Rencontre avec...

Georges Richard,

PDG de L’Atelier du Vin : De la cave à la table, faire parler le vin

Du dessin au choix des matériaux, la collection de verrerie et d’accessoires œnologiques conçue par L’Atelier du Vin n’a qu’une ambition : magnifier le vin. Pour reprendre les bases de la dégustation, son président Georges Richard nous guide pas à pas de la cave à la table.

Le livre de cave, là où tout commence
Une bonne dégustation commence par une bonne organisation de sa cave. Or pas de secret pour Georges Richard, tout cela commence par la bonne tenue d’un livre de cave. « Pour que ce livre de cave soit valable, il faut y noter toute entrée ou sortie, et la date d’apogée de chaque vin. Il permet d’organiser sa cave avec en tête les vins à boire dans l’année, puis les vins en attente ».

Un vin à son apogée
On a beau dire que le vin se bonifie avec le temps, la réalité est plus nuancée. Au fil des années, un vin évolue jusqu’à atteindre sa phase de plénitude avant de décliner. Pour apprécier toutes les qualités d’un vin, mieux vaut donc l’ouvrir à sa date d’apogée, mais à condition d’en avoir connaissance. « Ouvrir un vin au mauvais moment, cela peut être un sacrilège ! Il faut demander conseil au caviste ou encore mieux à la propriété. Aujourd’hui de plus en plus de propriétés sont accessibles via les réseaux sociaux ou sites internet, et elles seront ravies d’indiquer la date d’apogée d’une bouteille ou encore de recommander le carafage d’un vin ou non.

Etape cruciale pour déguster un vin, le carafage permet de mettre un vin en contact avec l’air. « Les vins de garde ou vins vieux préfèreront des carafes étroites comme celle nommée Spirale ou Cantatrice, qui vont prendre soin d’oxygéner le vin avec délicatesse.
Pour les vins jeunes qui ont besoin d’une forte oxygénation, mieux vaut privilégier des carafes avec une base importante, comme la « Ligne » dont le style rappelle celles du 18e siècle. On peut également poser sur la carafe des éléments qui aideront à favoriser en douceur cette oxygénation pour que le vin libère amplement ses arômes » précise Georges Richard. C’est le cas du miroir à décanter, et qui permet d'accompagner le vin dans toute son expression.
Afin de poursuivre l’oxygénation dans le verre, l’Atelier du Vin a consacré de longues recherches pour mettre au point « l ’Exploreur », un verre unique qui a le don de faire parler le vin lors de l’examen visuel, première étape de la dégustation d’un vin, et de l’examen olfactif, seconde étape de la dégustation.

À chaque vin son verre
« À l’atelier du vin, nous faisons en sorte que le verre s’oublie lorsqu’on le porte en bouche ». Facile à dire, mais plus compliqué à réaliser. Pour cela, la maison fait appel à spécialistes qui apportent leur expertise, et lui donnent toute sa finesse dans sa partie supérieure sans négliger sa robustesse. Le dessin des verres est également essentiel, de grands vins rouges ou blancs élevés en fut de chêne s’exprimeront au mieux dans un grand contenant, tandis que des vins rouge légers, des vins blancs parfumés ou un champagne préféreront une taille intermédiaire.

Afin de déguster tous les types de vins dans les meilleures conditions, l’Atelier du Vin explore à travers la série Good Size, quatre verres aux dimensions et proportions spécifiques destinés à libérer les arômes tout en privilégiant le confort de la dégustation. « Dans notre collection, précise Georges Richard, nous avons fait le choix de ne pas proposer de verres avec des cols resserrés qui viennent toucher le nez et nous obligent à avoir la tête quasiment en arrière. Nous préférons des verres qui privilégient une manière de boire plus confortable ».

Côté « bulles », on oublie la coupe qui fera perdre au champagne tout son pétillant et on lui préfèrera la flûte conçue par la maison. Elle se caractérise par un point de perlage qui favorise l’effervescence (petites chaînes de bulles) constante, synonyme en œnologie de vivacité et de fraîcheur du produit.

Crédit photos : L’Atelier du Vin

Virebent, créateur de céramique contemporaine

La Manufacture Virebent doit sa renommée à son avant-gardisme et continue aujourd’hui d’écrire son histoire en complétant ses grands classiques de collections résolument contemporaines élaborées artisanalement dans son propre atelier de création.

Virebent, à l’avant-garde du design
Dans le département du Lot, Virebent perpétue l’art de la céramique depuis près d’un siècle. Issu d’une famille d’architectes céramistes originaire de Toulouse, Henri Virebent fonde sa première manufacture en 1924 à Puy-l’Évêque. Virebent est alors une usine de porcelaine industrielle prospère qui produit des boutons de porte, des bouchons de bouteille, des isolants et composants pour l’industrie électrique et qui emploie une centaine de personnes.
Au cours des années 1960, alors que le plastique se généralise, la manufacture amorce un virage vers les arts de la table et la décoration. Philippe Paré, alors directeur de la manufacture, a l’idée avant-gardiste de s’entourer de grands noms de la céramique pour lancer une ligne de produits artistiques.
Des artistes-céramistes de renommée comme Pierre Lèbe, Yves Mohy, René Berthoux vont ainsi se lancer dans l'aventure, suivi de François Gueneau, Bernard Prigent, Jacques Buchholtz et d'autres encore… qui créeront de nouveaux modèles, entrés depuis dans les collections permanentes du Musée des arts décoratifs à Paris.

Savoir-faire et innovation
Virebent a beau avoir associé son nom depuis un demi-siècle aux grands noms du design, il n’a jamais cessé de développer son savoir-faire exclusivement manuel et sa maîtrise unique de la porcelaine, du grès ou de la faïence. Dans cette manufacture historique, la précision des gestes se transmet depuis plusieurs générations, de la réalisation du modèle à la conception de la matrice et des moules.

Entre collections historiques et création de lignes plus contemporaines, Virebent étoffe son savoir-faire de nouvelles recherches sur les terres et leur cuisson, les émaux et leurs effets, mais également sur les process de fabrication. Toutes ces innovations sont destinées à produire des pièces en porcelaine blanche, émaillées ou décorées et des modèles pour de grands créateurs français et étrangers. Ce n’est donc pas le fruit du hasard si Virebent est aujourd’hui labellisé Entreprise du Patrimoine Vivant (EPV), un label attribué à une poignée d’entreprises détentrices d’un savoir-faire unique, reposant sur la maîtrise de techniques traditionnelles.

Un nouvel élan créatif
Un siècle après sa création, Virebent est l’un des derniers ateliers céramistes français à avoir pour spécificité de travailler toutes les céramiques. Leurs collections de vaisselles tout comme d’objets décoratifs en grès, en faïence ou en porcelaine séduisent une clientèle internationale tandis que les associations avec les créateurs se multiplient. Cette nouvelle impulsion est due au duo formé par le designer Vincent Collin et la fondatrice de la galerie parisienne « Édition Limitée » Frédérique Caillet, tous deux associés pour reprendre les rênes de Virebent au début des années 2000.

Depuis, l’esprit créatif qui a fait la renommée de la manufacture lotoise a pris un nouvel élan. Inspiré par le thème du « Cabinet de curiosités », Vincent Collin a notamment dessiné une série de bouteilles en porcelaine, le photophore « Hamlet » qui prend la forme d’un crâne ou encore le lustre « Médor » en porcelaine non émaillée, et multiplié les collaborations. De plus, Virebent s’est associé à la marque Tsé & Tsé pour créer une collection de vaisselle ou le parfumeur Dyptique dont elle a signé les pots à bougies.

Crédit photos : Virebent

Grands chefs 

Claudine Dozorme : « La coutellerie française s’impose sur les tables étoilées » 

Les Grands Chefs aiment avoir de beaux couteaux, et si possible des couteaux juste pour eux, à la mesure de leur prestige, de leur cuisine et de leur table.
Pour cela, ils sont nombreux à se rapprocher des maisons de coutellerie française, comme la coutellerie Claude Dozorme, pour créer leurs propres modèles afin d’habiller leurs tables et sublimer leur cuisine.
Rencontre avec Claudine Dozorme, héritière et propriétaire de la manufacture ancestrale, Claude Dozorme. Elle nous explique comment les grands chefs détournent, s’approprient certaines pièces et façonnent à leur manière le destin de la coutellerie française tout en l’exportant par-delà nos frontières.

Depuis 1902, la coutellerie Claude Dozorme fabrique des pièces toujours plus audacieuses. S’entourant de designers et à l’affût de matériaux atypiques, la manufacture a su s’imposer et se diversifier avec des pièces particulières et notables, comme le « Flat Cut » ou le modèle « Shadow » du designer Thomas Bastide.

Le souhait du chef Jacques Decoret à Vichy
Cette originalité n’est pas passée inaperçue : de nombreux grands chefs s’emparent des modèles et en demandent leur personnalisation pour marquer de manière encore plus forte leur environnement culinaire, comme l’explique Claudine Dozorme.
« Jacques Decoret, Meilleur Ouvrier de France, est aussi le seul chef étoilé que le département de l’Allier ait depuis 17 ans. Il a tellement aimé notre partenariat avec Thomas Bastide qu’il nous a demandé de matifier la lame du modèle « Shadow » pour ne plus y voir de traces de doigts à l’entretien », raconte la propriétaire de la manufacture familiale.

Les couteaux non commercialisables, par Thierry Costes
Parfois, la collaboration va plus loin, comme avec Thierry Costes. Le cofondateur des établissements Costes, comme « L'Hôtel Costes» ou le prestigieux « Café Marly » a souhaité « emprunter » le savoir-faire de la coutellerie et l’associer à un studio de design pour créer sa propre collection : la collection de couteaux à steak « Beaumarly ».
« Thierry Costes voulait à la fois un couteau qui lui soit propre et une manufacture capable d’intégrer toutes les étapes de fabrication. Il a fait appel au célèbre studio parisien MM pour dessiner l’objet et nous avons mis à sa disposition notre usine, nos outils et nos méthodes », continue d’expliquer Claudine Dozorme.

Cependant comme ces couteaux sont faits pour être « uniques » et le rester, il est difficile de les trouver partout alors pour les commercialiser, l’accord préalable du commanditaire est nécessaire. « Nous vendons certaines collections dans des boutiques renommées et spécialisées. Elles sont surtout situées aux Etats-Unis, sur la côte ouest ».

Le chef Jean-Georges, triplement étoilé à New York
Heureusement, l'« inaccessibilité » de certaines collections reste une exception. La présence de belles pièces (commercialisées) sur les tables de restaurants étoilés a aussi un impact sur les clients de la coutellerie, en France comme à l’international. « En France, les clients qui voient nos pièces sur les tables cherchent à les retrouver dans nos boutiques », souligne Claudine Dozorme.

Par-delà nos frontières, les restaurants français qui ouvrent à l’étranger développent certaines collections. « Les tables les plus renommées, comme celles de Jean-Georges, à New York - considéré par le guide Michelin comme l'un des meilleurs restaurants de cuisine française sur le continent Nord-Américain - vont exporter notre savoir-faire en nous recommandant sur leurs tables. Ce sont aussi elles qui choisissent ce qu’elles veulent mettre en avant selon le style de l’établissement : du Thomas Bastide pour un cadre plutôt design, de la Bakélite ou des manches en ébène si le cadre est plus chaud ».

Des étoiles et rien d’autre
Si l’on retrouve de la belle coutellerie sur les tables étoilées, c’est pour une raison simple : « le couteau est un objet de collection et de caractère très courtisé. Il affirme la personnalité du chef depuis sa cuisine jusqu’à sa table. Les grandes brasseries ne sont pas dans la même approche. De fait, nos couteaux s’adressent plutôt à des établissements de 50 couverts », termine Claudine Dozorme.

Crédits photo : Claude Dozorme

Saint-Clément, Lunéville,
Niderviller : 

Le savoir-faire Lorrain depuis trois siècles

Tour à tour concurrentes ou alliées, les Manufactures de Saint-Clément, Lunéville et Niderviller doivent leur destin hors du commun à d’illustres mécènes comme à de grands artistes. Héritières du savoir-faire lorrain en matière de faïence, elles perpétuent aujourd’hui trois siècles de tradition.

La Lorraine, berceau de la faïence
Les Faïenceries de Lunéville et de Saint-Clément sont les héritières des prestigieuses faïences de Lorraine depuis le 18e siècle : le Lunéville et le Saint-Clément. Terre faïencière par excellence, la Lorraine voit s’installer les premières manufactures au tout début du 18e siècle.

S’ouvre alors une période faste pour les faïenceries qui bénéficient du déclin de l’orfèvrerie alors que Louis XIV ordonne de faire fondre l’argent et le vermeil pour financer l’effort de guerre. Les faïenceries connaissent un essor important et amorcent un renouvellement des arts de la table avec la création de nouvelles pièces ornementales et techniques.

Une histoire qui se confond avec celle du Duché de Lorraine
C’est dans ce contexte que Jean-Jacques Chambrette fonde la manufacture de Lunéville en 1730. Utilisant la Terre de Pipe en Terre de Lorraine ou encore faïence blanche calcarifère, la faïence de Lunéville se distingue ainsi par sa finesse et sa blancheur ainsi que par la délicatesse de ses décors qui s’inspirent de l’orfèvrerie. Un raffinement remarqué par Stanislas Leszczyński, Roi de Pologne puis Duc de Lorraine, et qui élèvera la faïencerie au rang de Manufacture royale.

L’entreprise connaît alors un premier âge d’or avec une production extrêmement variée - faïences communes, faïences fines et réverbère – qu’elle exporte vers l'Allemagne, la Pologne, l'Italie ou les colonies. En 1758, M. Chambrette poursuit son expansion en créant une seconde usine tout aussi prestigieuse, la manufacture de Saint-Clément qui, quelques décennies plus tard, se fait remarquer avec le style « Louis XVI », en fournissant 2 000 pots destinés à décorer le Petit Trianon pour la reine.

Un atelier d’art dédié à l’art nouveau
Après une séparation de plus d’un siècle, les deux manufactures fusionnent à nouveau au 18e siècle. La production de Lunéville connaît un second âge d’or en s’associant aux grands noms de l’Art nouveau. La création d’un atelier d'art, qui s’intéresse particulièrement aux grès flambés et aux émaux à effet, permettra à des artistes comme Ernest Bussière, Edmond Lachenal ou Louis Majorelle de créer des œuvres exceptionnelles d’inspiration végétale : ainsi l’école de Nancy donnait naissance à l'Art Nouveau.

