mais plutôt la perfection. Alors, quand un objectif est atteint, quand une contrainte est dépassée, Thierry Moysset repousse plus loin encore les limites. « Nous voulons augmenter sans cesse la qualité de nos produits pour enrichir notre savoir-faire, nos métiers, et pourquoi pas en créer de nouveaux ». Pour lui « si vous enfilez un fil dans un chas de plus en plus fin, vous allez gagner en dextérité et en précision. A l’inverse, si le chas de votre aguille s’élargit, vous enfilerez le fil plus facilement, mais vous perdrez progressivement votre capacité à le faire dans un chas plus fin parce que la tâche sera devenue trop facile ».  

La dette et le don

En véritable conteur, il nous rappelle tout de même que la qualité à un coût : « si nous perdons la qualité, nous perdons aussi le savoir-faire ». Alors pour arriver au niveau d’exigence qu’il s’est fixé, il adopte un grand principe : la dette et le don. « Un bon couteau, on lui demande d’abord de bien couper, de se plier facilement et d’entrer dans notre poche. C’est sa dette. Son don, c’est la façon qu’il aura de faire battre votre cœur, parce que vous le trouverez beau, que vous l’aurez choisi, et qu’il vous rappellera un événement particulier ».

Pour Thierry Moysset, les consommateurs d’aujourd’hui raisonnent comme cela, et la dette ne suffit pas à les combler. « Si le produit n’a pas de valeur affective, il meurt et la dette ne suffit pas. (…) C’est d’ailleurs comme cela que nous devrions penser la vie parce que ce principe s’applique à tout ».

Crédit Photo : Forges de Laguiole, La Tribune

À table avec...

Hélène Huret,

Directrice de la Fondation d'Entreprise Bernardaud

D'ART ET DE CÉRAMIQUE

« La céramique par l’art ou l’art par la céramique », c’est le positionnement que prend, depuis plus d’une dizaine d’années, la Fondation d’entreprise Bernardaud, pour faire découvrir ce matériau au grand public. Chaque année, au sein de sa manufacture à Limoges, la Fondation expose des artistes internationaux. Rencontre avec Hélène Huret, Directrice de la Fondation et Commissaire de l’exposition 2017.

Le point de départ de cette aventure d’art et de céramique débute lorsque Michel Bernardaud, président du directoire de Bernardaud, demande à Hélène Huret, directrice de la communication de la marque, de réfléchir à une manière de faire découvrir la céramique au grand public. « Dans la céramique,  il y a la porcelaine, la terre cuite, le grès, la faïence. Mais elle est finalement assez peu connue en dehors du fait qu’on la trouve principalement à table ».

En dehors de la table mais au cœur de l’Art

Pour attiser la curiosité du public, Hélène Huret sort la céramique de la table et imagine une exposition annuelle autour de ce matériau, dans le circuit de visite organisé par Bernardaud à Limoges. Cette exposition repose sur deux critères : être un artiste utilisant la céramique comme matériau pour des œuvres qui ne doivent jamais avoir été exposées en France auparavant. « L’œuvre peut être une photo, une vidéo, une installation, mais il doit toujours y avoir un lien entre le sujet et la céramique ». Et pour motiver les artistes, Hélène Huret a ses astuces. « Les artistes ne peuvent pas exposer plus d’une fois tous les 10 ans. Ça les motive à aller plus loin dans leur processus créatif ».  

Du bleu, du blanc, de la terre et des bijoux…

Cette passionnée d’Art et d’Histoire imagine également des thématiques originales et des campagnes de communication décalées, qui donnent ses couleurs à la Fondation, comme le montrent les affiches des expositions. « Nous introduisons toujours nos expositions en les rattachant à l’Histoire. Par exemple, pour  « Bleu & Blanc », en préambule, nous avions présenté d’abord des objets d’usage en céramique bleue et blanche provenant du monde entier ».

