Sommelier & Co... par Puiforcat 

Amélie De Cagny, directrice marketing et communication de Puiforcat, nous commente la collection « Sommelier ». Fruit d’une étroite collaboration entre Enrico Bernardo, le sommelier de renom, Michael Anastassiades le designer, et la Maison Puiforcat, cette collection allie Art de la Table et Orfèvrerie, pour le bonheur des yeux et du palais. 

Un verre à vin sans pied, c’est étonnant et inattendu. D’où vient cette idée ?

Pour cette collection, nous avons fait appel à Enrico Bernardo, élu meilleur sommelier du monde en 2004. Il est également le propriétaire d’IL VINO, restaurant parisien reconnu et suivi par le guide Michelin. En observant les convives, il se rend compte qu’ils attrapent spontanément leur verre par le fond plutôt que par le pied. Le point de départ est là.

L’association étonnante entre verre et métal argenté semble être un défi pour votre maison, non ?

Oui, complètement. Au départ, notre Maison s’est posé la question suivante : comment faire cohabiter le métal et le verre alors qu’ils ne sont pas spontanément liés par leurs usages respectifs ? Pour y répondre, nous nous sommes rapprochés du designer londonien Michael Anastassiades, connu pour son travail sur la lumière et le métal. Il expose au Musée d’Art Moderne de New-York. Travailler avec des designers nous aide à porter un regard neuf sur nos productions et à créer de nouveaux codes, à sortir des carcans.

Pourquoi le fond des verres a-t-il une forme conique ?

Une fois versé, le vin s’oxyde très vite. La forme conique ralentit le processus, concentre le vin et préserve ses saveurs. Dans un verre classique, l’angle d’attaque est vertical, ce qui signifie que le vin va irriguer une seule zone de la bouche. Avec ces verres, l’attaque est horizontale. Le vin se dirige vers d’autres zones de la bouche. L’expérience est plus forte, plus profonde, plus ronde. Les défauts vont être gommés et le vin donne le meilleur de lui-même.

Quelles pièces trouve-t-on dans la collection « Sommelier » ? Sont-elles compatibles avec d’autres éléments ?

On trouve des verres à vin rouge, blanc, liquoreux, des verres à champagne, à digestif, dont la forme « tulipe » retient les éthers. Il y a aussi un décanteur, un dessous de bouteille en métal argenté, un serviteur, un seau à champagne et une vasque sommelier.

Le style épuré rend les pièces de la collection compatibles avec d’autres éléments répondant complètement aux codes du « mix and match ». Aujourd’hui, beaucoup de pièces aux accents « Art Déco », qui est aussi une tendance forte, se veulent épurées pour permettre justement ce mariage avec d’autres pièces.

Avec la collection « Sommelier », que cherche finalement à montrer la Maison Puiforcat ?

Puiforcat cherche à éviter l’écueil qui consiste à percevoir les objets d’orfèvrerie comme des pièces muséales. Ces objets sont aussi ceux du quotidien : plus on les utilise, moins ils ternissent. Avec la collection « Sommelier », chacun peut constater qu’un objet peut être à la fois fonctionnel et exceptionnel.

Crédit photo : Daniel Riera pour Puiforcat

Rencontre avec Maud Argaïbi , Photographe de l’ère culinaire

Depuis plusieurs années, Maud Argaïbi photographie mets et « merveilles ». Cette ancienne Chef cuisinière a déjà signé plusieurs livres. Entre tendances et mouvances, elle nous révèle les secrets d’un shooting photo culinaire.

Vous êtes passée de la cuisine à la photographie culinaire ? Ce sont deux formes d’art très différentes…

Ce n’est pas si différent, en réalité. Les grands chefs font leurs propres livres, les cuisiniers aiment les recettes culinaires. J’ai travaillé dans de grands restaurants, il y a toujours de beaux magazines à disposition pour voir ce qui se fait ailleurs. Les dressages et recettes sont des sources d’inspiration. En lisant ces magazines, je me disais : « Si j’arrête la cuisine, je deviens photographe culinaire ».

Comment se déroule un shooting photo culinaire ? Est-ce que vous cuisinez et mangez ce que vous photographiez ?