Quand la tradition bouscule les codes
Aujourd’hui, les Manufactures de Saint-Clément, Lunéville et Niderviller prolongent leur savoir-faire hérité du 18e siècle en produisant des collections intemporelles qui traversent les générations à l’image des collections "Réverbère" fin par Lunéville ou "Grand Siècle" par Niderviller.

Une tradition que les Manufactures se plaisent également à bousculer à travers des objets de décoration qui n’hésitent pas à casser les codes, comme en témoigne le chien Azor de la Maison Saint-Clément, un bulldog français livré dans sa boîte cadeau avec son certificat de naissance.

Une nouvelle image, que les manufactures souhaitent incarner à travers des collaborations, la designer Dominique Tage imagine notamment la joyeuse collection "Paris", des luminaires design ou encore une collection spécialement conçue pour les enfants.

Des pièces encore fabriquées dans les ateliers lorrains des faïenceries de Saint-Clément, Lunéville et Niderviller, désormais labélisées « Entreprise du Patrimoine vivant », une reconnaissance distinguant les entreprises françaises disposant d'un savoir-faire d'exception.

Crédit photos : Terres d’Est

Robert Haviland
& C. Parlon :

Le classicisme intemporel
à la française

Fondée en 1924 par Robert Haviland, arrière-petit neveu de David Haviland qui fonda l’historique maison-mère à Limoges, la Manufacture de porcelaine Robert Haviland & C. Parlon semble avoir traversé les décennies sans perdre de son chic, figurant depuis près d’un siècle parmi les plus prestigieuses maisons d’art de la table du luxe français.

Si la manufacture doit en partie sa renommée au nom des Haviland auquel il est impossible de ne pas l’associer, la maison Robert Haviland & C. Parlon a su au fil du XXe siècle se démarquer et inscrire son nom dans la cour des grands. Les années 1950 sont notamment décisives. Michel Ardant et André Parlon, qui tiendront les rênes de l’entreprise pendant quarante ans, revendiquent de grandes ambitions et innovations pour leur Manufacture.

De New York à Giverny
Les collaborations avec les musées se multiplient, l’assiette russe créée en 1762 pour l’Impératrice Catherine II de Russie est ainsi reproduite pour le Metropolitan Museum of Art de New York, la tasse Rossini pour l’Opéra de Paris et le service Pivoines pour le Mad (Musée des Arts décoratifs).

Sans oublier le service de table inspiré par Monet créé pour le Musée Claude Monet de Giverny. Ses couleurs audacieuses et sa grande simplicité affichent alors une modernité sans précédent, d’où le succès que remportera ce service.

Des pièces intemporelles
Gage d’un grand savoir-faire, la porcelaine Robert Haviland & C. Parlon incarne alors le raffinement français dans bon nombre de palaces et d’ambassades à l’étranger. « Nos modèles, qui se révélaient très modernes pour l’époque, sont devenus des classiques. Ils incarnent un savoir-faire pointu, notamment avec les incrustations et les décors fins que peu savent exécuter. Si nous assumons notre classicisme, cela ne nous empêche pas de suivre les progrès techniques de très près » commente Olivier Rouget, responsable des ventes de la société-mère, la Compagnie des Porcelaines de Limoges qui est membre du prestigieux Comité Colbert, et s'est vue récompensée du label Entreprise du Patrimoine Vivant.

Nouvelles collections et collaborations
Outre les rééditions de pièces intemporelles qui ont fait la renommée de la marque, chaque année voit sortir une nouvelle collection de la Manufacture limougeaude. Ce sont des pièces créées avec la collaboration de ses artisans-décorateurs ou confiées à des designers.

Les stylistes Arielle de Brichambaut, qui a notamment travaillé avec Hermès, imagine pour Robert Haviland & C. Parlon la collection Syracuse, tandis qu’Isabelle Barthel conçoit une collection aux couleurs fraîches et au dessin léger évoquant un printemps éternel pour Jardin de Louise, ou encore réinterprète le jardin à la française pour la collection Grand Parc.

Le luxe à la française toujours plébiscité à l’étranger
Séduisant une clientèle fortunée, exigeante et internationale, la porcelaine Robert Haviland & C. Parlon vient parfaire la décoration des yachts, d’avions privés et de certains intérieurs aux quatre coins de la planète. Toujours très présents aux Etats-Unis, les produits Robert Haviland & C. Parlon s’exportent aujourd’hui au Moyen-Orient, en Russie et de nombreux autres pays. Très prochainement, la Chine accueillera ces collections pour séduire une nouvelle clientèle.

Crédit photos : Robert Haviland & C. Parlon

Rencontre avec…

Alain Mouly, Président de l’UFPL

(Union des Fabricants de Porcelaine de Limoges)

La Porcelaine de Limoges est désormais une indication géographique protégée (IG), et c’est en grande partie grâce à Alain Mouly, le président de l'Union des Fabricants de Porcelaine de Limoges (UFPL). Il lui a fallu convaincre trois présidents de la République et nettement plus d’interlocuteurs. Il sait que l'IG est une étape décisive pour un secteur qui mérite d’être protégé, au profit des acteurs locaux, de la Haute-Vienne mais surtout des consommateurs.

En quoi l'indication géographique (IG) protégée est-elle si importante pour la porcelaine de Limoges ?
Tout d’abord cette indication géographique permet de valoriser le savoir-faire et l’excellence de la porcelaine de Limoges. Une histoire qui a plus de deux siècles puisque le Kaolin a été découvert près de Limoges en 1768 et la première fabrique de porcelaine de Limoges a été édifiée 4 ans plus tard, à la demande expresse de Louis XV.
L’objectif de cette indication est de dynamiser le territoire en incitant des acteurs de la céramique à venir s’implanter en Haute-Vienne. C’est déjà le cas pour certaines entreprises installées ailleurs en France et qui se sont manifestées pour nous rejoindre. De plus, nous espérons que cela aura un impact positif sur le tourisme local.

Et pour les entreprises locales ?
Avec cette indication, nous valorisons et pérennisons des métiers en les protégeant des dérives apparues depuis le début des années 2000. Des entreprises apposaient le chromo « Porcelaine de Limoges » sur des produits manufacturés en Chine ou au Maghreb. Sans aller aussi loin, nous avions aussi des cas d’entreprises européennes et même françaises, ayant pignon sur rue, qui vendaient de la porcelaine de Limoges. La contrefaçon s’était généralisée. Désormais, nous avons un cadre juridique qui nous permet de sévir et de nous retourner vers les tribunaux.

L’implantation géographique est donc nécessaire pour s’appeler Porcelaine de Limoges ?
Exactement, mais pas seulement. Un cahier des charges défini en étroite collaboration avec l’Institut National de Propriété Intellectuelle (Inpi) détermine clairement 12 conditions auxquelles doivent répondre les entreprises qui souhaitent désormais se prévaloir « Porcelaine de Limoges ». Aujourd’hui, cela concerne une trentaine d’entreprises qui décorent ou fabriquent de la porcelaine autour de Limoges, et plus de 1 200 acteurs qui participent directement à cette activité.

La prochaine étape : chaque entreprise, fabricant ou décorateur de Haute-Vienne, doit obtenir une certification individuelle après avoir été auditée par un organisme de contrôle accrédité par le gouvernement.

Qu’est-ce que cette indication apporte aux consommateurs ?
Cette indication géographique est issue d’une loi de consommation qui place le consommateur au centre de ses intérêts. Elle garantit à ce dernier information, protection et lui assure l’authenticité du produit sans équivoque. Et cela s’applique au niveau national comme international.
Avant, le consommateur n’avait aucune garantie que la porcelaine dite de Limoges qu’il achetait ait bien été fabriquée sur place. C’est chose faite. Il faut bien comprendre que cette indication a d’abord été faite pour protéger les consommateurs, qu’ils soient Français ou étranger. Il ne faut pas oublier que la porcelaine de Limoges est une marque d’excellence et qu’elle se vend principalement à l’exportation.

À qui profite en premier lieu cette indication géographique : aux grands ou aux petits fabricants et décorateurs de porcelaine de Limoges ?
C’est une bonne question. Et contre toute attente, je pense que cette indication profite en premier lieu aux petites entreprises. En effet, avant, elles étaient absentes au-delà de nos frontières, sans possibilités de se défendre contre la contrefaçon. Aujourd’hui, avec cette indication, elles sont protégées. De plus, le Quai d’Orsay, qui est en charge de promouvoir le commerce extérieur, se fait fort de mettre en avant nos produits d’excellence.

Pensez-vous que cette indication géographique va se développer à d’autres produits ?
Absolument. Il y a une vingtaine de produits qui devraient avoir prochainement leur indication géographique, parmi lesquels les couteaux Laguiole ou le savon de Marseille. Encore faut-il que ceux qui s’en revendiquent se rassemblent en organisme de défense et de gestion.
Ce qui a tout changé, c’est en 2014, quand la loi Consommation a étendu les indications géographiques aux produits manufacturés. Avant, elle ne concernait que les produits agricoles et agro-alimentaires, comme par exemple le Camembert. Dès lors, nous avons œuvré pour que la porcelaine de Limoges obtienne cette indication. Je n’ai qu’un regret, c’est que nous n’ayons pas été les premiers à l’obtenir.

Crédit photos : Artoria, Adfields, Bernardaud

Pillivuyt : deux siècles d’authenticité
et d’innovation

Voilà deux siècles que l’histoire de la porcelaine berrichonne se raconte à travers Pillivuyt, manufacture de porcelaine française. Pour célébrer ce 200e anniversaire, l’entreprise Pillivuyt, labellisée Entreprise du patrimoine vivant (EPV) en 2009, annonce quelques surprises, et on n’en attendait pas moins ! Outre un savoir-faire exceptionnel, l’innovation fait également partie de l’ADN de cette maison qui n’a cessé de se démarquer depuis sa création.

1818-2018, deux siècles de porcelaine berrichonne
Porcelainier depuis 1818, Pillivuyt porte le nom de son fondateur Jean Louis Richard Pillivuyt, un banquier suisse qui quitte Paris pour s’installer au vert dans le village de Foëcy, où il achète une manufacture de porcelaine. Lorsque son fils Charles installe la porcelainerie dans le village voisin de Mehun-sur-Yèvre en 1853, Pillivuyt est déjà une entreprise prospère qui a remporté de nombreux prix et dont la première boutique est installée dès 1847 rue de Paradis à Paris.

Lauréate de la prestigieuse Médaille d’or de l’Exposition Universelle de 1867, Pillivuyt jouit alors d’une belle renommée et devient une maison de référence pour les têtes couronnées de Hollande ou d’Egypte. À l’aube du XXe siècle, Pillivuyt exporte ses créations dans les pays anglo-saxons ainsi qu’en Amérique du Sud, et incarne le savoir-faire hexagonal. 

Plus d’un siècle plus tard, le porcelainier a conquis les Etats-Unis, le Danemark, les Emirats ou encore la Russie et réalise 60% de son chiffre d’affaires à l’étranger. Au fil des années, le nom Pillivuyt s’est également fait une place dans la porcelaine culinaire et dans le secteur de la restauration pour lequel elle n’a cessé de développer des lignes de porcelaine adaptées aux exigences culinaires des chefs, mais aussi des particuliers passionnés de cuisine.

Des pièces devenues cultes
Si l’entreprise historique défend depuis deux siècles un savoir-faire et des méthodes ancestrales, Pillivuyt doit également à ses capacités d’innovation des pièces devenues emblématiques, et qui marquent encore aujourd’hui l’histoire de la porcelaine française. Créée en 1904, la tasse « Bar à pans », si chère à nos bistrots parisiens, en est le plus bel exemple. Suivront la création du moule à tarte, de l’assiette à steak, de la soupière tête de lion et du mazagran.

Avec toujours un temps d’avance sur son temps, Pillivuyt associe son savoir-faire à de nouvelles avancées technologiques brevetées qui lui permettront de développer des produits novateurs. En proposant des produits capables de supporter des écarts de température allant de -25°C à 300°C, la manufacture fait entrer la porcelaine dans une nouvelle ère. Les plats en porcelaine aux lignes élégantes, se font aussi fonctionnels pour s’adapter à de nouveaux modes de vie, et peuvent aussi bien sortir du congélateur que du four avant d’être dressés sur la table.

Deux siècles d’innovation, ça se fête !
À l’occasion de son bicentenaire, Pillivuyt n’a pas dit son dernier mot en matière d’innovation avec la sortie de la cocotte en porcelaine « Toulouse », une collection créée en collaboration avec les designers SISMO. Un produit conçu pour résister aux chocs thermiques, non-poreux, et désormais compatible avec des plaques à induction.

Au plus près de sa clientèle
La marque prévoit également de renouveler son concept de boutiques éphémères inauguré depuis deux ans à Bourges et à Tours. L’idée ? Promouvoir la marque Pillivuyt auprès du grand public en mettant en lumière son authenticité grâce à la présence de vendeurs qui connaissent la marque sur le bout des doigts. Ces derniers ont en effet été formés pendant plusieurs jours dans la manufacture et ont donc pu observer toutes les étapes de la production. Après le succès des deux premières opérations, de nouvelles boutiques éphémères devraient voir le jour au cours de l’année 2018, ce qui n’empêche pas les têtes chercheuses de Pillivuyt de travailler en parallèle sur un concept de mobilité encore tenu secret mais dont on devrait avoir vite des nouvelles.

Et comme en 2018 l’esprit est à la fête, le porcelainier a annoncé le lancement d’une collection éphémère de produits en série limitée et estampillés « 200 ans ». Cette collection marquera le grand retour de produits emblématiques, comme la cafetière à filtre rééditée en 50 exemplaires, ou l’arrivée de créations inédites et d’objets de décoration.

Crédit photo : Pillivuyt

La Rochère,

Une flamme patrimoniale dans l’ère du temps

7 générations ont traversé les âges pour façonner la verrerie La Rochère.
Depuis 1475, la Manufacture se situe toujours en Bourgogne-Franche-Comté et utilise encore des bâtiments anciens du 17ème siècle pour mettre en œuvre un savoir-faire patrimonial.
Entre patrimoine historique et savoir-faire artisanal et mécanique, La Rochère nous livre ses perspectives pour 2018 et revient sur son histoire et sa singularité.

L’histoire de La Rochère commence en Bourgogne-Franche-Comté au 15ème siècle. Simon de Thysac, un gentilhomme verrier, pose ses valises dans le massif vosgien et crée la manufacture pour des raisons stratégiques et économiques.