Pour interpeller le public, il est aussi très fréquent que la Fondation prenne le contre-pied de ce que l’on rencontre fréquemment dans les expositions d’Art Contemporain. « Avec l’exposition « White Spirit », nous voulions montrer que le blanc n’est pas forcément lié à la pureté, à la sérénité, et qu’il peut être synonyme de violence ».

Certaines d’entre elles rencontrèrent d’ailleurs un vif succès, du fait des partis-pris forts de la Fondation. Hélène Huret se souvient : « l’exposition autour du Céladon, qui n’est pas une couleur mais bien une matière ; celle sur la Porcelaine Coréenne, ou celle sur les Bijoux en Céramique, que l’on avait intitulée « Un Peu de Terre sur la Peau » comptent parmi les expositions les plus marquantes pour le public et pour notre entreprise ».  

« Etre libre et le rester »

La Fondation, accessible à tous, l’est géographiquement un peu moins. Et c’est là peut-être que se trouve une partie de sa force. « C’est parfois difficile parce que nous sommes à Limoges, alors nous devons nous rendre toujours plus attractif pour inciter le public et la presse à venir nous rendre visite (…) ».  

Mais ce qui rend les expositions de la Fondation riches, c’est leur nature intrinsèque. « Nous avons la chance de n’être ni une galerie, ni un musée, ce qui fait que nous sommes plus libres ». Et quel est le thème de la prochaine exposition de cette année ? « Place aux fleurs ! », nous répond Hélène, avec un sourire complice.

Informations – contact

« C’est le bouquet »

A partir du 23 juin 2017 jusqu’au 24 février 2018

27 avenue Albert Thomas
87000 LIMOGES
Site internet : www.bernardaud.fr

Crédit Photo : Fondation d’Entreprise Bernardaud

Guy Degrenne,

capteur de tendances

Interview de Blandine Franc, Directrice de la marque Guy Degrenne

Où en est la marque Guy Degrenne en 2017 ?

« Auparavant, Guy Degrenne était une marque plus classique (…) et pas forcément tendance. Mais aujourd’hui, la marque se renouvelle, cherche à capter et à suivre les modes, à innover pour aller vers des produits modernes, dans l’air du temps. Nous voulons exprimer notre identité par de nouvelles formes et couleurs. »  

Quelles grandes tendances avez-vous captées pour cette année ? Lesquelles vous inspirent ?

« Actuellement Mix and Match  fonctionne très bien. Le Mix and Match, c’est l’art du dépareillé qui va bien ensemble. Vous mélangez des formes, des couleurs, et le résultat est harmonieux, raffiné, et répond aux codes du moment. »

Et vos collections ? Est-ce qu’elles répondent aussi aux codes du moment ?

« Bien sûr ! Nous avons même imaginé et développé une collection, la gamme « Modulo », avec du gris anthracite, du bleu pâle, du bleu céladon.  Les couleurs s’associent ensemble très facilement pour répondre à la tendance du Mix and Match, justement. Et cet automne, nous allons sortir de nouvelles couleurs plus chaudes, qui iront très bien avec les bleus et gris existants, d’où le nom de cette gamme : « Modulo,  qui se module. » 

Et quelles sont vos sources d’inspiration ?

« Nous nous inspirons de toutes les industries : mobilier, tissus, bijoux (…) mais aussi d’illustrateurs, d’architectes d’intérieur, de l’univers de la mode et du design, bref de tous ceux qui font les tendances de demain. Aujourd’hui, nous voyons beaucoup la table s’inviter ailleurs que dans la cuisine. Les salons design aux ambiances chaleureuses et cocooning, aux couleurs subtiles, tendres et douces sont aussi des lieux où l’on prend ses repas. Ce sont ces ambiances-là qui inspirent nos collections et les produits que nous imaginons et créons. »

Et vos projets pour la suite ?

« Nous voulons inscrire la marque dans un quotidien inspiré, (…) tout en restant accessible à tous les publics. Pour cela, nous jouons sur les gammes colorielles et les formes en nous appuyant sur les saisons. Nous nous inspirons de tous les domaines de la décoration, même les papiers peints nous inspirent ! Et pour une prochaine collection nous pourrons travailler avec une Illustratrice. Mais finalement, ce que nous souhaitons plus que jamais, c’est réussir à mettre les tendances au service de notre identité pour continuer à nous développer tout en nous affirmant. »

Crédit Photo : Patrick Rougereau

À table avec...