(Rires) Ni l’un ni l’autre … ou presque. La styliste culinaire apporte la vaisselle, les ingrédients. Elle cuisine et s’occupe de la mise en place. Il m’arrive d’apporter ma propre vaisselle, si le client a une demande spécifique. Parfois, nous sommes trois sur le shooting: l’auteur des recettes, le ou la styliste culinaire et moi-même. (…) Et non, nous ne mangeons pas ce que nous photographions. C’est un peu comme si vous mangiez vos outils de travail, mais il nous arrive exceptionnellement de ponctuer la fin d’un shooting par un repas.

Est-ce que les plats doivent être bons et vraiment cuisinés pour que les photos soient réussies ?

Dans mes photos, tout est vrai. C’est le cas chez la plupart des photographes culinaires, la fausse nourriture est une légende urbaine. Même pour les publicités McDonald’s ! Les burgers sont totalement stylisés, travaillés. Le résultat s’en ressent lorsque tout est véritablement cuisiné.

Selon moi, la photo sera toujours très réussie si la cuisine est faite avec amour et avec de vrais ingrédients. En plus, imaginez que la personne n’obtienne pas les mêmes textures et couleurs en suivant la recette ? Par exemple, les épinards et le concombre n’offrent pas le même vert une fois transformés en jus.

Aujourd’hui, qu’est-ce qui est « tendance » dans l’art de la photographie culinaire ?

La vue du dessus, qu’on appelle aussi « top shot », est très tendance. C’est facile et très graphique. La mise en avant du matériel de cuisine, des produits bruts ou du « fait-maison » est également à la mode. On me demande souvent d’ajouter des coulures, de laisser des gouttes, des miettes… Il m’arrive d’entendre : « C’est trop propre ! ». Avant, la tarte était toujours entière. Aujourd’hui, on la découpe.

Les couleurs sont très présentes et plutôt dans les tons pastels. Il y a trois ou quatre ans, c’était tout blanc ! Le monochrome, le style épuré revient progressivement. 

Quelles sont vos sources d’inspiration ?

N’étant pas du milieu de la photographie au départ, je suis davantage inspirée par de grands chefs que par de grands photographes. J’aime beaucoup ce que fait le photographe Guillaume Czerw, par exemple. Les photographes culinaires ne sont pas encore assez valorisés, alors que les photographes de mode peuvent devenir de véritables stars. C’est dommage.

Pour vous, l’art de bien manger, c’est quoi ? 

Savoir goûter, avoir conscience de la texture de chaque aliment. Avec mon dernier enfant, je pratique la diversification alimentaire menée par l’enfant lui-même. Il choisit ses aliments, les portent tout seul à sa bouche. Evidemment, il faut surveiller qu’il ne s’étouffe pas avec certains morceaux. 

Quels sont vos projets ? Cuisiner ne vous manque-t-il pas ?

J’ai l’impression que je viens de commencer la photographie. J’ai encore beaucoup à explorer : la photographie avec les grands chefs, avec les grandes maisons de l’Art de la Table, les photoreportages… Ma sœur va bientôt me rejoindre pour m’aider à développer de nouveaux projets. (…) Et non, la cuisine ne me manque pas parce qu’en photographie culinaire, elle ne nous quitte jamais vraiment !

Crédit Photo : Maud Argaïbi

Guy Degrenne,

capteur de tendances

Interview de Blandine Franc, Directrice de la marque Guy Degrenne

Où en est la marque Guy Degrenne en 2017 ?

« Auparavant, Guy Degrenne était une marque plus classique (…) et pas forcément tendance. Mais aujourd’hui, la marque se renouvelle, cherche à capter et à suivre les modes, à innover pour aller vers des produits modernes, dans l’air du temps. Nous voulons exprimer notre identité par de nouvelles formes et couleurs. »  

Quelles grandes tendances avez-vous captées pour cette année ? Lesquelles vous inspirent ?

« Actuellement le Mix and Match fonctionne très bien. Le Mix and Match, c’est l’art du dépareillé qui va bien ensemble. Vous mélangez des formes, des couleurs, et le résultat est harmonieux, raffiné, et répond aux codes du moment. »

Et vos collections ? Est-ce qu’elles répondent aussi aux codes du moment ?

« Bien sûr ! Nous avons même imaginé et développé une collection, la gamme « Modulo », avec du gris anthracite, du bleu pâle, du bleu céladon.  Les couleurs s’associent ensemble très facilement pour répondre à la tendance du Mix and Match, justement. Et cet automne, nous allons sortir de nouvelles couleurs plus chaudes, qui iront très bien avec les bleus et gris existants, d’où le nom de cette gamme : « Modulo,  qui se module. » 

Et quelles sont vos sources d’inspiration ?