À l’époque, cette région de France était un axe de commerce entre le Nord et le Sud, l’Italie et les Pays-Bas. C’était aussi une région tournée vers l’Europe. « La Bourgogne-Franche-Comté était idéale pour les matières premières, comme le bois, la silice, l’eau », commence Nicolas Bigot, directeur commercial France et export de La Rochère.

Alors que la pratique artisanale de la verrerie est propre à l’identité de La Rochère, le passage à la « mécanisation » au 20ème siècle (dans les années 1970) permet à l’entreprise de développer la fabrication de nouvelles collections (et de tuiles de verre), notamment sous l’impulsion, à l’époque, d’Antoine Giraud, l’actuel propriétaire de la marque.

Mais l’histoire de longue date ne s’arrête pas là et La Rochère va connaître d’autres tournants notables et importants, et l’amener à devenir ce qu’elle est aujourd’hui.

Une abeille qui fait mouche
La Rochère connaît un premier tournant en 1990 avec le célèbre « verre abeille », symbole chéri de Napoléon. « Ce symbole était brodé sur son manteau de Sacrement ; On le retrouvait aussi sur ses vêtements et autres affaires personnelles. On peut supposer que l’abeille symbolisait à l’époque la cohésion, le travail et la discipline », suggère Nicolas Bigot.

À la suite de cet épisode, le développement de collections dites « patrimoniales » devient prégnant pour La Rochère, avec notamment la collection « Versailles » qui décline les boiseries de la Galerie des Glaces du Château de Versailles, la collection « Fleur de Lys » symbole de la monarchie française ou encore la collection « Lyonnais », inspirée par la renaissance italienne.

Sources d’inspiration multiples
La Rochère imaginera encore d’autres collections à partir de dessins trouvés dans les archives de la manufacture. « Nous complétons cette source d’inspiration pour créer des collections patrimoniales, robustes et singulières avec une approche plus moderne, notamment à travers nos collaborations avec des designers comme Jean-François d’Or qui a dessiné la collection de verrines « Blossom », Fabrice Gibilaro, Laurence Brabant, etc » précise Nicolas Bigot.

Si le positionnement patrimonial reste une valeur sûre pour la marque, ce n’est pas uniquement dans la fabrication « mécanique » de la production, qu’on peut le trouver. La Rochère, c’est aussi la fabrication « artisanale » avec le soufflé bouche.

Le soufflé bouche a le vent en poupe
Le soufflé bouche est une technique très particulière de fabrication de pièces en verre. Des années d’expérience sont nécessaires avant que les maîtres-verriers n’excellent dans cet art unique et difficile.

« Aujourd’hui, nos 10 verriers travaillent le cristallin soufflé que nous cherchons à relancer en fabriquant notamment des luminaires, dont une lampe “ globe ” de 22 centimètres de diamètres déclinée en 9 couleurs.
Nous fabriquons également des boules de Noël faites à la main ».

Les carreaux du métro
Aujourd’hui, la manufacture s’est lancée de nouveaux défis et ce qui « tire la Rochère vers le haut » se situe en France, dans les couloirs du métro.
« Un cabinet d’architecture nous a contacté dans le cadre du projet de rénovation du Forum des Halles, à Paris. Nous avons gagné l’appel d’offres et avons redessiné les carreaux du métro. Ils sont en verre, avec une teinture réfléchissante, pour plus de luminosité ».

La future référence en verre à cocktails ?
La Rochère va lancer, début 2018, une nouvelle collection de Long Drink de 35 cl et des verres à shooter de 6 cl destinés aux bars. « Les bartender cherchent à avoir des produits solides, nous sommes donc légitimes à venir vers eux avec nos collections ».

La Rochère insiste également sur le développement du pôle touristique en local, avec notamment l’ouverture au public d’une partie du site de Pâques à la Toussaint.
Avant de terminer par une promenade dans le jardin Japonais de La Rochère, « vous pouvez assister au travail des verriers directement sur place (…) Nous avons également un Musée qui retrace l’histoire du verre à travers des vidéos ainsi qu’une galerie d’Art qui sert de résidence à de nombreux artistes » conclut Nicolas Bigot.

Crédits photo : La Rochère

Rencontre avec

Gwenaëlle Lhenoret, Groupe Arc : « Nos consommateurs donnent naissance à nos produits »

Arc est un nom à côté duquel vous n’avez pas pu passer. Leader mondial de l’Art de la Table, ses 6 marques - Arcopal, Cristal d'Arques Paris, Luminarc, Eclat, Arcoroc et Chef&Sommelier - sont présentes sur toutes les tables du monde.
Le groupe a engagé un important tournant en 2017, avec le repositionnement de toutes ses marques dont plusieurs fêteront leur anniversaire en 2018. L’occasion pour le mastodonte de présenter de nouvelles innovations toutes plus étonnantes les unes que les autres.

Entretien avec Gwenaëlle Lhenoret, directrice Marketing Groupe

Le groupe Arc a connu un important repositionnement / remaniement en 2017, pouvez-vous nous expliquer quelles raisons ont poussé le groupe à évoluer ?
Après plusieurs études de marché et de notoriété, nous nous sommes rendus compte que si nous étions appréciés des consommateurs, à la fois particuliers et professionnels, le groupe renvoyait aussi une image vieillissante qu’il fallait dépoussiérer.
Après ce constat, nous sommes allés vers plus de modernité et d’innovation, pour envoyer un signal fort à notre clientèle.
Le point d’orgue de cette transformation a eu lieu au salon « Ambiente » à Francfort en 2017 où nous avons présenté plus de 300 nouveaux produits et introduit un nouveau matériau, Krysta.

Qu’est-ce que cela a changé concrètement pour vous ?
Le groupe comprend 4 marques grand public, Arcopal, Luminarc, Eclat, Cristal d’Arques et 2 professionnelles : Arcoroc et Chef&Sommelier, cette dernière étant également diffusée en Retail sélectif. Pour toutes nos marques, nous sommes partis du besoin des utilisateurs afin d’imaginer nos produits et développer de nouveaux matériaux.
Un gros travail a donc été mené autour des verres à boire, notamment pour la marque Luminarc, avec des formes plus dans l’ère du temps, des produits empilables, design et pratiques ; et aussi autour des petits contenants, pour apporter des réponses à une demande croissante de personnalisation des tables et ce besoin d’expression des consommateurs à travers l’art de vivre d’une manière générale.
Nous avons également introduit des collections plus spécialisées dans leurs usages. Aujourd’hui, chaque contenant répond à un usage spécifique : verres à Mojito, à Spritz, verres adaptés aux différents types de bières artisanales, etc. La spécialisation est une véritable tendance qui ressort.
Et enfin, pour Chef&Sommelier, nous avons créé un nouveau matériau qui est un cristallin ultra renforcé, le Krysta.

Comment les pays du Moyen-Orient vous ont-ils inspiré et ont participé au développement d’une nouvelle approche de l’Art de la Table ?
Pour imaginer des produits adaptés aux usages alimentaires de ces régions, nous avons simplement suivi leurs habitudes.
Au Moyen-Orient, la culture de la réception est très développée et les repas avec le cercle familial élargi rassemblent de 35 à 40 personnes tout au long de l’année. Plats ovales, ramequins, plats creux… Les besoins en vaisselle sont importants puisque chaque moment du repas est rythmé par un changement d’assiettes. Pour les mariages, les cadeaux de services de table de 100 à 150 pièces ne sont pas rares. La vaisselle en verre y est très appréciée pour sa résistance et la brillance de ses décors.


D’où vient l’attrait profond de la Russie pour la culture française ?
En Russie, notre marque est un gage de qualité depuis les années 2000. Il faut savoir que pendant l’ère soviétique, le seul choix proposé aux consommateurs était celui de la faïence locale. À l’ouverture de ces marchés, l’intérêt pour les produits fabriqués en France, notamment la vaisselle en verre, par opposition à cette faïence, a émergé. Depuis, le verre est synonyme de modernité et de brillance. Les consommatrices russes apprécient particulièrement les motifs floraux et les couleurs vives. Au-delà des « clichés parisiens », les russes apprécient le savoir-vivre à la française.

En Russie, les restaurants gastronomiques, les œnologues, sommeliers et cavistes spécialisés se développent rapidement et ce, malgré la crise. Les Russes sont attachés à nos habitudes de dégustation et à nos recettes et ingrédients.

Au Moyen-Orient, nos produits sont synonymes de réassurance et de qualité ; pour la Russie, ils sont synonymes de tendance et de design. C’est un hymne aux décors et à l’art de vivre à la française.

Quel sera le positionnement d’Arc en 2018 ? Sur quels projets travaillez-vous actuellement ? Quels seront les projets présentés prochainement ?
Nous travaillons sur une collection appelée « Smartcuisine » qui propose des plats à four 30% plus légers que les autres mais tout aussi résistants. Ces plats vont du four à la table. C’est à dire qu’ils sont aussi utiles que beaux et peuvent servir à la fois de plat de cuisson et de plat de présentation; plus besoin de transvaser votre plat dans un nouveau contenant de présentation, ni même de s’encombrer avec des plats lourds et volumineux que nous ne sortons qu’une fois ou deux par an.

Nous développons aussi des plats à servir et à partager qui ne sont ni de gros saladiers ni de gros contenants lourds. Façonnés dans un matériau léger que notre service de recherche et développement a développé pendant 2 ans, ils répondent à une nouvelle façon de manger, en partageant. Cette collection prénommée DIWALI est une extension de notre gamme de bols de riz et de contenants asiatiques.

Et pour les professionnels, nous imaginons des solutions complètes pour pouvoir « gérer » un buffet de A à Z sans avoir à faire appel à différents fournisseurs.

L’année 2018 est jalonnée de dates importantes puisque vous allez fêter les 10 ans de Chef&Sommelier, les 60 ans d’Arcopal et d’Arcoroc, les 70 ans de Luminarc et enfin les 50 ans de Cristal d’Arques Paris. Comment allez-vous fêter cela ?
De nombreux événements sont prévus tout au long de l’année : des jeux-concours sur les réseaux sociaux, des concours de cocktail, des rendez-vous avec la presse, des concours de design avec les écoles de design de différentes régions du monde. Nous lancerons l’anniversaire des marques lors du prochain salon "Ambiente" à Francfort en février 2018.


Présentation du Groupe Arc, marque par marque :

Arcopal
La marque Arcopal est présente partout dans le monde et surtout en France, Espagne et au Moyen Orient. C’est celle de nos cantines et ses produits sont connus pour leur résistance. Relancée en 2016, ses motifs floraux caractéristiques comme les décors Lotus ou Veronica ont été remis au goût du jour.


Luminarc
La marque Luminarc, a été ancrée dans un quotidien plus créatif. Verres empilables, vaisselle colorée et qu’on puisse mélanger, boites de conservation en verre; de la table à la préparation des repas et désormais à la cuisine, cette marque est large en terme d’offres et est très appréciée en Russie, Moyen Orient et Asie. Elle est bien sur très présente en France et en Espagne également


Eclat
La marque Eclat est la marque fille de Cristal d’Arques, et est diffusée en grandes surfaces alimentaires ou spécialisées. Elle prend la place de Cristal d’Arques sur ce circuit, Cristal d’Arques étant désormais dédiée au Retail sélectif.

Cristal d’Arques
Cristal d’Arques, c’est le « Chic Everyday » avec une offre complètement renouvelée et inspirée de la tendance Art Deco, comme la collection « Macassar » de René Barba. Cristal d’Arques est désormais dédiée au Retail sélectif. On la retrouve dans des points de vente tels que Le Bon Marché, BHV, Fleux, la Trésorerie et au sein du groupement EK/Ambiances et Styles.

Arcoroc
Arcoroc est une marque multi catégories et multi matières qui répond aux besoins des brasseries, des bistrots, de la restauration classique ainsi que des collectivités (restaurants d’entreprises, écoles, hopitaux, etc.). Arcoroc propose des solutions complètes pour les professionnels, avec des collections incluant porcelaine et couverts.

Chef&Sommelier
Chef&Sommelier est notre marque dédiée à la restauration moyen et haut-de-gamme, et notamment pour la bistronomie, mais elle s’adresse également aux amateurs de vins et d'expériences culinaires. Elle propose des solutions complètes pour la dégustation des vins, alcools, cocktails et des mets. Pour les verres à dégustations de Chef &Sommelier, nous avons lancé un nouveau matériau en 2017, un cristallin extra résistant, le Krysta et introduit la collection Macaron, designée par les Sismo et conçue en collaboration avec nos experts sommeliers.

Crédit photos : Arc

À table avec...

Corinne Jourdain Gros,

Directrice Générale
de la Manufacture de Digoin

La Manufacture de Digoin a connu bien des aventures depuis sa création en 1875. Après sa fermeture en 2003, elle est restée endormie pendant plus de 10 ans. En 2014, elle touche le cœur d’une femme, Corinne Jourdain Gros. Cette dernière la tire de son sommeil et lui apporte tout l’amour dont elle avait besoin pour reprendre vie.
Entre mythe et réalité, Corinne Jourdain Gros, aujourd’hui Directrice Générale de la Manufacture de Digoin, nous raconte que le retour à la vie de la manufacture est aussi synonyme de retour aux sources. Rencontre sur les terres de Bourgogne.

Rien ne laissait présager que la Manufacture de Digoin reprendrait vie. Mais ça, c’était avant que Corinne Jourdain Gros ne visite les lieux en 2014 et ne relance l’activité, trouvant le juste milieu entre patrimoine et innovation. « Au début, le projet de reprise me plaisait moyennement ; l’identité était top marquée pour moi d’un point de vue patrimonial. Mais quand j’ai visité le site, j’ai eu un coup de foudre en même temps que la vision de ce que je voulais en faire. »

Avant d’arriver sur le site de la manufacture, à Goin, en Bourgogne, Corinne Jourdain Gros emprunte un tout autre chemin et retourne sur les bancs de l’école. « Je travaillais pour l’Agence Publicis, où j‘étais en charge des stratégies de marques (…) Mon amour profond pour les objets manufacturés, le design, la céramique a fait que j’ai voulu changer et devenir Responsable de Collection. Comme je n’avais pas d’expérience, j’ai fait un MBA « Construction de collection d’art » à l’Institut français de la mode, à Paris ».

C’est là que le projet de reprendre une ancienne manufacture germe : « Le sujet de mon mémoire de fin d’étude portait sur les manufactures d’art et leurs origines ; Ce fut le déclic qui m’a amené à vouloir reprendre une manufacture centenaire (…) Je voulais faire perdurer des façons de travailler, des savoir-faire et tout le patrimoine qu’il y a derrière ».