Christian Le Page,

fondateur de Jaune de Chrome et de JL Coquet

Christian Le Page est un funambule. Il oscille entre ciel et terre, air et matière, offrant à la poterie un alliage subtil fait de beauté, d’utilité et d’éternité. Très tôt, ce versaillais quitte sa famille et se lance dans la vie. Ses débuts se font loin de la céramique : « mon premier travail, à 17 ans, était de maquiller les défunts ». « Drôle de vie », se souvient-il encore. « Quand on est si proche de la mort au quotidien, on ne peut pas rester le même dans la vie ».

 Et pourtant, cette étape apportera la première touche de couleur au tableau de sa vie. En effet, cette expérience le pousse à peindre. « La peinture était une forme d’exutoire ; et puis j’avais ce contact avec la matière que j’aime tant ». Un critique d’art voit en ses travaux l’œuvre d’un homme âgé, expérimenté, alors qu’il n’a pas 20 ans. « Quand il m’a rencontré, il pensait découvrir un vieil homme. Ça l’a étonné de me voir si jeune, et moi, ça m’a déprimé » ; à tel point qu’il délaisse la peinture pour y revenir plus tard.

 La période du service militaire marque le début de sa vocation. « Je participais à l’effort de guerre en faisant fondre de l’émail sur des pièces en cuivre pour la Maison des jeunes  (…) On fabriquait des pièces pleines de couleurs que l’on pouvait utiliser comme récipient ». Cela le fascine immédiatement, et le conduit vers la poterie.

Jaune de Chrome

 Christian Le Page commence à tourner et à travailler le grès dans les années 80 et créé l’entreprise « Jaune de Chrome »,qui commercialise aujourd’hui des objets d’art à base de porcelaine pour les Arts de la Table, la salle de bain et la décoration d’intérieure. Il ouvre une première boutique rue de la Paix, avant de s’installer à Tivernon, en Beauce.  Avec « Jaune de Chrome », il impose et  propose une technique d’émaillage inédite, qui donne des reflets étonnants aux objets.

 « JL Coquet » n’arrivera que bien plus tard, en 2007, lorsqu’il rachète l’entreprise. Son intérêt pour la matière ne cesse d’ailleurs jamais de grandir puisqu’il acquiert à la même époque une verrerie de Murano, à Venise.  « Je suis passionné depuis toujours par la transformation de la matière, grâce au temps, aux éléments».

De l’Art à l’usage

« A l’époque, la céramique d’art souffrait déjà d’une image figée et veillotte. Les contenants n’avaient finalement pas d’usage particulier et ne vivaient pas en dehors du fait d’être des pièces uniques. »

 Face à ce constat, il se tourne alors vers l’assiette, vers le contenant, à la fin des années 80, laissant la céramique d’art de côté.  « On cherche à donner une valeur aux pièces, un usage, avec le travail des émaux ». Pendant 10 ans, il développe des gammes et créé des collections en partenariat avec des grandes Maisons.

Fort de ce succès mondial et grâce à de nombreuses rencontres, notamment celle avec le décorateur Christian Liaigre, « Jaune de Chrome » va évoluer vers l’univers des Arts de la Table. A ses côtés, il refait la décoration du restaurant « Troisgros », à Roanne. « Quand on travaille pour les plus grandes Maisons, on est des faiseurs, on disparait derrière ses créations ».

 S’il ne parle pas de certaines collaborations, il en dévoile d’autres qui ont fait grandir son art et sa pratique. « Ma rencontre avec Takashimaya, à New York (…) puis celle avec Alain Ducasse ».  Il travaille aux côtés de ce dernier et réalise la vaisselle de tous ses restaurants, de Paris à New York, en passant par Londres et l’Ile Maurice.