« Nous nous inspirons de toutes les industries : mobilier, tissus, bijoux (…) mais aussi d’illustrateurs, d’architectes d’intérieur, de l’univers de la mode et du design, bref de tous ceux qui font les tendances de demain. Aujourd’hui, nous voyons beaucoup la table s’inviter ailleurs que dans la cuisine. Les salons design aux ambiances chaleureuses et cocooning, aux couleurs subtiles, tendres et douces sont aussi des lieux où l’on prend ses repas. Ce sont ces ambiances-là qui inspirent nos collections et les produits que nous imaginons et créons. »

Et vos projets pour la suite ?

« Nous voulons inscrire la marque dans un quotidien inspiré, (…) tout en restant accessible à tous les publics. Pour cela, nous jouons sur les gammes colorielles et les formes en nous appuyant sur les saisons. Nous nous inspirons de tous les domaines de la décoration, même les papiers peints nous inspirent ! Et pour une prochaine collection nous pourrons travailler avec une Illustratrice. Mais finalement, ce que nous souhaitons plus que jamais, c’est réussir à mettre les tendances au service de notre identité pour continuer à nous développer tout en nous affirmant. »

Crédit Photo : Patrick Rougereau

Interview de René Barba,

designer pour Cristal D'Arques

Année 2000, année zéro et début de l’histoire entre Arc France, la marque Cristal d’Arques et le créateur René Barba. Engagé comme créateur international, cet apporteur d’idées et designer imagine, tel un devin, l’avenir du Design. L’auteur des collections « Macassar » et « Architecte » a su donner un nouvel éclat au cristallin de la marque Cristal d’Arques. Rencontre.

La collection « Architecte » (à gauche), inspirée des années folles, et la collection « Macassar » (à droite) ont des touches très Art Déco. D’où cela vient-il ?

Je suis cubain mais j’ai grandi à Miami Beach, en Floride. J’y ai découvert l’Art Déco, qu’on appelle aussi « Tropical Déco ». On retrouvait ce style un peu partout là-bas, à travers l’architecture de l’époque, les grands immeubles et les hôtels tout en hauteur, avec des jeux de lumière, de lignes, et des couleurs pastel sur leurs façades (…). Ma passion pour ce style s’est accentuée quand, dans le cadre de mes études aux Arts Décoratifs de Miami, j’ai participé à un projet de restauration d’immeuble pour lequel je m’occupais des couleurs.

Au-delà de l’influence qu’a eu votre enfance, pourquoi avoir choisi cette époque plutôt qu’une autre pour imaginer ces deux collections ?

C’était comme une évidence… Pour commencer, l’Art Déco est une période qu’on revisite beaucoup de nos jours. C’est intéressant de voir comment ses codes sont utilisés comme base de travail pour imaginer de nouvelles choses ; Cela s’appelle d’ailleurs le « Néo Art Déco ».

Ensuite, l’Art Déco joue énormément avec la lumière, les éclats, les facettes, tout comme le cristallin. Je n’ai donc eu aucune hésitation à m’inspirer de cette époque pour travailler sur les collections « Macassar » et « Architecte », même si plusieurs autres époques m’inspirent et m’attirent aussi.   

Si vous vous inspirez des époques, vous êtes aussi un créateur de tendances. Comment les créez-vous, justement ?

Nous, les designers, captons des signes qui peuvent être sociologiques, visuels, ou qui proviennent de simples formes. Ces éléments extérieurs murissent en nous pour apparaitre clairement sous forme de courant dominant. C’est comme cela que nous devenons des sortes de « devins »  des tendances.

Nous pourrions presque conclure que le mouvement est inscrit dans l’ADN de l’être humain ? 

Pour moi, l’homme est nomade mais la vie sédentaire qu’il mène par obligation ne lui permet par de vivre comme il le devrait. Alors, pour recréer ce mouvement « perdu », il va transformer son environnement immédiat. Cela passe par le fait de changer la décoration de son intérieur, de remplacer des objets ou des meubles par d’autres. Ces changements lui donnent finalement l’impression d’accomplir ce pour quoi il est fait. 