Poterie de grès : le retour à l’essentiel
Pendant 2 ans, Corinne Jourdain Gros entame une étude sur le marché à la fois sociétal et comportemental. Elle fera ressortir une tendance globale, celle d’un retour aux valeurs à travers les objets d’art. Elle se rapproche d’investisseurs privés et passionnés pour concrétiser son projet de reprise. « J’ai cherché à m’entourer d’investisseurs qui ne recherchent pas le retour sur investissement immédiat ou la croissance absolue mais des individus qui comprennent nos métiers ».

Pour cette femme qui ne s’est pas vue devenir Chef d’entreprise tant la passion pour son métier la porte, il est primordial de participer à la mémoire collective pour les jeunes générations et celles à venir. « Ce regain des publics pour la céramique et les objets historiquement marqués peut s’apparenter à une recherche de stabilité et à un retour à l’essentiel dans une société où tout va vite, où les frontières virtuelles et physiques tendent à disparaître, notamment par les phénomènes de digitalisation et de mondialisation ».

Ce phénomène s’observe jusque dans les choix professionnels des jeunes et au sein même de son équipe. « De plus en plus d’adolescents et même d’adultes en reconversion professionnelle choisissent des métiers anciens, manuels, d’art, nobles pour s’orienter (…) Chez nous, ce sont les anciens proches du départ à la retraite qui forment les jeunes (…) Ce transfert de compétences est essentiel lorsqu’il s’agit d’intégrer des gestes que les formations professionnelles ne suffisent pas toujours à bien maîtriser ; rien ne vaut l’expérience, surtout lorsqu’on touche à la matière ».


« Nous sommes et resterons une manufacture à taille humaine »
Aujourd’hui, l’entreprise emploie une vingtaine de personnes qui remettent au « goût du jour » les pots à vinaigre, à eau, les gobelets et pichets, les cuillères de service, cruchons, assiettes, terrines, pintes à cidre, et les écuelles de la manufacture. « Fin 18ème, le grès était une matière noble pour conserver les aliments. Nous voulons maintenir cette noblesse en la doublant d’une certaine élégance pour rendre à nos objets leur humanité et leur histoire, loin d’un style uniformisé ».

Pour faire rayonner la Manufacture de Digoin en France comme à l’international, Corinne Jourdain Gros a quelques astuces. « Nous exportons en Angleterre, aux Etats-Unis, Japon, et en Australie, où le savoir-faire français est très recherché, (…) Nous travaillons aussi beaucoup avec des concepts-stores et des grandes marques. »

Si la Manufacture de Digoin a un bel avenir devant elle, elle sait le construire chaque jour, loin des marchés encombrés. « Nous sommes et resterons à taille humaine. Nous ne voulons pas grossir pour grossir. Notre valeur ajoutée réside dans le fait que notre activité est semi artisanale et elle le restera ».

Crédit photo : Manufacture de Digoin

Le Gobelet Revol,

un détournement devenu culte

 

Entre hasards heureux et coups de chance, mais aussi beaucoup de travail et de recherche, on peut dire que la Maison Revol sait faire preuve d’imagination. Depuis 1768, le porcelainier a su rebondir sur les tendances pour continuer à se démarquer, comme l’illustrent l’insolite gobelet froissé devenu culte.

Inspiré d’un simple gobelet en plastique froissé, on peut dire que cette tasse à café ne laisse pas indifférent. Lors de son lancement, en 2007, Mc Donald’s s’en empare immédiatement et participe à faire de cette pièce un succès, qui depuis ne faiblit pas.

Et cela tiendrait en partie à ses fonctions multiples. « Ce gobelet ne s’utilise pas seulement pour les boissons chaudes ; il passe au four et peut être utilisé pour les mignardises, les cakes, les salades de fruits », raconte la Maison Revol. Il passe même au congélateur pour des présentations givrées. Si l’usage qu’on en fait est intéressant, c’est plutôt sa forme qui intrigue.

Pourquoi un gobelet froissé ?
L’histoire du gobelet froissé débute près d’une simple machine à café d’entreprise. « L’équipe créative se rend compte que les gobelets jetables s’accumulent autour de la machine à café. Ils commencent alors à discuter entre eux et imaginent très vite un gobelet en porcelaine… Mais froissé pour apporter une touche de design », explique la Maison Revol. À l’époque, le porcelainier ne savait pas encore que ce simple gobelet rencontrerait un tel succès international.

Les dosettes, nouvelles meilleures amies
Ce succès, le porcelainier le doit aussi au fait d’avoir su dépasser, au bon moment, les frontières de la machine à café. « Lorsque les machines avec dosettes et capsules à café font leur entrée dans les foyers, nos équipes créatives lancent des collections de gobelets pour chaque saison. », poursuit la Maison Revol. Peu à peu donc, ce gobelet froissé, meilleur ami du café, devient un incontournable des foyers.

Le gobelet devient objet de collection
Même si le gobelet est bien installé dans les foyers, Revol décide de l’émanciper et crée de nouvelles tailles qui permettent de consommer toutes sortes de boissons et de mets. Le gobelet est aussi complété d’une gamme de plats, de saladiers, de bols déclinés en 5 couleurs, de pots à ustensiles et d’un seau à champagne. « Notre gobelet a été imaginé dans 25 coloris, 54 décors et 8 tailles ! », précise le porcelainier.

Et pour continuer à le développer, la Maison Revol va finalement le faire passer du statut d’un objet d’usage à celui d’un objet de décoration à l’esprit décalé et au design inattendu. « Nous avons poursuivi son développement en lançant des séries limitées de pièces décorées pour des événements, en partenariat avec des stylistes, des graffeurs », termine le porcelainier.

La morale de cette histoire dit que même si on est petit et d’apparence imparfaite, on peut accomplir de grandes choses, devenir célèbre, et traverser les époques…

Crédits photos : REVOL

Argent Gourmand,

ou la gourmandise décomplexée

 

Chez Puiforcat, « les classiques de demain » s’imaginent aujourd’hui. Pour ce faire, la Maison d’orfèvrerie fondée en 1820 a fait appel à deux éminences françaises du design et de la pâtisserie : Patrick Jouin, auteur de pièces d’architecture et d’usage quotidien et Pierre Hermé, désigné meilleur pâtissier au monde en 2016 par le classement des « World’s 50 Best Restaurants ».

La collaboration entre la Maison Puiforcat et Patrick Jouin ne date pas d'hier. En 2009, le Centre Pompidou lui consacrait déjà une exposition monographique et 4 années plus tard, il était lauréat du Prix Compasso d'Oro.

Pour la Maison Puiforcat, il a créé la collection "Zermatt". Pour dessiner le premier couvert de sa carrière, il s'est inspiré des montagnes suisses d'où le nom de la ligne "Zermatt" qui correspond à une station suisse de sports d'hiver.

Depuis cette première collaboration, Patrick Jouin perpétue le style de l’orfèvre bientôt centenaire. Avec ses croquis, le designer fusionne le beau et l’utile, comme l’illustre son travail sur la collection « Argent Gourmand ». Et au travers de cette collaboration avec Pierre Hermé, c’est d’abord la pâtisserie française qui est mise à l’honneur.

Faire fusionner l’utile et le beau
Un seul coup de crayon ou presque a été nécessaire à Patrick Jouin pour faire fusionner l’utile et le beau et plonger la pâtisserie dans un autre univers. Sous les traits du designer naissent alors des formes généreuses avec la collection « Argent gourmand » : une coupe à glace toute en rondeur, un coffret sphérique à macarons, un présentoir à gâteau.

Un bel usage décomplexé
À l’heure où la pâtisserie se hisse au premier rang de la gastronomie française, le surnommé « Picasso de la pâtisserie », Pierre Hermé, accompagne le travail du designer en apportant une vision moderne de son métier. « Avec ses poignées inventives et ses cloches à la fermeture douce, “Argent Gourmand” nous pousse à penser de nouveaux gestes et réinvente la dégustation de mets sucrés », raconte le Pâtissier français.


Un style toujours plus épuré
L’orfèvre doit l’absence d’ornementation des pièces qu’il imagine au membre de la quatrième génération de la famille : Jean Puiforcat. Très tôt, il inscrit la maison familiale dans un style qui incarnera le mouvement « Art Déco », « style qu’on redécouvre d’ailleurs aujourd’hui à travers nos collections telles qu’ ”Argent Gourmand” », explique la Maison Puiforcat.

Avec ses formes rondes, cette collection décomplexe donc le bel usage appliqué à la gourmandise. Il illustre tout autant la volonté de la Maison Puiforcat de poursuivre le développement de l’art du goût à travers des objets aux formes architecturées, lignes épurées, et à la simplicité déconcertante.

Des arts de la table à l’art de vivre
Sous l’impulsion d’Hélène Dubrule, Présidente-Directrice Générale de Puiforcat, la Maison continue à sortir des sentiers battus et imagine, en 2017, avec l’architecte d’intérieur Joseph Dirand, un bureau d’architecte à la fois fonctionnel et précieux, atteignant ainsi un objectif : « rendre précieux par la matière des objets du quotidien », termine Hélène Durbule.

Crédits Photo : Puiforcat

Montgolfier,

l’émail au service du braille

« Lunaire », c’est le terme qu’on pourrait utiliser pour qualifier certaines des assiettes en céramique de la Maison Montgolfier, entreprise du patrimoine vivant. Si la main de l’homme est responsable du résultat, c’est d’abord des rêves qu’on imagine les produits. Couleurs profondes, textures à l’apparence granuleuse mais au toucher doux, on croirait plonger dans la nuit étoilée d’un ciel d’été. 

Entre secrets de fabrication et talents d’artisans, nous avons cherché à comprendre comment la Maison aux bientôt 75 ans d’existence donne naissance à ces émaux si reconnaissables. 

« Tiens c’est du Montgolfier ! ». À cette simple phrase on mesure l’importance de cette fabrique artisanale qui voit le jour en 1943 alors que M. Yvon Roy, contremaître, s’installe à Durtal, dans le Maine-et-Loire.

« La présence d’argile, de bois et de rivières est propice à la tradition céramique de cette région d’Anjou. », raconte Delphine Stroesser, à la tête de l’entreprise depuis 2005. À l’origine, dans les années 1950, M. de Montgolfier reprend l’atelier pour y produire des assiettes carrées, avec la gamme Kyoto. C’est dans les années 1980, avec la reprise de la Maison par la famille Rivard, des entrepreneurs locaux, que la collaboration avec les designers se développe.

La main de l’homme

Dans la continuité de cette impulsion créatrice, Delphine Stroesser assure la continuité de la production de ces émaux uniques et totalement fabriqués par la main de l’homme.
« Coulage, pressage, modelage, calibrage, séchage, émaillage, et finitions manuelles : toutes ces étapes sont réalisées à la main même si les machines soutiennent évidemment la production des 300 assiettes qui sortent chaque jour de l’usine », explique-t-elle.

« Nous donnons la vie et une âme aux objets »

Bleus profonds et rouges sang de la collection « Boréales », blancs lunaires de la collection "Voie lactée", la façon dont les artisans créent des tonalités à la fois si uniques et si reconnaissables reste un mystère.
« On ne peut pas tout dévoiler ! Mais une partie des secrets de fabrication réside dans la façon d’émailler et dans la cuisson (…) C’est d’ailleurs pour cela qu’au sein d’une même collection, les assiettes sont toutes différentes tant dans leurs formes que dans leurs couleurs (…) Nous cherchons à donner une vie, une âme à chaque pièce que nous fabriquons », continue Delphine Stroesser.

Du braille en émail

Mais au-delà même du fait d’insuffler la vie à des objets d’art et d’usage, Montgolfier s’engage pour de nobles causes. « Il y a quelques années, nous avons fait appel à la designer Mathilde Fiessinger, aujourd'hui Directrice Artistique et Co-fondatrice de Kumo Design, pour imaginer une assiette destinée aux malvoyants : "La Collection Invisible". » Le contraste entre le dessus et le dessous incite à une exploration tactile qui permet de découvrir un poème en braille écrit sur le thème de l’invisible.

Montgolfier ne s’arrête pas là. En 2017, la Maison collabore avec le restaurant "Le Reflet", à Nantes, qui offre aux personnes trisomiques la possibilité de travailler. Flore Lelievre, restauratrice à l’origine de ce projet emploie six cuisiniers et serveurs porteurs de trisomie 21.

« Le service est évidemment simplifié, alors pour aider les employés nous avons imaginé des assiettes moulées avec des empreintes de mains, pour apporter de la stabilité dans le service des plats », conclut Delphine Stroesser. Le restaurant affiche complet le midi. Pour les petits gourmets curieux : pensez à réserver !

Crédits photo : Montgolfier

À table avec...

Francis Gelb, Président et fondateur de Sabre,

La Saga Sabre

« Marier l’utile à l’agréable, la tradition et l’avant-garde, la maîtrise et la liberté » sont les fers de lance de la Maison Sabre. Dans un monde où les tendances évoluent vite et où la coutellerie prend son temps, il faut faire preuve d’un grand talent créatif et d’une bonne dose d’innovation pour sortir du lot. Rencontre avec Francis Gelb, un homme aux multiples talents.

Faire des arts de la table un art de vivre, c’est le créneau de Francis Gelb, Président et fondateur de l’entreprise Sabre. Cet homme est né dans l’orfèvrerie, mais sans une cuillère en argent dans la bouche. « J’ai grandi dans une famille d’orfèvres, je n’ai jamais fait autre chose. Et la seule chose qui m’intéressait et m’intéresse toujours, ce sont les couverts ! »

Il travaille d’abord auprès des siens avant de créer Sabre dans les années 1990 : « C’est Habitat qui m’a passé ma toute première commande pour des couverts. Je me suis alors installé dans le 19ème arrondissement de Paris pour démarrer, et aujourd’hui, après nous être développé, l’entreprise est installée à Aigremont, dans les Yvelines. Nous y fabriquons notamment les collections vendues en Europe, aux Etats-Unis et en Asie. »

De Paris à New York

Dès le début, Sabre dépasse les frontières de la France et de l’Art de la table, notamment grâce à une vision claire et ambitieuse de son entreprise. « Depuis le lancement de notre activité, nous exposons dans de nombreux salons internationaux, de Frankfort à New York en passant par Milan. Lorsque j’ai reçu ma première commande en provenance de New York, mon banquier m’a vivement déconseillé de le faire, estimant Sabre trop petite pour exporter. Alors j’ai changé de banque et j’ai honoré nos commandes new-yorkaises », dévoile-t-il, en souriant.