Retour à l’enfance

Tout, dans la vie de Christian Le Page, semble le pousser à insuffler la vie, à la sublimer,  par la matière et les éléments. C’est peut-être aussi dans ses racines, son enfance, et auprès de ses ancêtres qu’on retrouvera les prémices de son Art. « Mon arrière-grand père était commercial pour Haviland. En tant que Capitaine de bateau à Nantes, il transportait de la porcelaine française aux Etats-Unis et de la porcelaine chinoise vers l’Europe. (…) Chez ma grand-mère limougeaude,j’avais toutes sortes de porcelaine sous les yeux. On prenait tous nos repas dedans ».

« Je veux faire des choses qui restent dans le temps »

Il aurait aimé écrire, raconter cette vie, « sauf que l’écriture, ce n’est pas vraiment mon truc ». Alors pour laisser une trace, il tourne encore aujourd’hui lui-même la plupart des pièces de ses collections. « Je veux faire des choses qui restent dans le temps. Et quand on fait bien les choses, elles restent dans le temps ».  Terre, eau, air, feu, tout ou presque, dans la vie de Christian est naissance, renaissance, ou souligne l’importance de faire honneur à la vie, de la marquer, pour la rendre plus vivante, éternelle.

Depuis 2014, « JL Coquet », Entreprise du Patrimoine Vivant (EPV) et « Jaune de Chrome », font partie du groupe Héritage Collection. Héritage Collection s’intéresse aux savoir-faire traditionnels français et européens et investit dans des entreprises d’excellence. 

Crédit photo : Centre France

« L'Artisanat ne perdra jamais son âme à vouloir se moderniser »

Couverts

et orfèvrerie

Le monde des couverts accompagne la gastronomie dans l’univers de l’art de la table : leur place a évolué au fil des siècles, au fil des changements dans notre façon de cuisiner, de dresser la table, de servir et de consommer les plats. De nouveaux couverts spécifiques ont ainsi été créés : couverts de service, couverts à poissons, à crustacés, à dessert…

Les savoir-faire ont également progressé, les orfèvres utilisant de nouveaux matériaux et les traitant différemment, pour s’adapter à de nouveaux usages sociaux.

L’orfèvrerie, un art noble qui a su se mettre au service du quotidien

L’orfèvre est à la base l’artisan qui travaille l’or ou l’argent. La matière première (le lingot) va être forgée, cuite, limée, polie et poinçonnée (le poinçon d’État et le poinçon du maître).

Ces différentes étapes composent le travail de forge, qui caractérise l’art de l’orfèvrerie.

Les couverts, comme les assiettes, les verres et les autres objets de ce domaine, constituent aujourd’hui des accessoires esthétiques autant que des outils nécessaires.

Leur histoire est le reflet des évolutions sociales en matière de gastronomie et de protocole de dressage de la table. En effet, au Moyen Âge, on se contente de tailler la nourriture avec un tranchoir. La cuillère fait son apparition sur les tables au 14ème siècle. Le couteau apparaît quant à lui au 15ème siècle : c’est un objet personnel, que chacun transporte sur soi et apporte aux repas. La fourchette est le dernier couvert à trouver sa place sur la table, grâce à Catherine de Médicis qui en importe l’usage à la Renaissance. Il faudra attendre jusqu’au 18ème siècle pour voir son utilisation généralisée.

C’est également au 18ème siècle qu’on dédie au repas un espace permanent dans la maison : la salle à manger. Dans le même temps, on perd l’habitude de transporter son couteau personnel. Les conventions matrimoniales et sociales évoluent : cela entraîne l’apparition de la ménagère de couverts (48 pièces en général) constituée d’un coffret composée de toutes les pièces d’orfèvrerie nécessaires à la prise du repas.

Techniques ancestrales, savoir-faire traditionnels et innovations industrielles

C’est à la même époque qu’une véritable révolution va bouleverser le monde de l’orfèvrerie, accompagnant l’essor de la bourgeoisie, nouvelle catégorie sociale qui émerge et s’approprie les usages auparavant réservés à la noblesse, y compris dans l’art de la table.