Fort de toutes vos observations, quel serait pour vous la prochaine grande tendance ?

Le dépouillement, le minimalisme, l’épuration. Je verrais bien un retour du « Memphis Design », avec des lignes géométriques, des rectangles, des triangles et des couleurs partout ; le dépouillement deviendrait peut-être la prochaine alternative au changement…

 Crédit Photo : Arc France

Interview de Jean-François d'Or

designer pour La Rochère

Comment a eu lieu cette première rencontre entre vous et La Rochère ?

C’était il y a 4 ans. A l’époque, La Rochère voulait réaliser des collections plus contemporaines. J’avais travaillé avec « Ligne Roset » et cela les a intéressés. De mon côté, j’ai tout de suite aimé leur technique de soufflé bouche, le côté retro de leurs collections, les verres de bistrots, les ballons de vin rouge, les pièces du 18^ème siècle rééditées, etc…

Vous avez d’abord réalisé la collection « Blossom », qui a obtenu des prix et connait un vif succès. Comment y avez-vous travaillé ?

Cette collection est le fruit d’une première demande de la part de La Rochère, celle de créer et d’imaginer un service de table. Au départ, j’avais une contrainte nouvelle pour moi : travailler le verre mécanique, industriel. L’avantage de cette technique, c'est la précision ; l’inconvénient est le manque de souplesse du fait de la fabrication industrielle. Alors, pour donner une âme, de l’élégance, une présence et un usage quotidien au produit, je me suis inspiré de la Fable de la Fontaine "La Cigogne et le Renard". En raison de la forme de son bec, la cigogne n’arrive pas à manger dans le plat que lui présente le renard.  Je suis parti du principe que chaque contenu a son contenant. Il existe plusieurs façons de se mettre à table… C’est comme cela qu'est née cette collection de verres à « tapas ».

Quelles ont été vos autres sources d’inspiration pour cette collection ?

Les designers travaillent avec leur âme, leur personnalité, alors je ne cherche pas mon inspiration dans les tendances mais plutôt dans mon environnement, dans la vie, pour ne pas tricher et refaire ce qui existe déjà. C’est une approche créative, intègre, intuitive, impulsive, pour arriver à un résultat très personnel. Finalement, c’est nous qui créons la tendance avec notre regard.

Par exemple, les reflets du verre de la collection « Blossom », je les ai imaginés en trouvant un phare de voiture cassé dans la rue. Il accrochait et retenait particulièrement bien la lumière. Ces reflets vifs et vivants m'ont plu. C’est aussi ce qu'attendait La Rochère. C’est souvent l’opportunité qui crée l’idée.

Comment expliquez-vous la touche ancienne que vous avez su donner à cette collection ?

Je suis un nostalgique du passé. Les souvenirs d’objets anciens, la mélancolie que m’inspirent les époques passées donnent presque toujours la première impulsion à mes créations.

Après le succès de « Blossom », sur quels projets travaillez-vous ?

Je travaille sur un verre en soufflé bouche. Cette technique est exceptionnelle. Elle dépend du savoir-faire de l’artisan. Le produit est spontané, imparfait, avec des petites bulles. La pièce est imaginée autour et avec ses imperfections. C’est une approche très personnelle. On est proche du coup de cœur.

Crédit Photo : La Rochère

Les illustrateurs

Dans le cadre de l’ouverture à d’autres disciplines artistiques et créatrices, les grandes marques de l’art de la table se sont penchées sur le travail fascinant d’illustrateurs qui chacun à leur façon ont marqué leur spécialité. Ces artistes ont su apporter au monde de la céramique une touche à la fois fantaisiste et pleine de douceur.

Emilie Vast

Emilie Vast, née à Epernay en 1978, est à la fois auteure, graphiste, photographe, illustratrice et plasticienne. Son domaine de prédilection est la littérature pour enfants et son style est une alliance de lignes naïves et de beaux aplats de couleurs. Diplômée de l’ESAD à Reims, où elle vit aujourd’hui, elle a une véritable passion pour la simplicité des formes et la douceur. Tableaux et livres-objets font partie des supports sur lesquels elle travaille.

Pour la faïencerie de Gien, Emilie Vast a adapté l’un de ses ouvrages, « Le secret », dans un service de table complet pour enfant, qui a pris le nom du livre. Assiettes à dessert, bols, mugs, plat à gâteaux… L’élégance et la modernité des dessins d’Emilie Vast ont été parfaitement restituées par le savoir-faire traditionnel de la faïencerie de Gien, un résultat enchanteur !