Dior & camaïeu

En parallèle, Sabre collabore avec des grandes maisons, comme Dior par exemple. « À l’époque, les grands couturiers rêvaient tous de réaliser des collections pour l’Art de la table : des pièces en porcelaine, du beau linge... Aujourd’hui, le concept du « home » existe toujours, mais il s’agit plus de pièces décoratives pour la maison que d’Art de la table à proprement parler ».

C’est d’ailleurs ce que montre bien la tendance du « Mix & Match » sur laquelle la marque internationale s’appuie pour créer certaines collections. « Pendant longtemps nous avons marié les porcelaines et les couverts, mais aujourd’hui vous n’achetez pas les deux en même temps. Les gens mélangent, font des camaïeux (…) 50 % des commandes sont dépareillées, surtout quand il s’agit du petit-déjeuner », souligne le dirigeant. 

Voyages et coups de crayon comme source d’inspiration

Mais pour produire des collections de couverts de table, il ne suffit pas de surfer sur les tendances. Et Francis Gelb redouble de créativité et d’innovation, au côté de sa femme Pascale Gelb qui est au studio de création. « Nous tirons notre inspiration de la vie, de nos voyages, et Pascale dessine les collections (…) On a par exemple réalisé des couverts à partir de dessins de l’Ile de Ré ou une collection plus « ethnique », au retour d’un voyage en Afrique (…) Réinventer, c’est notre façon de travailler, notre manière de perdurer. Nos clients viennent nous voir car ils nous savent créatifs. »

Couverts en 3D

Et l’innovation dans tout ça ? Selon lui, les technologies sont les sésames des entreprises de demain. « Je pense que les nouvelles technologies vont être fondamentales dans notre stratégie. Au-delà des boutiques en ligne, nous souhaitons pouvoir personnaliser les couverts directement en boutique pour nos clients. »

Francis Gelb a même imaginé une boutique-atelier. « Nous nous intéressons aussi à l’impression 3D. Dans quelques années, le client pourra peut-être dessiner exactement ce qu’il souhaite. Toutefois, il faudra toujours prendre en compte la question fondamentale de l’entretien des couverts et du passage au lave-vaisselle, ainsi que celle de la forme des couverts car nous devons pouvoir manger avec ! ».

Crédits Photos : Sabre

À table avec...

Alexandre Dubost,

de la coutellerie Jean Dubost

Tournée résolument vers l’international depuis plus de cinquante ans, la coutellerie Jean Dubost a su s’adapter à des marchés exigeants, sans perdre son identité et son histoire, bien au contraire. Alexandre Dubost, 4ème génération de couteliers, nous détaille sa façon de voir son métier, résolument tourné vers l’avenir.


À 46 ans, Alexandre Dubost porte fièrement le nom de son arrière-grand-père, fondateur de la coutellerie Jean Dubost en 1920. En plus du patronyme, il a aussi hérité d’une passion commune pour ce métier : « J’ai toujours connu la manufacture, située en face de la maison familiale » se souvient-il.

La famille a toujours été très impliquée dans le développement de la société : « Même mon arrière-grand-mère participait à toutes les étapes de la fabrication, du rivetage à l’essuyage des couteaux ». Aujourd'hui encore, il n’est pas rare de retrouver Alexandre à l’atelier, au milieu des salariés.

Une entreprise toujours en mouvement

Solidement implantée dans le bassin thiernois, la coutellerie Jean Dubost a très tôt pris le parti de se développer sur le marché international. « Au début des années 1960, mon grand-père Jean Dubost est allé chercher de nouveaux partenaires dans les grandes foires aux Etats-Unis », explique Alexandre Dubost, qui a intégré ce côté pionnier à l’ADN de l’entreprise. « Une entreprise doit toujours être en mouvement dans ses processus de production et de fabrication, ainsi que dans son développement. »

Un savoir-faire traditionnel et industriel

En se plaçant sur le marché du haut de gamme nord-américain, la société a dû s’adapter aux exigences de ce marché : « Ce que nous proposons, c’est l’association d’un savoir-faire industriel et d’un savoir-faire traditionnel. Ainsi, nous utilisons des machines à commande numérique pour l’aiguisage, et le manche en bois est monté et ajusté à la main, par des personnes formées, dans la plus pure tradition de la coutellerie française ». Aujourd'hui, la société produit 30 000 pièces par jour et exporte dans 55 pays. 

Mieux que le « Made in France », le « Made in Thiers »

Pour la clientèle internationale « la principale attente, c’est d’acheter du "Made in France". Elle est en quête d’un savoir-faire et d’un design français. Ainsi, le fait que nos couteaux soient d’authentiques Laguiole représente une véritable valeur ajoutée pour eux ».

Les investissements consentis par Alexandre Dubost sont payés en retour quand il voit l’enthousiasme de ses clients en visite à la manufacture, et qui découvrent que tous ces couteaux et couverts de table sont entièrement réalisés sur place.

Le développement durable, un intérêt stratégique

Cet intérêt pour la production locale va même très loin, puisque « la majorité de notre parc de machines a été fabriqué par des entreprises locales, situées dans la région, et selon notre cahier des charges » détaille Alexandre Dubost.

C’est dans le prolongement de cette idée, associée à une logique de développement durable, que la société a développé des manches de couteaux issus d’un processus de fabrication utilisant l’amidon de maïs, recyclables et même biodégradables. « Nous sommes aussi la seule coutellerie certifiée PEFC [NDLR : Certificat en faveur d’une gestion durable des forêts] pour nos manches en chêne. Il en va de même pour les cartons qui sont recyclés localement, et même nos chiffons, utilisés pour le dernier contrôle qualité avant emballage, qui sont recyclés par une entreprise locale » .

C’est aussi un enjeu de ressources humaines : « Il faut intéresser les jeunes, savoir les accueillir. Nous souhaitons qu’ils se sentent bien chez nous ».

Être au fait des tendances

Dans les arts de la table, les tendances sont en continuelle évolution. Une réalité qu’Alexandre Dubost a parfaitement intégrée, en collaborant de façon régulière avec le designer Jérôme Pouey : « Nous partageons la même sensibilité. Il a une vraie facilité à créer des objets qui sont à la fois beaux et utiles ». Une collaboration prolifique puisque ce sont jusqu'à six collections qui sortent chaque année de la manufacture Jean Dubost pour les arts de la table.

Des baguettes à la française

Récemment, ils ont développé une gamme de baguettes chinoises à la demande d’Alexandre Dubost : « C’est parti d’un partenaire coréen. L’idée nous est venu de créer une baguette à la française ».

Au-delà du jeu de mots et du coup de communication, l’entrepreneur a tout de suite compris l’intérêt qu’il pouvait tirer de ce produit : « En Corée, les produits français sont très populaires. La culture asiatique est mondialement connue et aujourd'hui, nous commercialisons les baguettes en France et en Chine ! » Il a fallu s’adapter à ce marché, avec une attention toute particulière au packaging : « Les Coréens ont une exigence de qualité très forte. Ils sont très sensibles aux détails ».

Pour un melting-pot culinaire

Alexandre Dubost suit de très près les nouveaux modes de convivialité de la table : « Les codes changent et évoluent vers l’ouverture, à l’instar des cuisines. Avant, c’était une pièce fermée et confinée. C’est désormais un lieu d’échanges, ouvert sur le salon. Il en va de même sur la façon dont les gens passent à table. Aujourd'hui, c’est la convivialité qui prime. On peut tout à fait recevoir des invités sur une thématique espagnole, avec une bouteille de vin australien ».

Et la France dans tout cela ? « Avec la bistronomie (grande cuisine servie en petite quantité comme dans un bistrot), notre pays a su préserver sa belle image et la nouvelle cuisine s’inscrit parfaitement dans cette tendance, celle d’un melting-pot culinaire ».

Crédit photos : Coutellerie Jean Dubost

À table avec...

Hélène Huret,

Directrice de la Fondation d'Entreprise Bernardaud

D'ART ET DE CÉRAMIQUE

« La céramique par l’art ou l’art par la céramique », c’est le positionnement que prend, depuis plus d’une dizaine d’années, la Fondation d’entreprise Bernardaud, pour faire découvrir ce matériau au grand public. Chaque année, au sein de sa manufacture à Limoges, la Fondation expose des artistes internationaux. Rencontre avec Hélène Huret, Directrice de la Fondation et Commissaire de l’exposition 2017.

Le point de départ de cette aventure d’art et de céramique débute lorsque Michel Bernardaud, président du directoire de Bernardaud, demande à Hélène Huret, directrice de la communication de la marque, de réfléchir à une manière de faire découvrir la céramique au grand public. « Dans la céramique,  il y a la porcelaine, la terre cuite, le grès, la faïence. Mais elle est finalement assez peu connue en dehors du fait qu’on la trouve principalement à table ».

En dehors de la table mais au cœur de l’Art

Pour attiser la curiosité du public, Hélène Huret sort la céramique de la table et imagine une exposition annuelle autour de ce matériau, dans le circuit de visite organisé par Bernardaud à Limoges. Cette exposition repose sur deux critères : être un artiste utilisant la céramique comme matériau pour des œuvres qui ne doivent jamais avoir été exposées en France auparavant. « L’œuvre peut être une photo, une vidéo, une installation, mais il doit toujours y avoir un lien entre le sujet et la céramique ». Et pour motiver les artistes, Hélène Huret a ses astuces. « Les artistes ne peuvent pas exposer plus d’une fois tous les 10 ans. Ça les motive à aller plus loin dans leur processus créatif ».  

Du bleu, du blanc, de la terre et des bijoux…

Cette passionnée d’Art et d’Histoire imagine également des thématiques originales et des campagnes de communication décalées, qui donnent ses couleurs à la Fondation, comme le montrent les affiches des expositions. « Nous introduisons toujours nos expositions en les rattachant à l’Histoire. Par exemple, pour  « Bleu & Blanc », en préambule, nous avions présenté d’abord des objets d’usage en céramique bleue et blanche provenant du monde entier ».

Pour interpeller le public, il est aussi très fréquent que la Fondation prenne le contre-pied de ce que l’on rencontre fréquemment dans les expositions d’Art Contemporain. « Avec l’exposition « White Spirit », nous voulions montrer que le blanc n’est pas forcément lié à la pureté, à la sérénité, et qu’il peut être synonyme de violence ».

Certaines d’entre elles rencontrèrent d’ailleurs un vif succès, du fait des partis-pris forts de la Fondation. Hélène Huret se souvient : « l’exposition autour du Céladon, qui n’est pas une couleur mais bien une matière ; celle sur la Porcelaine Coréenne, ou celle sur les Bijoux en Céramique, que l’on avait intitulée « Un Peu de Terre sur la Peau » comptent parmi les expositions les plus marquantes pour le public et pour notre entreprise ».  

« Etre libre et le rester »

La Fondation, accessible à tous, l’est géographiquement un peu moins. Et c’est là peut-être que se trouve une partie de sa force. « C’est parfois difficile parce que nous sommes à Limoges, alors nous devons nous rendre toujours plus attractif pour inciter le public et la presse à venir nous rendre visite (…) ».  

Mais ce qui rend les expositions de la Fondation riches, c’est leur nature intrinsèque. « Nous avons la chance de n’être ni une galerie, ni un musée, ce qui fait que nous sommes plus libres ». Et quel est le thème de la prochaine exposition de cette année ? « Place aux fleurs ! », nous répond Hélène, avec un sourire complice.

Informations – contact

« C’est le bouquet »

A partir du 23 juin 2017 jusqu’au 24 février 2018

27 avenue Albert Thomas
87000 LIMOGES
Site internet : www.bernardaud.fr

Crédit Photo : Fondation d’Entreprise Bernardaud

Peinture à la main

La faïence
à contre-pieds

La première chose qui frappe quand on consulte le catalogue des Faïenceries Georges, Maison plus que centenaire et issue de la grande tradition de Nevers, c’est l’originalité des dessins, à la fois graphiques et insolites. Une singularité qui s’est imposée de façon toute naturelle, à l’image de Carole Georges, quatrième génération à reprendre la maison familiale.

Le positionnement de la Faïencerie Georges mêle tradition et modernité. L’un n’exclut pas l’autre et les motifs atypiques détonnent dans un univers enclin de classicisme. « Le choix de mettre des décors plus contemporains s’est fait naturellement » explique le Jean-François Dumont, co-gérant et compagnon de la créatrice Carole Georges.

Le patrimoine industriel comme décor

Cela a commencé tout près de leur atelier, lors d’une promenade autour de Nevers : « Aujourd’hui à l’abandon, l’usine Lambiotte est une ancienne fabrique de colle et de charbon à bois que nous connaissons, Carole et moi, depuis notre enfance. C’est de là que nous est venu l’idée de mettre comme décor sur nos assiettes ces monuments du patrimoine industriel. Comme un pied de nez à la tradition de Nevers, spécialisée dans les représentations d’églises et d’icônes religieuses.

D’une assiette, ils ont décidé d’en faire un service. « Nous voulions rendre hommage à notre région, au riche passé industriel de la Nièvre. » C’est aussi un clin d’œil aux travaux photographiques de Bernd et Hilla Becher, couple de photographes allemands, devenus maîtres dans le témoignage industriel. 

De la plage au grillage

Leurs travaux sont aussi divers qu’insolites. La thématique des loisirs a conduit la créatrice Carole Georges à immortaliser leurs vacances à la plage ou à la montagne. « Ce sont nos propres photos de vacances. Du coup, nos amis se retrouvent sur les assiettes !»

Plus récemment, ce sont les grillages qui les ont inspirés : « Ce grillage, on pourrait le toucher, tellement il paraît réel. C’est parti d’une idée pour notre thématique Monthly Plates, avec une création différente tous les mois » révèle Jean-François Dumont.

La chromo, un choix sans polémique

Pour certains services de table, Carole et Jean-François ont fait le choix d’utiliser une chromo (contraction de chromolithographie) platine sur terre et émail blanc. « Dans le décor à la main, qui représente notre activité principale, nous ne sommes pas censés utiliser cette technique, une application sur assiette d’un motif en décalcomanie ».

Des artistes qui poussent les limites

Administrateur du Centre d’art contemporain du Parc Saint-Léger, situé près de Nevers, Jean-François Dumont apprécie les rencontres avec les artistes résidents : « Ils repoussent nos limites. De plus, l’art contemporain s’intéresse de plus en plus à la céramique. » Des collaborations remarquables et remarquées, dont certaines œuvres s’exportent jusqu’au Koweït.