Le fondateur de la maison Christofle dépose en 1842 un brevet, relatif à la technique de l’électrolyse, permettant de recouvrir un métal d’une fine couche d’or ou d’argent. Cette innovation va être la clé d’une première vague de démocratisation des couverts, même si bien sûr l’argent massif continue d’être travaillé par les grandes maisons d’orfèvrerie.

La deuxième révolution autour des couverts a lieu en 1948, quand Guy Degrenne décide de travailler une nouvelle matière : l’acier inoxydable, plus connu sous le nom d’inox. Une nouvelle vague de démocratisation permet alors au plus grand nombre d’avoir accès à des couverts accessibles mais également durables, l’inox étant globalement un matériau peu altérable.

Les designers en première ligne

Le paradoxe des couverts, fait d’une double exigence à la fois esthétique et fonctionnelle, représente un véritable défi pour les designers. Les attentes des consommateurs en termes de maniabilité, d’apparence, d’ergonomie, de praticité à l’usage et de durabilité ont amené les plus grands designers comme Thomas Bastide, Christian Ghion, Ora Ito ou encore Andrée Putman à collaborer avec les maisons les plus prestigieuses, dans le respect des traditions du berceau artisanal mais également industriel de la coutellerie, situé en Auvergne.

Patrick Jouin a notamment collaboré avec Puiforcat, proposant une nouvelle approche de la coutellerie, dans une exigence de fonctionnalité qui n’a par ailleurs rien cédé à l’esthétisme.

La

céramique

Savoir-faire ancestral, la céramique désigne l’art de fabriquer des objets à partir de matériaux tels que l’argile, le kaolin, le feldspath ou encore le quartz. Le mot concerne aussi bien l’art lui-même que l’objet obtenu. Au final, ce sont 4 familles qui composent l’univers de la céramique, le plus riche et le plus ancien dans l’art de la table. Partez à la découverte d’un savoir-faire, qui incarne aujourd’hui et plus que jamais l’art de vivre à la française.

La céramique, art du feu ancestral

La céramique est non seulement apparue avant la verrerie mais a également précédé la métallurgie.

Le mot céramique nous vient du grec « keramos » qui signifie argile, mais dans les faits « les » céramiques sont divisées en 4 familles distinctes, chacune avec ses spécificités de composition, de cuisson, d’aspect esthétique et ses qualités finales: la terre cuite, le grès, la faïence et la porcelaine.

Alors que le grès et la terre cuite ont un aspect relativement brut, la faïence offre un aspect déjà plus fin. Cependant c’est la porcelaine qui atteint la plus parfaite délicatesse, avec une apparence presque translucide, due à sa composition plus complexe (kaolin, feldspath et quartz) et à sa cuisson particulière à haute température.

Nous devons l’arrivée de la porcelaine en France à Colbert, qui avait instauré des relations commerciales avec la Chine et a ainsi permis les premières importations.

Les techniques évoluent, les modes de vie également, et le goût des français pour la porcelaine s’affirme au fil des siècles. Des manufactures de porcelaine se sont installées en Europe, comme la célèbre manufacture de Meissen, mais c’est grâce à Louis XV et à sa favorite Madame de Pompadour qu’une manufacture française a pu être créée, d’abord à Vincennes avant d’être transférée à Sèvres.

La porcelaine, symbole de l’art de vivre à la française

À partir de 1768 on commence également à fabriquer de la porcelaine à Limoges, grâce à la découverte de ressources naturelles sur place. La porcelaine de Limoges est devenue au fil des années une des plus prisées au monde.

La porcelaine de Limoges symbolise le prestige mondial de la porcelaine française moderne, la ville abritant aujourd’hui les plus grandes maisons de fabrication de porcelaine mais également des ateliers d’art (émail et vitraux). La ville a donc acquis au fil des siècles une réputation unique au monde, et l’a même menée à constituer une « Route européenne de la céramique. »

La manufacture de Sèvres a de son côté traversé les époques et les régimes politiques pour devenir la manufacture nationale de Sèvres, toujours en activité aujourd’hui et renommée « Cité de la céramique » en 2010, avec le Musée national de céramique, puis en 2012 avec le musée national de la porcelaine Adrien-Dubouché situé à Limoges. La manufacture est résolument orientée vers des créations contemporaines.