Robert Dallet

Référence dans le domaine du dessin naturaliste animalier, Robert Dallet est né en 1923 en Normandie et exerce son métier depuis 1952, pratiquant son art sur de nombreux supports. Auteur de livres, de planches illustrant des guides touristiques et d’affiches pour le WWF, il est spécialiste de la faune sauvage. C’est à ce titre qu’il collabore depuis des années avec la Maison Hermès, dont il a dessiné des motifs pour les célèbres carrés de soie. En 2016, c’est pour le service de table « Carnets d’Équateur » qu’il représente jaguars, aras, panthères et impalas dans leur milieu naturel. Ces animaux figuratifs prennent littéralement vie sur la porcelaine fine, reproduisant à merveille les couleurs et les mouvements réalistes.

Marjane Satrapi

Née en 1969 en Iran, Marjane Satrapi est une auteure de bande dessinée, mais elle est également scénariste et peintre. Après une scolarité secondaire en Autriche, elle retourne en Iran où elle obtient une maîtrise à l’école des Beaux Arts de Téhéran puis elle suit en 1994 un cursus à l’école des Arts décoratifs de Strasbourg. Elle découvre la bande dessiné à l’atelier des Vosges mais le déclic lui vient de la lecture de Maus, d’Art Spiegelman. Dès l’année 2000, elle obtient de beaux succès avec ses albums, notamment Persepolis, Broderies, Poulet aux Prunes, qui lui valent pour certains nominations et récompenses au Festival d’Angoulême.

Sa collaboration avec la Maison Bernardaud a donné naissance en 2013 à la collection « Satrapi Sisters ». L’artiste considère la porcelaine comme la reine des matières et elle a voulu rendre hommage aux visages de femmes, qu’elle voit comme le symbole d’une esthétique pure, en adéquation parfaite avec la noblesse de la porcelaine. Cette série d’assiettes et tasses aux motifs à la fois naïfs et délicats restitue la finesse du trait de l’artiste.

Paula Juchem

Née en 1974, Paula Juchem est une designer Brésilienne. Diplômée en design industriel et communication visuelle de l’université de Santa Maria, elle est notamment la créatrice d’illustrations pour les Conran Shop de Londres, Paris et New York. Pour l’éditeur Non Sans Raison, elle a imaginé en 2010 une collection « suspendue », sur le thème de la basse-cour : 19 assiettes en porcelaine à accrocher au mur comme un puzzle, chacune formant une pièce composant le motif global. Grâce à un système magnétique, chaque assiette se décroche et s’accroche très facilement. Ce service est à la fois un service de table et une formidable œuvre d’art qui orne le mur sur lequel il est accroché.

Ora Ïto

Dans le monde des designers, il y a des touche-à-tout : Ora-Ïto en fait indéniablement partie. Audacieux, il ancre ses créations dans une optique pragmatique et s’attache à accompagner l’ère numérique. Il créé cependant des objets dans divers domaines, comme les meubles, les accessoires… Il a même créé un parfum pour Guerlain et possède sa propre marque, Ora ïto Mobility, dédiée à la création d’accessoires pour smartphone.

Un parcours en marge des filières classiques

Ora Ïto est un autodidacte et il assume parfaitement ce positionnement, parfois au risque de controverses. Il a entamé des études de design mais les a interrompues avant d’être diplômé. À l’âge de 19 ans, il conçoit un manifeste plein d’humour et décalé sur son site web, créant des objets imaginaires pour de grandes marques : une mallette pour Apple, un sac à dos Vuitton... La renommée est immédiate : le jeune homme trouve auprès du public une légitimité mondiale et les marques lui passent aussitôt commande.

Il commence alors à créer des objets qui sont aussitôt salués par la critique et récompensés. En 2002, il dessine pour Heineken une bouteille en aluminium, saluée par l’Oscar du meilleur design. Sa lampe One line, présentant la particularité d’avoir été créée d’un seul trait, récolte également un Red Dot Design en 2004. À 22 ans, Ora Ïto est lancé dans le milieu et mène sa carrière en totale autonomie.