L’artisanat au service de la modernité

Pour Carole Georges, tout part du réel. La photo à peine retouchée est appliquée à l’aide d’un calque : « Aujourd’hui, nous travaillons entièrement de façon artisanale. Ainsi, le décor sur émail cru au pinceau à l’aide d’un poncif fait partie de la grande tradition de Nevers. Il n’y a pas le droit à l’erreur, et le résultat est là. » 

La seule différence dans le travail réalisé par rapport à 1898, date de la création de la faïencerie, est le passage au four électrique : « Le bois est très difficile à contrôler et il laisse trop de place au hasard. Aujourd’hui, le travail est plus facile, mieux maîtrisé. »

De l’âge d’or au déclin

Il faut savoir que la faïencerie française est née à Nevers, région idéalement située avec une terre de qualité en abondance, et à proximité des bois du Morvan, indispensables pour chauffer la terre à 1050 degrés. L’axe routier historique Paris-Lyon et le canal de Briare ont permis aux faïenciers de la ville de commercialiser dès le XVIème siècle leurs créations dites de « grand feu ».

L’âge d’or arrive très vite, et au XVIIème siècle, le fameux « Bleu de Nevers » est connu dans toute la France, faisant de Nevers la capitale de la faïencerie française. Avec l’arrivée de la porcelaine, le déclin survient, même si un regain se fait ressentir au XIXème siècle, avec un retour à la mode de « l’art pompier et du style Renaissance ».

Deux nœuds verts à Nevers

Habitués à se retrouver dans les pages Tendances des magazines de décoration et Lifestyle, le couple a gardé la tête froide : « nous avons conscience de plaire aux journalistes, qui aiment le côté décalé de nos pièces. » Aujourd’hui, Jean-François Dumont cherche à agrandir son réseau de distributeurs. « Nous avons principalement des concepts stores comme clients. Nous aimerions bien être référencés par exemple, aux Galeries Lafayette Maison qui apprécie notre travail ».

Il arrive encore à Jean-François Dumont de découvrir des moules cachés dans l’atelier, contemporains de l’époque où l’entreprise familiale a décidé de prendre comme signature 2 nœuds verts. « Deux nœuds verts, de Nevers » : un jeu de mots en emblème, aujourd’hui apposé sur chacune des assiettes qui sortent de la Faïencerie Georges.

Crédit photos : Faïencerie Georges 

A table avec

Pascal d’Halluin,

co-propriétaire de la Faïencerie de Gien.

« Emblématique » est presque insuffisant quand on parle de la Faïencerie de Gien tant elle fait, de par son histoire très ancienne, partie intégrante du patrimoine français. Alors pour continuer à faire vivre l’âme de l’une des premières faïenceries du 19ème siècle installée dans la ville éponyme du Loiret, il fallait bien un homme tel que Pascal d’Halluin. Rencontre avec ce redresseur de marque qui a su, par amour pour la faïencerie française et les hommes qui la façonnent, replacer la marque Gien sur le devant de la scène, au cœur des tendances et sur fond de « Made In France ». 

On le surnomme le « redresseur de marques » tant il a su, à travers son parcours professionnel raviver des marques renommées, comme Lee Cooper, Lacoste ou encore Biotherm.

Son secret pour réussir : la foi, mais pas en n’importe qui ou en n’importe quoi. « L’amour et le respect du client, mais aussi celui du travail bien fait sont pour moi au cœur de la réussite d’une marque. C’est un contrat de confiance. Vous savez, depuis toujours, ce sont les hommes qui font la marque et non l’inverse ». Et comme dit François Michelin : « le patron, c’est le client ».

Une belle endormie qui ne demandait qu’à être réveillée

C’est sur la base de ces valeurs qu’il reprend il y a quelques années, aux côtés d’Yves de Talhouët, second propriétaire de la marque, la Faïencerie de Gien. Agée de 196 ans, elle est fière et droite. Elle avait juste besoin, semble-t-il, de nouveaux maîtres pour l’aider à dévoiler au grand jour son art, son potentiel et ses couleurs.

« J’avais envie depuis très longtemps de trouver une belle endormie à réveiller. La dimension et le savoir-faire français étaient là, de même que l’ouverture à l’international. Tout cela m’a convaincu ». 

Par amour pour la marque Gien... et ses hommes

Alors qu’il visite la manufacture pour la toute première fois, il pressent qu’une nouvelle histoire peut s’écrire. « Lors de cette visite, j’ai immédiatement perçu cette passion des collaborateurs pour leur métier et leur amour pour la marque qu’ils font vivre. D’ailleurs les visiteurs ont souvent cette impression là aussi. Nous avions là tous les ingrédients pour continuer à raconter une belle histoire : la volonté des hommes conjuguée à leur savoir-faire ».

Pour remplir les pages blanches de ce nouveau livre, Pascal d’Halluin s’appuie avant tout sur l’humain. « Les équipes doivent être soudées, solidaires et surtout partager une vision commune. Pour arriver à cela il faut créer un environnement de confiance (…) Cela est possible si le patron incarne lui-même les valeurs qu’il fait porter à son entreprise ». 

Des assiettes qui parlent …

Comme beaucoup de marques emblématiques françaises, la création et l’innovation sont au cœur de son positionnement stratégique. Cela devient même une priorité pour Pascal d’Halluin. « Nous avons travaillé avec de nombreux artistes, comme par exemple le créateur et illustrateur Cyril Destrade, qui a dessiné pour nous la collection « Jardins Extraordinaires » (…)

Le fameux « mix and match » trouve aussi tout à fait sa place sur les présentoirs de boutiques de la marque bicentenaire, aux côtés des « biscuits », ces faïences sans émaillage dont les clients raffolent. « Ces objets sont uniquement moulés et cuits. L’absence d’émaillage les rend poreux et donc inutilisables. Cette faïence brute travaillée s’appelle le « biscuit » et les clients l’apprécie pour sa texture mate et son blanc à la fois cassé et pur ». Il y a aussi des assiettes que l’on peut personnaliser pour les grands événements, ou encore celles qui parlent. Aussi appelées « assiettes rébus », elles recouvrent les pans de mur des boutiques de la marque. 

La tendance, c’est bien, mais pas sans le patrimoine

Au-delà de la belle vaisselle, la marque Gien c’est aussi 200 ans de dessins que Pascal d’Halluin souhaite utiliser pour les objets de décoration. « Pour fabriquer des lampes, nous imaginons des abat-jours à partir d’une coupe dont on a percé le centre. Nous réalisons également les carreaux du métro parisien ».

Pour lui, la tendance, c’est bien, mais pas sans le patrimoine. « Il est nécessaire de rattacher la marque à son patrimoine. Si on ne fait que de la tendance, les gens perdent leurs repères ; et nos produits, alors sans racines, deviennent éphémères, et nos clients … volatiles ».

Mais Pascal d’Halluin gère tout cela à l’équilibre. « Notre manufacture est totalement intégrée. Nous faisons nous-mêmes nos pâtes, nos moules, nos couleurs, nos émaux. Même la terre est française », sourit-il.

Vous l’aurez compris, si la marque Gien détient l’Art de la Faïence à la française, elle maîtrise aussi celui, plus subtile, de continuer à nous surprendre !

Crédit photo : Gien France, Comité Francéclat 

L'orfèvrerie, une histoire d'amour (et de bijoux)

 

Elle habite en face de la boutique Voglux qu’elle a rachetée en 2007. Michèle Baschet, ancienne parurière des plus grandes maisons françaises de Haute Couture n’a jamais voulu quitter le quartier de son enfance ; ce quartier du 3ème arrondissement parisien, qui a vu naître et grandir l’orfèvrerie Voglux, aujourd’hui labélisée Entreprise du Patrimoine Vivant (EPV). Rencontre avec une artiste. 

Rue Saintonge, près du Marché des Enfants-Rouges, au cœur d’un Paris qu’on ne connait plus, se cache la boutique de Michèle Baschet. Durant toute son enfance, cette enfant du quartier a baigné dans une époque aujourd’hui révolue, du temps où les orfèvres et les artisans remplissaient encore les rues de paille, de bruit et de sciure de bois. « Aujourd’hui les artisans ne sont plus là et le quartier est moins vivant ; car les prix ont augmenté ».

Il en faudra pourtant bien plus pour détourner l’ancienne parurière des Maisons Dior, Yves-Saint-Laurent, Balenciaga et Vuitton d’un environnement qui a vu naître ses premiers amours : la céramique et le modelage.

« Je modelais mes pièces en céramique dans un petit bureau, chez mes beaux – parents. J’allais ensuite les cuire dans un atelier, pas très loin ».

Alors qu’en 2003, l’orfèvrerie Voglux est proche de l’extinction, elle décide de la racheter et y trouve un terrain de jeu inépuisable. Pendant de nombreuses années, et encore aujourd’hui, elle crée des pièces qui allient sa passion de la sculpture et du modelage à celui de la joaillerie, de l’orfèvrerie et des Arts de la Table.

« Je fais des choses qui me ressemblent pour ne pas me tromper et ne pas tromper les autres »

On ne saurait dire de quel monde viennent ces créations tant elles mélangent les techniques. « J’ai appris l’orfèvrerie sur le tard, bien après la sculpture et la peinture ». Portée par son imagination, Michèle Baschet crée un monde où « l’objet d’orfèvrerie ou d’art devient un bijou et inversement », comme cette bonbonnière ornée d’une hématite, ce presse-papier en coquillage ou ce porte-couteau tous deux entourés de corail doré. « Je fais des choses qui me ressemblent pour ne pas me tromper et ne pas tromper les autres ».

« Il faut laisser libre court à son imagination ou répondre précisément à une commande »

Aidée par sa fille Gabrielle, Michèle dessine, soude, polit, emboutit et martèle dans son atelier qui communique avec la boutique via une porte vitrée à l’ancienne. Les clients peuvent alors admirer son travail d’orfèvre mais aussi celui qu’elle fait sur les bijoux en métaux précieux. C’est important pour elle et sa fille. « Nos clients sont des collectionneurs  (le Yacht Club de France), des restaurateurs, des gens du quartier, des amoureux des objets ».

Michèle Baschet répond aussi à des commandes sur-mesure ou spécifiques, et collabore avec des stylistes, comme Hedi Slimane, et des photographes. «  Il faut laisser libre court à son imagination ou répondre précisément à une commande », se confie-elle.

Orfèvrerie, mon amour…

« Nous restaurons aussi bijoux et objets anciens (…) Certains particuliers et propriétaires de pièces familiales ont du mal à trouver des orfèvres pour réparer ou nettoyer leurs bijoux ou leur vieille théière trouée et salie. Ces objets ont une histoire et une valeur sentimentale à leurs yeux.
C’est une marque de confiance de la part de nos clients que de nous demander une restauration. L’orfèvrerie, c’est aussi cette histoire d’amour éternelle entre l’objet et son propriétaire ».

Crédit Photo : Voglux, Francéclat

Rencontre avec

Frédéric Morin Payé,

directeur marketing de Duralex.

Le verre Picardie est un emblème du verre à la française. Comment expliquez-vous ce succès ?

Ce verre possède deux particularités : sa forme et sa solidité. Sa prise en main est facile et il a l’art de trouver sa place sur toutes les tables, depuis celles des cantines de nos enfants à celles de nos grands-mères.

Duralex incarne le verre au quotidien qui rappelle l’enfance, évoque des souvenirs forts pour certaines générations.  Aujourd’hui, il incarne à l’international « le gobelet français par excellence » et il n’est pas rare qu’il apparaisse dans des films comme Skyfall, l’un des derniers James Bond.

Le modèle « Picardie » n’est pourtant pas récent, comment faites-vous pour le rajeunir et toucher un large public ?

Notre cœur de cible est âgé, mais le retour du vintage nous incite à l’élargir pour toucher un public plus jeune, qu’il soit professionnel, avec les restaurateurs, ou familial, avec les jeunes couples et leurs enfants. Pour y arriver, nous surfons sur la tendance très recherchée du « Made in France ». Nous créons également des variantes autour de ce modèle « Picardie » qui arborent des couleurs acidulées et s’invitent à la table du petit-déjeuner. Nous avons aussi lancé deux collections de trois couleurs chacune ; trois pour le printemps et l’automne avec 3 couleurs chacune.

Vous surfez sur la tendance du « Made In France », mais qu’est-ce que cela signifie et en quoi cette tendance est-elle recherchée aujourd’hui ?

Le consommateur français ne veut plus acheter de produits qui ne durent pas dans le temps. Il recherche plutôt la qualité et favorise des produits fabriqués en France. Notre pays possède toujours cette quasi inaltérable image de qualité et de savoir-faire à la française.  Nos modèles répondent à ces attentes.

Comment répondez-vous à cette tendance ?

Nous avons pour nous notre ancienneté, notre histoire et le savoir-faire qui en découle. Nous proposons un verre trempé à la fois solide, accessible à tous les budgets, et répondant aux carnets de tendances. C’est d’ailleurs la devise latine « Dura Lex, Sed Lex » (La loi est dure mais c’est la loi), qui a inspiré le nom de notre marque.

Au-delà des gammes de couleurs que vous proposez, vous jouez également sur les matières et sur l’expérience tactile qu’offre votre modèle. Pouvez-vous nous en dire davantage ?

Nous avons imaginé un modèle « Picardie » opaque, dans les tons noirs, marrons et gris béton. Il possède un velouté unique. Nous n’avons plus la sensation de toucher du verre.

Pouvez-vous nous parler de vos techniques de fabrication ? Comment arrivez-vous à ces résultats, en termes de qualité mais aussi d’innovation ?

La pâte de verre est fondue à 1500 degrés et tombe dans un moule. Ensuite, on extrait le verre du moule. La température retombe à 400 degrés, et on la remonte à 650 degrés ; c’est la température maximum au-delà de laquelle la pâte de verre fond. Ensuite, le verre passe dans un tunnel et subit un choc thermique de moins 300 degrés. Ce sont toutes ces tensions thermiques mises bout à bout qui rendent le verre si résistant.

Concernant les couleurs, et pour réussir à obtenir le rouge de notre modèle Picardie, nous utilisons un laquage organique non polluant à base d’eau. Pour les autres coloris, nous teintons le verre dans la masse. Ces techniques assurent des couleurs inaltérables et les verres peuvent être passés au lave-vaisselle.  

Pourriez-vous nous dire à quoi correspond le numéro que l’on trouve au fond du modèle « Picardie » ? Les écoliers disent, pour l’avoir sur les tables de leur cantine, qu’il indique l’âge de celui qui boit dedans…  

En effet, ce mythe, solide comme nos verres, perdure auprès des écoliers, mais aussi des plus grands, alors pourquoi vouloir le briser maintenant ?

Crédit Photo : Duralex 

À table avec...

Stéphane Trapier,

directeur de salle de la Tour d'Argent.