La particularité de l’évolution technique dans le monde de la porcelaine : la mécanisation de la production n’a pas nui à la qualité des produits finis, bien au contraire. Mais surtout, c’est aujourd’hui un univers qui a su s’adapter, en mariant habilement savoir-faire traditionnel et innovations esthétiques. Les designers les plus audacieux mettent au défi les fabricants les plus célèbres pour faire de la porcelaine le matériau qui sait, toujours et encore, s’adapter à nos envies sans jamais rien perdre de son élégance.

La

verrerie

Les coulisses de l’art de la table se dévoilent pour vous. Avec notre série consacrée aux savoir-faire des métiers de l’art de la table, découvrez ces univers passionnants qui mêlent art et artisanat. Au fil du temps, ils ont su concilier la modernité des techniques de création et de production au respect des traditions héritées des siècles passés. Premier épisode de cette série : la verrerie.

La verrerie à travers les âges et les pays

Qu’est-ce que le verre, à la base ? De la silice – principal composant du sable – que l’on amène à fusion, en y ajoutant divers fondants qui influeront sur les propriétés physiques du matériau obtenu (sa solidité par exemple), en modifiant sa température de fusion.

Le verre a une histoire très ancienne : les premiers récipients connus datent du XVIème siècle avant Jésus-Christ, et nous viennent de Mésopotamie et d’Égypte. Ce sont ensuite les Romains qui ont mis au point les procédés de soufflage, de taille, de gravure et de moulage.

Dès le XIIIème siècle, les ateliers de Murano en Italie, rendus célèbres pour leur travail délicat, produisaient une verrerie très raffinée et toute en transparence. Ce style s’est ensuite exporté en France, notamment dans les ateliers de Lorraine.

On a ensuite vu l’essor du verre de Bohême, qui fait entrer dans sa composition de la chaux et de la potasse afin de faciliter le travail du matériau, et utilisant par ailleurs le principe de gravure à froid, dans un style baroque.

La mise au point de la technique du cristal sous Louis XV, par l’adjonction de plomb au composant principal, donne un nouvel envol à la verrerie. La finesse et la beauté de ce matériau séduisent progressivement le monde entier.

Sur la table, l’utilisation des verres évolue également dans le temps. Du verre unique, on passe au service de verres et l’on décline ensuite le matériau dans des objets de plus en plus variés : assiettes, plats, coupelles, saladiers…

Mécanisation et respect des savoir-faire

C’est au XIXème siècle que les évolutions industrielles ont permis la production en série dans le domaine de la verrerie. Les entreprises de ce secteur, initialement situées dans les Vosges en raison de la proximité des zones d’approvisionnement en matières premières (sable, bois et eau) s’étendent alors au nord de la France.

Mais si la mécanisation des modes de production a industrialisé la fabrication des articles verriers, cette modernisation n’a pas porté préjudice à la pérennisation de savoir-faire ancestraux (le soufflage à la bouche notamment et le travail à la main) qui côtoient avec succès les nouvelles techniques dans les ateliers verriers artisanaux, tandis que les entreprises industrielles mettent les innovations technologiques au service de nouvelles demandes.

Un secteur dynamique et très diversifié

La verrerie représente aujourd’hui un secteur très actif dans l’art de la table : du luxe à la consommation courante, les fabricants ont su s’adapter à des attentes qui évoluent. Esthétisme, résistance, créativité technique, design innovant, couleurs, respect de critères environnementaux… Le savoir-faire verrier à la française est plus dynamique que jamais, et a réussi à concilier noblesse et popularité.