Ora Ïto est l’ami de grandes marques comme Nike, Toyota, Zéritalia, Danone, L’Oréal, Levi’s et bien d’autres encore. Il collabore avec elles dans des domaines aussi variés qu’inattendus. Création d’objets divers, de mobilier, travaux d’architecture…

Ses collaborations dans le domaine de l’art de la table ont insufflé à des marques empreintes de classicisme un petit vent de folie.

L’orfèvrerie, la corde qui manquait à l’arc d’Ora Ïto

Fidèle à son concept de « simplexité » qui décrit l’éclectisme de ses créations, Ora Ïto a exercé ses talents dans le domaine de l’orfèvrerie. On retrouve ainsi la sobriété de son style dans la collection de couverts « Recto-Verso » et de candélabres « Arborescence » dessinés pour Christofle en 2008 et 2009.

En 2010 et 2011, c’est aux côtés de Forge de Laguiole que le créateur va mettre en œuvre son génie innovateur en concevant pour la marque un couteau pliant nommé « Furtivo ». Lignes cubiques et acrylique minéral confèrent à ce couteau un design futuriste.

Il dessine également un autre couteau pliant sur mesure en hommage à Alain Delon, « Le samourai ». Moins carrées que les lignes du Furtivo, Le samouraï allie élégance des courbes et design futuriste en reproduisant la symbolique de l’arme mythique.

Sarah Lavoine

Si l’on souhaitait personnifier l’art de vivre à la française et le goût parisien, le nom de Sarah Lavoine serait le plus logique, le plus évident. Cette designer, décoratrice et architecte d’intérieur a su, en moins de 15 ans, faire de sa vision de l’esthétique contemporaine une référence qui fait autorité dans le monde de la décoration. Adepte d’un raffinement coloré, elle est également une fervente alliée de l’artisanat d’excellence.

Une vocation solide, ancrée dans la tradition familiale

Née en 1973, Sarah Lavoine est certes issue de la noblesse polonaise, mais elle est aussi la fille de Jean Stanislas Poniatowski, qui a longtemps été le directeur de Vogue. Sa mère, Sabine Marchal, est décoratrice et sa soeur, Marie Poniatowski, est créatrice de bijoux. Le goût pour les belles choses, l’élégance, le raffinement et le style imprègne donc l’univers familial de Sarah Lavoine, depuis sa plus tendre enfance.

Sarah Lavoine a d’abord étudié le théâtre et la philosophie, ainsi que la communication, avant de se diriger vers l’architecture d’intérieur. Sous l’égide de l’architecte d’intérieur François Schmidt, elle se lance dans ses premiers chantiers de décoration au début des années 2000 et créé sa propre société en 2002. Elle choisit de ne pas se restreindre à un seul type d’environnement et décore tout aussi bien des maisons, des lofts et des appartements que des hôtels, des boutiques et espaces de réceptions.

Talents multiples et collaborations prestigieuses

En 2009, elle conçoit une collection de meubles pour La Redoute. En 2010, elle devient la présentatrice d’une émission télévisée sur la chaîne Odyssée, mais elle publie également un livre aux Éditions de la Martinière « Architecture intérieure ». Elle ouvre également une boutique à Paris, pour laquelle elle conçoit ses propres meubles, qui côtoient des créations de Paola Navone et de Gubi.

La Compagnie Française de l’Orient et de la Chine fait également appel à elle, tout comme le Pavillon Vendôme, l’Hôtel Jardin de Neuilly ou encore, les restaurants « Orient-Extrême » et « Victoria » à Paris pour réaliser leur décoration.

Dans le domaine de l’art de la table, Sarah Lavoine a signé en 2014 « Aboro », un service de table pour Bernardaud. Des motifs sobres et dépouillés sur la porcelaine blanche des assiettes et des plats, ainsi que des touches d’or sur les couleurs mates des tasses, comme le turquoise ou le gris, confèrent à cette collection une élégance sans pareille.

La même année, Sarah Lavoine réalise pour le céramiste Jars la collection « Sicilia », un service de table en grès aux couleurs à la fois intenses et discrètes. Avec cette collection, elle accomplit la prouesse du mariage parfait entre la tonalité presque rustique du grès et le raffinement des lignes et des couleurs. Mêlant les finitions mates et brillantes, elle préserve la cohérence de l’ensemble grâce un liseré beige clair que l’on retrouve sur chaque pièce de la collection, comme une sorte de fil conducteur permanent.