C’est un peu chez lui, à la Tour d’Argent, que nous rencontrons Stéphane Trapier. Deux bougies imprègnent le rez-de-chaussée et introduisent un univers élégant et chaleureux. Avant de découvrir la salle emblématique en haut de la Tour, nous discutons en bas de sa philosophie de travail : Comment perpétue-t-il l’esprit de la Maison, entre tradition et modernité ? Quel regard porte-t-il sur les arts de la table ?

Moins d’objets, plus de repères

Lorsqu’il intègre l’équipe de direction de salle, il y a six ans, Stéphane Trapier connait déjà l’identité de la Tour d’Argent puisqu’il y est sommelier. Il apprécie déjà l’adéquation des verres Riedel avec les vins français. « Ces verres en cristallin mettent en valeur le vin, ils facilitent l’association avec nos mets. Le restaurant est fier de ses traditions, comme ces verres, mais souhaitait aussi moderniser son art de la table, repenser une expérience globale ».

En conservant un style aux accents baroques, Stéphane Trapier et son équipe réfléchissent à une nouvelle table, plus légère. La nappe épaisse et d’un jaune franc laisse place à un tissage plus clair et léger. « Il nous a fallu deux années pour trouver la juste couleur ; un blanc cassé qui met en valeur les tables de jour comme de nuit. La timbale a également été redessinée pour devenir plus légère. Elle comporte toujours notre logo mais plus discrètement qu’avant. Elle est identitaire, comme le canard en argent ». Ce canard emblématique se présente désormais en cristal Baccarat ou cristal Lalique. Chaque canard est unique mais tous sont transparents et colorés.

Pour Stéphane Trapier, alléger les tables était nécessaire. Les objets incontournables, comme les candélabres de Christofle, suffisent à orner l’espace. « Je pense cette épuration nécessaire dans une société où les informations et objets abondent. Si les gens ne savent plus choisir, un directeur de salle doit être capable de le faire pour eux ». 

Le dessein du geste

Depuis quelques années, ce chorégraphe culinaire observe des changements de comportement. Le repas serait le meilleur moment pour les constater. « Les convives sont moins stricts à table, la rigueur a laissé place à une curiosité bienvenue », confie-t-il avec passion. La découverte tactile de la table devient, pour le convive, un moyen d’établir son espace de confort. Mimant une caresse sur la nappe, il nous expose le circuit habituel : d’abord le linge, puis la timbale. Ensuite l’assiette de présentation, parfois jusqu’à la retourner pour découvrir la signature Christofle. Enfin, la serviette. Tous ces objets mettent en confiance, ils servent de repères dans un contexte qui bouleverse parfois les habitudes culinaires. « Pour les restaurants gastronomiques, le plus important est d’obtenir la confiance du convive… et la conserver. Il peut alors lâcher-prise et profiter de l’expérience ».

Stéphane Trapier voit dans le moindre regard, dans le moindre mot, un indice sur le ressenti du convive. Mais la gestuelle devient pour lui l’indication la plus précieuse. Tous ces gestes d’appropriation de l’espace sont autant de sources d’inspiration pour recréer les ustensiles. Le beurrier, accompagné de son tartineur emblématique, a par exemple nécessité une création lente et minutieuse pour affiner son maniement. « Avec notre exigence de mise en scène, un petit objet devient très complexe. Pour le beurrier, tout s’est joué à 3mm près ».

Ce chef d’équipe aguerri profite de capacités d’observation et d’analyse redoutables. Dans ce métier, tout est aussi affaire de travail, de recherche. En constante veille, Stéphane Trapier se retrouve dans cette Maison qui ne s’interdit rien. « Les gens se lassent de plus en plus vite. Changer ne signifie pas faire mieux à tout prix, mais il faut savoir étonner à nouveau, réinventer les tables pour éveiller les sens ».

Crédit photo: La Tour d'Argent

À table avec...

Thierry Moysset,

dirigeant des Forges de Laguiole.

A la tête des Forges de Laguiole depuis 2007, Thierry Moysset s’est inspiré de son expérience des grands groupes et de sa philosophie de vie pour donner, au fil des années, un nouveau souffle à l’entreprise. Rencontre avec une forte personnalité qui s’empare du monde et l’embrasse avec force. 

Porsche, Alcatel ou encore Peugeot ne vous sont sûrement pas des sociétés ou des marques inconnues. Pour Thierry Moysset, elles le sont encore moins puisqu’il y a occupé des postes stratégiques pendant de nombreuses années. « Malgré mon profil de grand groupe, je voulais travailler au sein d’une PME (…) Dans une PME, les moindres erreurs se paient cash. Nous avons plus de responsabilités et l’on manage plus ».

Si la Coutellerie n’est pas son milieu de prédilection, avec les Forges de Laguiole, il y voit un challenge. «La situation était compliquée et ça m’a attiré. Vous savez, c’est plus facile de faire travailler un pompier quand il y a le feu que quand il n’y a rien à éteindre ».

Eteindre le feu, raviver la flamme

Et pour l’éteindre il utilise les techniques apprises dans les grands groupes afin de redonner stabilité à son entreprise. « On a rééquilibré les équipes, adopté une juste hiérarchie, relocalisé la fabrication ; on a innové, remarketé le produit (…) Les réflexes techniques et technologiques d’une grande société peuvent solutionner les problèmes d’une PME ».

« Moi le Cahier des Tendances des grands groupes, je m’en fiche »

Mais pour Thierry Moysset, ces réflexes ont une limite, tout comme les lois imposées par un marché dont il se tient éloigné : « Moi, les Cahiers de Tendances des grands groupes, je m’en fiche. Je réponds à une autre demande, celle qui vient du terroir. La tendance, elle est là ».

Aujourd’hui, les Forges de Laguiole ne recherchent pas le succès absolu mais plutôt la perfection. Alors, quand un objectif est atteint, quand une contrainte est dépassée, Thierry Moysset repousse plus loin encore les limites. « Nous voulons augmenter sans cesse la qualité de nos produits pour enrichir notre savoir-faire, nos métiers, et pourquoi pas en créer de nouveaux ». Pour lui « si vous enfilez un fil dans un chas de plus en plus fin, vous allez gagner en dextérité et en précision. A l’inverse, si le chas de votre aguille s’élargit, vous enfilerez le fil plus facilement, mais vous perdrez progressivement votre capacité à le faire dans un chas plus fin parce que la tâche sera devenue trop facile ».  

La dette et le don

En véritable conteur, il nous rappelle tout de même que la qualité à un coût : « si nous perdons la qualité, nous perdons aussi le savoir-faire ». Alors pour arriver au niveau d’exigence qu’il s’est fixé, il adopte un grand principe : la dette et le don. « Un bon couteau, on lui demande d’abord de bien couper, de se plier facilement et d’entrer dans notre poche. C’est sa dette. Son don, c’est la façon qu’il aura de faire battre votre cœur, parce que vous le trouverez beau, que vous l’aurez choisi, et qu’il vous rappellera un événement particulier ».

Pour Thierry Moysset, les consommateurs d’aujourd’hui raisonnent comme cela, et la dette ne suffit pas à les combler. « Si le produit n’a pas de valeur affective, il meurt et la dette ne suffit pas. (…) C’est d’ailleurs comme cela que nous devrions penser la vie parce que ce principe s’applique à tout ».

Crédit Photo : Forges de Laguiole, La Tribune

Guy Degrenne,

capteur de tendances

Interview de Blandine Franc, Directrice de la marque Guy Degrenne

Où en est la marque Guy Degrenne en 2017 ?

« Auparavant, Guy Degrenne était une marque plus classique (…) et pas forcément tendance. Mais aujourd’hui, la marque se renouvelle, cherche à capter et à suivre les modes, à innover pour aller vers des produits modernes, dans l’air du temps. Nous voulons exprimer notre identité par de nouvelles formes et couleurs. »  

Quelles grandes tendances avez-vous captées pour cette année ? Lesquelles vous inspirent ?

« Actuellement Mix and Match  fonctionne très bien. Le Mix and Match, c’est l’art du dépareillé qui va bien ensemble. Vous mélangez des formes, des couleurs, et le résultat est harmonieux, raffiné, et répond aux codes du moment. »

Et vos collections ? Est-ce qu’elles répondent aussi aux codes du moment ?

« Bien sûr ! Nous avons même imaginé et développé une collection, la gamme « Modulo », avec du gris anthracite, du bleu pâle, du bleu céladon.  Les couleurs s’associent ensemble très facilement pour répondre à la tendance du Mix and Match, justement. Et cet automne, nous allons sortir de nouvelles couleurs plus chaudes, qui iront très bien avec les bleus et gris existants, d’où le nom de cette gamme : « Modulo,  qui se module. » 

Et quelles sont vos sources d’inspiration ?

« Nous nous inspirons de toutes les industries : mobilier, tissus, bijoux (…) mais aussi d’illustrateurs, d’architectes d’intérieur, de l’univers de la mode et du design, bref de tous ceux qui font les tendances de demain. Aujourd’hui, nous voyons beaucoup la table s’inviter ailleurs que dans la cuisine. Les salons design aux ambiances chaleureuses et cocooning, aux couleurs subtiles, tendres et douces sont aussi des lieux où l’on prend ses repas. Ce sont ces ambiances-là qui inspirent nos collections et les produits que nous imaginons et créons. »

Et vos projets pour la suite ?

« Nous voulons inscrire la marque dans un quotidien inspiré, (…) tout en restant accessible à tous les publics. Pour cela, nous jouons sur les gammes colorielles et les formes en nous appuyant sur les saisons. Nous nous inspirons de tous les domaines de la décoration, même les papiers peints nous inspirent ! Et pour une prochaine collection nous pourrons travailler avec une Illustratrice. Mais finalement, ce que nous souhaitons plus que jamais, c’est réussir à mettre les tendances au service de notre identité pour continuer à nous développer tout en nous affirmant. »

Crédit Photo : Patrick Rougereau

À table avec...

Christian Le Page,

fondateur de Jaune de Chrome et de JL Coquet

Christian Le Page est un funambule. Il oscille entre ciel et terre, air et matière, offrant à la poterie un alliage subtil fait de beauté, d’utilité et d’éternité. Très tôt, ce versaillais quitte sa famille et se lance dans la vie. Ses débuts se font loin de la céramique : « mon premier travail, à 17 ans, était de maquiller les défunts ». « Drôle de vie », se souvient-il encore. « Quand on est si proche de la mort au quotidien, on ne peut pas rester le même dans la vie ».

 Et pourtant, cette étape apportera la première touche de couleur au tableau de sa vie. En effet, cette expérience le pousse à peindre. « La peinture était une forme d’exutoire ; et puis j’avais ce contact avec la matière que j’aime tant ». Un critique d’art voit en ses travaux l’œuvre d’un homme âgé, expérimenté, alors qu’il n’a pas 20 ans. « Quand il m’a rencontré, il pensait découvrir un vieil homme. Ça l’a étonné de me voir si jeune, et moi, ça m’a déprimé » ; à tel point qu’il délaisse la peinture pour y revenir plus tard.

 La période du service militaire marque le début de sa vocation. « Je participais à l’effort de guerre en faisant fondre de l’émail sur des pièces en cuivre pour la Maison des jeunes  (…) On fabriquait des pièces pleines de couleurs que l’on pouvait utiliser comme récipient ». Cela le fascine immédiatement, et le conduit vers la poterie.

Jaune de Chrome

 Christian Le Page commence à tourner et à travailler le grès dans les années 80 et créé l’entreprise « Jaune de Chrome »,qui commercialise aujourd’hui des objets d’art à base de porcelaine pour les Arts de la Table, la salle de bain et la décoration d’intérieure. Il ouvre une première boutique rue de la Paix, avant de s’installer à Tivernon, en Beauce.  Avec « Jaune de Chrome », il impose et  propose une technique d’émaillage inédite, qui donne des reflets étonnants aux objets.

 « JL Coquet » n’arrivera que bien plus tard, en 2007, lorsqu’il rachète l’entreprise. Son intérêt pour la matière ne cesse d’ailleurs jamais de grandir puisqu’il acquiert à la même époque une verrerie de Murano, à Venise.  « Je suis passionné depuis toujours par la transformation de la matière, grâce au temps, aux éléments».

De l’Art à l’usage

« A l’époque, la céramique d’art souffrait déjà d’une image figée et veillotte. Les contenants n’avaient finalement pas d’usage particulier et ne vivaient pas en dehors du fait d’être des pièces uniques. »

 Face à ce constat, il se tourne alors vers l’assiette, vers le contenant, à la fin des années 80, laissant la céramique d’art de côté.  « On cherche à donner une valeur aux pièces, un usage, avec le travail des émaux ». Pendant 10 ans, il développe des gammes et créé des collections en partenariat avec des grandes Maisons.

Fort de ce succès mondial et grâce à de nombreuses rencontres, notamment celle avec le décorateur Christian Liaigre, « Jaune de Chrome » va évoluer vers l’univers des Arts de la Table. A ses côtés, il refait la décoration du restaurant « Troisgros », à Roanne. « Quand on travaille pour les plus grandes Maisons, on est des faiseurs, on disparait derrière ses créations ».

 S’il ne parle pas de certaines collaborations, il en dévoile d’autres qui ont fait grandir son art et sa pratique. « Ma rencontre avec Takashimaya, à New York (…) puis celle avec Alain Ducasse ».  Il travaille aux côtés de ce dernier et réalise la vaisselle de tous ses restaurants, de Paris à New York, en passant par Londres et l’Ile Maurice.

Retour à l’enfance

Tout, dans la vie de Christian Le Page, semble le pousser à insuffler la vie, à la sublimer,  par la matière et les éléments. C’est peut-être aussi dans ses racines, son enfance, et auprès de ses ancêtres qu’on retrouvera les prémices de son Art. « Mon arrière-grand père était commercial pour Haviland. En tant que Capitaine de bateau à Nantes, il transportait de la porcelaine française aux Etats-Unis et de la porcelaine chinoise vers l’Europe. (…) Chez ma grand-mère limougeaude,j’avais toutes sortes de porcelaine sous les yeux. On prenait tous nos repas dedans ».

« Je veux faire des choses qui restent dans le temps »

Il aurait aimé écrire, raconter cette vie, « sauf que l’écriture, ce n’est pas vraiment mon truc ». Alors pour laisser une trace, il tourne encore aujourd’hui lui-même la plupart des pièces de ses collections. « Je veux faire des choses qui restent dans le temps. Et quand on fait bien les choses, elles restent dans le temps ».  Terre, eau, air, feu, tout ou presque, dans la vie de Christian est naissance, renaissance, ou souligne l’importance de faire honneur à la vie, de la marquer, pour la rendre plus vivante, éternelle.