GASTRONOMIE

ET ART DE LA TABLE

Aujourd’hui l’art de la table occupe une place particulière dans l’art de vivre à la française. Les bouleversements sociaux des derniers siècles ont modifié nos styles de vie, y compris dans le domaine de la prise des repas. Les révolutions industrielles ont entraîné un assouplissement considérable de ce qui était auparavant un art très normé et codifié. Les innovations techniques ont aussi permis de repenser totalement la façon de fabriquer et de transformer les produits des arts de la table.

Au final, notre façon de cuisiner et de dresser la table pour le repas constitue une spécificité française unique au monde.

L’excellence du repas à la française

L’UNESCO a classé en 2010 le repas gastronomique à la française au patrimoine immatériel de l’humanité. Cette distinction prestigieuse marque la reconnaissance officielle de l’excellence française en matière de gastronomie.

Cette excellence est étroitement liée au prestige de l’art de la table français, qui contribue à la renommée des grandes tables. Il s’agit aussi d’un rituel culturel qui n’existe nulle par ailleurs, bien que le rayonnement de l’art de la table à la française soit aujourd’hui mondialement reconnu.

En effet, en France l’art de la table fait concrètement partie de la culture et résulte de siècles de travail et d’histoire mais surtout de savoir-faire unique au monde.

Une culture riche et remontant au Moyen Age

L’art de la table existe depuis longtemps, même s’il a été relativement rudimentaire pendant une longue période : au Moyen Age par exemple, l’absence d’assiettes n’empêchait pas une culture très codifiée de la prise des repas. On utilisait tailloirs et tranchoirs, la nourriture étant servie sur du pain, lui-même déposé sur une planche de bois. Seule la matière de la planche variait selon le prestige de la table : or et argent aux tables de la noblesse, bois sur les tables des paysans.

C’est donc la monarchie qui a fait évoluer l’art de la table, en conférant à ce moment privilégié qu’est le repas une élégance et un raffinement hors du commun. La richesse et le pouvoir sont mis en évidence de façon ostentatoire et cela passe par des usages très normés, qui construisent un art de la table au comble du raffinement, notamment sous le règne de Louis XIV.

Le pouvoir en place, à travers ses hommes politiques, permet également de créer des manufactures royales (porcelaine, orfèvrerie…) installant officiellement une excellence française qui rayonnera progressivement dans le monde entier.

Art de la table et révolutions

Ce sont ensuite les différentes révolutions qui vont venir transformer notre gastronomie et nos rituels de repas, bouleversant dans le même temps l’art de la table tel qu’il existait sous les grandes monarchies. La révolution française provoque de fait une émigration massive des aristocrates mais leur domesticité reste en partie sur le sol français. Tout le savoir lié à l’art de la table est alors utilisé à travers l’ouverture des premiers restaurants, dont l’apparition modifie totalement la façon de servir la nourriture, qui ne peut plus être apportée à table à raison d’une dizaine de plats à la fois.

Après les restaurants viennent les palaces, drainant une clientèle riche et exigeante. Ces palaces commandent aux orfèvres et aux porcelainiers des collections spécifiques pour leur maison, toujours dans un souci de magnificence et de raffinement extrême, tant pour la nourriture servie que dans la façon de la présenter et de la servir. Restaurants et palaces – qui marquent l’apogée de la bourgeoisie – créent donc par phases successives une nouvelle culture dans la façon de recevoir, de préparer les repas et de les servir à table.

Cette culture sera portée et amplifiée par les révolutions industrielles, qui permettront des innovations techniques majeures : nouveaux matériaux, nouvelles formes, nouveaux usages et coûts de fabrication et de transports réduits. On voit notamment l’apparition de l’inox, de la verrerie mécanique, de la porcelaine pressée.

En parallèle, les révolutions sociales modifient nos habitudes de repas, qui ont peu à peu fait de l’art de la table un univers affranchi de ses codes les plus stricts. Aujourd’hui l’art de la table est devenu un loisir, toujours lié aux plaisirs gastronomiques et mettant en valeur, avec des usages nouveaux, plus décontractés mais riches de siècles d’histoire, l’art unique du repas à la française.