Les photographes

L’art de la table est un domaine à multiples facettes, dont la mise en valeur passe par de nombreuses et très riches collaborations. Parmi elles, les photographes tiennent une place particulière. La composition, l’éclairage, le point de vue, l’originalité de l’approche sont autant de points qui contribuent à magnifier l’excellence de l’art de la table à la française. Focus sur deux artistes qui ont mis leur talent au service de collaborations exceptionnelles.

Léa et Cendrine Dominguez pour Deshoulières

Fille de la célèbre Cendrine Dominguez, Léa est une photographe française née en 1987 à Paris, qui aime avant tout explorer et expérimenter. Diplômée d’une école d’Arts Appliqués mais également d’une école d’audiovisuel, son approche privilégie l’immersion totale, sans pour autant se limiter à un seul domaine. 

Elle s’est ainsi illustrée dans diverses disciplines comme la décoration, le reportage mais surtout la macro-photo. 

C’est finalement l’ambiance urbaine, dans le cadre de ses nombreux voyages, qui marque le plus fortement son travail actuel. Pourtant, le travail de Léa Dominguez n’est pas exempt d’un certain classicisme, avec un goût prononcé pour les atmosphères nostalgiques. Sa particularité et sa force : Léa Dominguez refuse de travailler en lumière artificielle.

Avec sa mère Cendrine, Léa Dominguez signe en 2014 une collection d’assiettes pour Deshoulières. Cette collaboration mère-fille a généré une alchimie particulière, Cendrine au design et les photos de Léa en motifs sur ces assiettes, résolument contemporaines. La performance est spectaculaire : en effet, appliquer des clichés photographiques sur de la porcelaine représentait un vrai défi technique, notamment pour le rendu des couleurs. 

Cette collection propose donc un service d’assiettes plates, d’assiettes à dessert ainsi que des serviteurs à mignardise. Entre les photos du Japon en contrastes forts entre noir et blanc et rouge vif, et une série aux teintes plus douces qui nous emmène en Californie, cette collection est une véritable invitation au voyage.

Prune Nourry pour Bernardaud

Prune Nourry est une jeune artiste plasticienne, qui a d’abord été sculptrice. Née en 1985, elle exerce à New York depuis 2011. Diplômée de la prestigieuse École Boulle, elle est passionnée par la bioéthique, qu’elle explore notamment par des performances artistiques, des vidéos, des sculptures et photos. Dans le cadre de ses projets artistiques, Prune Nourry a pour habitude de collaborer avec des scientifiques, des chercheurs et diverses personnalités académiques. 

C’est avec le surprenant JR, artiste anonyme qui expose librement ses photographies à travers le monde (portraits de femmes, de personnes âgées, de citoyens Israéliens et Palestiniens…), que Prune Nourry s’est alliée afin de créer une collection aussi émouvante qu’originale pour la maison Bernardaud : 6 assiettes ornées de photographies de mains en très gros plan, avec des intitulés aussi poétiques que « Je te mangerai dans la main », « Quand je te vois j’ai un appétit d’oiseau »…

Le résultat forme un ensemble touchant, un appel à repenser les mains comme outil essentiel de l’homme et comme instrument d’offrande et d’amour.

Christian Ghion

Christian Ghion est un designer français  né en 1958. Sa particularité ? Il a opéré une spectaculaire bifurcation professionnelle en début de parcours. Sa force ? La polyvalence et l’envie de toujours se renouveler. 

Des débuts surprenants

Comment passe-t-on de la Faculté de droit au design ? En s’interrogeant sur le meilleur moyen d’exploiter ses multiples talents. C’est exactement ce qu’a fait Christian Ghion, qui après cinq années de droit s’inscrit en école d’architecture, en choisissant comme spécialité l’étude et la création de mobilier. Il intègre ensuite l’ENSCI (École nationale supérieure de création industrielle).

Il se lance assez jeune puisque c’est à 28 ans seulement qu’il crée son propre studio de création, en compagnie de Patrick Nadeau. Après quelques années de collaboration, Christian Ghion choisit de travailler seul et prend rapidement une place incontournable dans le monde du design, tant en France qu’à l’international.