Depuis 2014, « JL Coquet », Entreprise du Patrimoine Vivant (EPV) et « Jaune de Chrome », font partie du groupe Héritage Collection. Héritage Collection s’intéresse aux savoir-faire traditionnels français et européens et investit dans des entreprises d’excellence. 

Crédit photo : Centre France

« L'Artisanat ne perdra jamais son âme à vouloir se moderniser »

Couverts

et orfèvrerie

Le monde des couverts accompagne la gastronomie dans l’univers de l’art de la table : leur place a évolué au fil des siècles, au fil des changements dans notre façon de cuisiner, de dresser la table, de servir et de consommer les plats. De nouveaux couverts spécifiques ont ainsi été créés : couverts de service, couverts à poissons, à crustacés, à dessert…

Les savoir-faire ont également progressé, les orfèvres utilisant de nouveaux matériaux et les traitant différemment, pour s’adapter à de nouveaux usages sociaux.

L’orfèvrerie, un art noble qui a su se mettre au service du quotidien

L’orfèvre est à la base l’artisan qui travaille l’or ou l’argent. La matière première (le lingot) va être forgée, cuite, limée, polie et poinçonnée (le poinçon d’État et le poinçon du maître).

Ces différentes étapes composent le travail de forge, qui caractérise l’art de l’orfèvrerie.

Les couverts, comme les assiettes, les verres et les autres objets de ce domaine, constituent aujourd’hui des accessoires esthétiques autant que des outils nécessaires.

Leur histoire est le reflet des évolutions sociales en matière de gastronomie et de protocole de dressage de la table. En effet, au Moyen Âge, on se contente de tailler la nourriture avec un tranchoir. La cuillère fait son apparition sur les tables au 14ème siècle. Le couteau apparaît quant à lui au 15ème siècle : c’est un objet personnel, que chacun transporte sur soi et apporte aux repas. La fourchette est le dernier couvert à trouver sa place sur la table, grâce à Catherine de Médicis qui en importe l’usage à la Renaissance. Il faudra attendre jusqu’au 18ème siècle pour voir son utilisation généralisée.

C’est également au 18ème siècle qu’on dédie au repas un espace permanent dans la maison : la salle à manger. Dans le même temps, on perd l’habitude de transporter son couteau personnel. Les conventions matrimoniales et sociales évoluent : cela entraîne l’apparition de la ménagère de couverts (48 pièces en général) constituée d’un coffret composée de toutes les pièces d’orfèvrerie nécessaires à la prise du repas.

Techniques ancestrales, savoir-faire traditionnels et innovations industrielles

C’est à la même époque qu’une véritable révolution va bouleverser le monde de l’orfèvrerie, accompagnant l’essor de la bourgeoisie, nouvelle catégorie sociale qui émerge et s’approprie les usages auparavant réservés à la noblesse, y compris dans l’art de la table.

Le fondateur de la maison Christofle dépose en 1842 un brevet, relatif à la technique de l’électrolyse, permettant de recouvrir un métal d’une fine couche d’or ou d’argent. Cette innovation va être la clé d’une première vague de démocratisation des couverts, même si bien sûr l’argent massif continue d’être travaillé par les grandes maisons d’orfèvrerie.

La deuxième révolution autour des couverts a lieu en 1948, quand Guy Degrenne décide de travailler une nouvelle matière : l’acier inoxydable, plus connu sous le nom d’inox. Une nouvelle vague de démocratisation permet alors au plus grand nombre d’avoir accès à des couverts accessibles mais également durables, l’inox étant globalement un matériau peu altérable.

Les designers en première ligne

Le paradoxe des couverts, fait d’une double exigence à la fois esthétique et fonctionnelle, représente un véritable défi pour les designers. Les attentes des consommateurs en termes de maniabilité, d’apparence, d’ergonomie, de praticité à l’usage et de durabilité ont amené les plus grands designers comme Thomas Bastide, Christian Ghion, Ora Ito ou encore Andrée Putman à collaborer avec les maisons les plus prestigieuses, dans le respect des traditions du berceau artisanal mais également industriel de la coutellerie, situé en Auvergne.

Patrick Jouin a notamment collaboré avec Puiforcat, proposant une nouvelle approche de la coutellerie, dans une exigence de fonctionnalité qui n’a par ailleurs rien cédé à l’esthétisme.

La

céramique

Savoir-faire ancestral, la céramique désigne l’art de fabriquer des objets à partir de matériaux tels que l’argile, le kaolin, le feldspath ou encore le quartz. Le mot concerne aussi bien l’art lui-même que l’objet obtenu. Au final, ce sont 4 familles qui composent l’univers de la céramique, le plus riche et le plus ancien dans l’art de la table. Partez à la découverte d’un savoir-faire, qui incarne aujourd’hui et plus que jamais l’art de vivre à la française.

La céramique, art du feu ancestral

La céramique est non seulement apparue avant la verrerie mais a également précédé la métallurgie.

Le mot céramique nous vient du grec « keramos » qui signifie argile, mais dans les faits « les » céramiques sont divisées en 4 familles distinctes, chacune avec ses spécificités de composition, de cuisson, d’aspect esthétique et ses qualités finales: la terre cuite, le grès, la faïence et la porcelaine.

Alors que le grès et la terre cuite ont un aspect relativement brut, la faïence offre un aspect déjà plus fin. Cependant c’est la porcelaine qui atteint la plus parfaite délicatesse, avec une apparence presque translucide, due à sa composition plus complexe (kaolin, feldspath et quartz) et à sa cuisson particulière à haute température.

Nous devons l’arrivée de la porcelaine en France à Colbert, qui avait instauré des relations commerciales avec la Chine et a ainsi permis les premières importations.

Les techniques évoluent, les modes de vie également, et le goût des français pour la porcelaine s’affirme au fil des siècles. Des manufactures de porcelaine se sont installées en Europe, comme la célèbre manufacture de Meissen, mais c’est grâce à Louis XV et à sa favorite Madame de Pompadour qu’une manufacture française a pu être créée, d’abord à Vincennes avant d’être transférée à Sèvres.

La porcelaine, symbole de l’art de vivre à la française

À partir de 1768 on commence également à fabriquer de la porcelaine à Limoges, grâce à la découverte de ressources naturelles sur place. La porcelaine de Limoges est devenue au fil des années une des plus prisées au monde.

La porcelaine de Limoges symbolise le prestige mondial de la porcelaine française moderne, la ville abritant aujourd’hui les plus grandes maisons de fabrication de porcelaine mais également des ateliers d’art (émail et vitraux). La ville a donc acquis au fil des siècles une réputation unique au monde, et l’a même menée à constituer une « Route européenne de la céramique. »

La manufacture de Sèvres a de son côté traversé les époques et les régimes politiques pour devenir la manufacture nationale de Sèvres, toujours en activité aujourd’hui et renommée « Cité de la céramique » en 2010, avec le Musée national de céramique, puis en 2012 avec le musée national de la porcelaine Adrien-Dubouché situé à Limoges. La manufacture est résolument orientée vers des créations contemporaines.

La particularité de l’évolution technique dans le monde de la porcelaine : la mécanisation de la production n’a pas nui à la qualité des produits finis, bien au contraire. Mais surtout, c’est aujourd’hui un univers qui a su s’adapter, en mariant habilement savoir-faire traditionnel et innovations esthétiques. Les designers les plus audacieux mettent au défi les fabricants les plus célèbres pour faire de la porcelaine le matériau qui sait, toujours et encore, s’adapter à nos envies sans jamais rien perdre de son élégance.

La

verrerie

Les coulisses de l’art de la table se dévoilent pour vous. Avec notre série consacrée aux savoir-faire des métiers de l’art de la table, découvrez ces univers passionnants qui mêlent art et artisanat. Au fil du temps, ils ont su concilier la modernité des techniques de création et de production au respect des traditions héritées des siècles passés. Premier épisode de cette série : la verrerie.

La verrerie à travers les âges et les pays

Qu’est-ce que le verre, à la base ? De la silice – principal composant du sable – que l’on amène à fusion, en y ajoutant divers fondants qui influeront sur les propriétés physiques du matériau obtenu (sa solidité par exemple), en modifiant sa température de fusion.

Le verre a une histoire très ancienne : les premiers récipients connus datent du XVIème siècle avant Jésus-Christ, et nous viennent de Mésopotamie et d’Égypte. Ce sont ensuite les Romains qui ont mis au point les procédés de soufflage, de taille, de gravure et de moulage.

Dès le XIIIème siècle, les ateliers de Murano en Italie, rendus célèbres pour leur travail délicat, produisaient une verrerie très raffinée et toute en transparence. Ce style s’est ensuite exporté en France, notamment dans les ateliers de Lorraine.

On a ensuite vu l’essor du verre de Bohême, qui fait entrer dans sa composition de la chaux et de la potasse afin de faciliter le travail du matériau, et utilisant par ailleurs le principe de gravure à froid, dans un style baroque.

La mise au point de la technique du cristal sous Louis XV, par l’adjonction de plomb au composant principal, donne un nouvel envol à la verrerie. La finesse et la beauté de ce matériau séduisent progressivement le monde entier.

Sur la table, l’utilisation des verres évolue également dans le temps. Du verre unique, on passe au service de verres et l’on décline ensuite le matériau dans des objets de plus en plus variés : assiettes, plats, coupelles, saladiers…

Mécanisation et respect des savoir-faire

C’est au XIXème siècle que les évolutions industrielles ont permis la production en série dans le domaine de la verrerie. Les entreprises de ce secteur, initialement situées dans les Vosges en raison de la proximité des zones d’approvisionnement en matières premières (sable, bois et eau) s’étendent alors au nord de la France.

Mais si la mécanisation des modes de production a industrialisé la fabrication des articles verriers, cette modernisation n’a pas porté préjudice à la pérennisation de savoir-faire ancestraux (le soufflage à la bouche notamment et le travail à la main) qui côtoient avec succès les nouvelles techniques dans les ateliers verriers artisanaux, tandis que les entreprises industrielles mettent les innovations technologiques au service de nouvelles demandes.

Un secteur dynamique et très diversifié

La verrerie représente aujourd’hui un secteur très actif dans l’art de la table : du luxe à la consommation courante, les fabricants ont su s’adapter à des attentes qui évoluent. Esthétisme, résistance, créativité technique, design innovant, couleurs, respect de critères environnementaux… Le savoir-faire verrier à la française est plus dynamique que jamais, et a réussi à concilier noblesse et popularité.

GASTRONOMIE

ET ART DE LA TABLE

Aujourd’hui l’art de la table occupe une place particulière dans l’art de vivre à la française. Les bouleversements sociaux des derniers siècles ont modifié nos styles de vie, y compris dans le domaine de la prise des repas. Les révolutions industrielles ont entraîné un assouplissement considérable de ce qui était auparavant un art très normé et codifié. Les innovations techniques ont aussi permis de repenser totalement la façon de fabriquer et de transformer les produits des arts de la table.

Au final, notre façon de cuisiner et de dresser la table pour le repas constitue une spécificité française unique au monde.

L’excellence du repas à la française

L’UNESCO a classé en 2010 le repas gastronomique à la française au patrimoine immatériel de l’humanité. Cette distinction prestigieuse marque la reconnaissance officielle de l’excellence française en matière de gastronomie.

Cette excellence est étroitement liée au prestige de l’art de la table français, qui contribue à la renommée des grandes tables. Il s’agit aussi d’un rituel culturel qui n’existe nulle par ailleurs, bien que le rayonnement de l’art de la table à la française soit aujourd’hui mondialement reconnu.

En effet, en France l’art de la table fait concrètement partie de la culture et résulte de siècles de travail et d’histoire mais surtout de savoir-faire unique au monde.

Une culture riche et remontant au Moyen Age

L’art de la table existe depuis longtemps, même s’il a été relativement rudimentaire pendant une longue période : au Moyen Age par exemple, l’absence d’assiettes n’empêchait pas une culture très codifiée de la prise des repas. On utilisait tailloirs et tranchoirs, la nourriture étant servie sur du pain, lui-même déposé sur une planche de bois. Seule la matière de la planche variait selon le prestige de la table : or et argent aux tables de la noblesse, bois sur les tables des paysans.

C’est donc la monarchie qui a fait évoluer l’art de la table, en conférant à ce moment privilégié qu’est le repas une élégance et un raffinement hors du commun. La richesse et le pouvoir sont mis en évidence de façon ostentatoire et cela passe par des usages très normés, qui construisent un art de la table au comble du raffinement, notamment sous le règne de Louis XIV.

Le pouvoir en place, à travers ses hommes politiques, permet également de créer des manufactures royales (porcelaine, orfèvrerie…) installant officiellement une excellence française qui rayonnera progressivement dans le monde entier.

Art de la table et révolutions

Ce sont ensuite les différentes révolutions qui vont venir transformer notre gastronomie et nos rituels de repas, bouleversant dans le même temps l’art de la table tel qu’il existait sous les grandes monarchies. La révolution française provoque de fait une émigration massive des aristocrates mais leur domesticité reste en partie sur le sol français. Tout le savoir lié à l’art de la table est alors utilisé à travers l’ouverture des premiers restaurants, dont l’apparition modifie totalement la façon de servir la nourriture, qui ne peut plus être apportée à table à raison d’une dizaine de plats à la fois.

Après les restaurants viennent les palaces, drainant une clientèle riche et exigeante. Ces palaces commandent aux orfèvres et aux porcelainiers des collections spécifiques pour leur maison, toujours dans un souci de magnificence et de raffinement extrême, tant pour la nourriture servie que dans la façon de la présenter et de la servir. Restaurants et palaces – qui marquent l’apogée de la bourgeoisie – créent donc par phases successives une nouvelle culture dans la façon de recevoir, de préparer les repas et de les servir à table.

Cette culture sera portée et amplifiée par les révolutions industrielles, qui permettront des innovations techniques majeures : nouveaux matériaux, nouvelles formes, nouveaux usages et coûts de fabrication et de transports réduits. On voit notamment l’apparition de l’inox, de la verrerie mécanique, de la porcelaine pressée.

En parallèle, les révolutions sociales modifient nos habitudes de repas, qui ont peu à peu fait de l’art de la table un univers affranchi de ses codes les plus stricts. Aujourd’hui l’art de la table est devenu un loisir, toujours lié aux plaisirs gastronomiques et mettant en valeur, avec des usages nouveaux, plus décontractés mais riches de siècles d’histoire, l’art unique du repas à la française.