Des talents multiples : architecture, design, art de la table, joaillerie…

Il se diversifie alors et tout en exposant ses œuvres, notamment à la galerie Néotu à Paris, il collabore avec des grands noms comme Daum, Salviati, Driade… Tout en dessinant en parallèle des flacons de parfum pour les parfumeurs les plus célèbres, comme Dior, Guerlain et Yves Saint Laurent.

Il s’illustre également dans la scénographie d’expositions comme au musée des Arts Décoratifs, la Fondation Cartier ou la Biennale du design de Saint-Étienne, sans oublier l’exposition « Le luxe français » du Comité Colbert en 2005 à Shangai.

Chevalier des Arts et Lettres depuis 2006, Christian Ghion se consacre également à l’aménagement intérieur et redessine des boutiques prestigieuses comme celles des couturiers Jean-Charles de Castelbajac, Chantal Thomass, mais aussi les restaurants de Pierre Gagnaire.

C’est donc tout naturellement que son travail dans le cadre de l’aménagement intérieur l’amène à se rapprocher de l’art de la table. En 2009, 2011 et 2012 il collabore avec la Maison Forge de Laguiole, pour laquelle il dessine de très originaux couteaux, dont certains pliants, aux lignes incurvées d’une grande finesse.

La coutellerie étant source d’inspiration pour lui, il signera également 3 projets chez Nontron : un coffret de 6 couteaux de table, une pelle à tarte à manche d’ébène et un couteau unique à manche d’ébène également.

C’est ensuite dans le domaine de la joaillerie que Christian Ghion va exercer son génie de designer. Il signe en 2013 une collection de bijoux pour Christofle, au nom pétillant de « Twist again » : collier, bague et bracelet aux torsades aériennes en argent massif impriment à cette parure une élégance légère et séduisante.

Il renoue aussi avec l’architecture en 2014, prenant en charge pour la ville d’Aix en Provence la conception du plus grand mur d’eau d’Europe, qui recouvre le pont Juvénal-Mozart.

Les grands chefs

et l’art de la table

Comment pourrait-on évoquer l’art de la table sans parler aussi de gastronomie ? C’est tout « l’art de vivre à la française » qui s’incarne dans le raffinement des mets proposés par les plus grands restaurants de France et qui a permis à la gastronomie de notre pays de rayonner dans le monde entier. Les grands noms de l’art de la table ont su tisser des liens forts avec les chefs et mettre en place de très belles collaborations.
André Bras et Forge de Laguiole
On ne peut se prétendre gourmet sans connaître André Bras, qui a ouvert son restaurant dans le berceau familial, sur un plateau de l’Aubrac. Ce chef d’exception a dessiné, en tandem avec son frère, un couteau à fromage pour Forge de Laguiole. Le point fort de ce couteau : sa forme originale, dont l’esthétisme optimise la prise en main pour un effet levier maximal. En effet, le manche, fortement incurvé, permet au couteau de tenir en parfait équilibre sur la table et donne l’impression que la lame est comme suspendue. Conçu à la base pour couper le Roquefort, ce couteau très original convient cependant parfaitement aux fromages à pâte molle.
Anne Sophie Pic et Raynaud
La célèbre chef du restaurant gastronomique « La Maison Pic », située à Valence, a imaginé pour le porcelainier Raynaud un design visuellement époustouflant pour la collection « Lunes ». En équipe avec 2 designers, Anne Sophie Pic a choisi de travailler sur les formes des assiettes et plats ; ainsi, les galbes ont été inversés, pour donner naissance à des assiettes bombées ou encore rondes avec des rebords carrés à l’intérieur, des plats dont le centre est surélevé. Ces lignes déroutantes permettent de donner un nouvel élan à la présentation des mets et de transformer la dégustation en une aventure à la fois amusante et poétique.
Julia Scavo et Chef&Sommelier
Troisième meilleure sommelière d’Europe en 2013 et cinquième meilleure sommelière du monde en 2015, Julia Scavo est assurément une jeune prodige. Avec la testeuse Virginie Taupenot, elle est en 2015 l’ambassadrice de la ligne de verres de dégustation « Reveal’up » de la maison Chef&Sommelier. Les onze verres de cette collection répondent chacun aux différents besoins de la dégustation, quel que soit le vin concerné : blanc, rouge, rosé ou champagne. L’accent a été mis sur la surface d’aération ainsi que sur l’amplitude de la chambre aromatique, sans pour autant négliger le design. Il s’agit d’une alliance parfaite entre l’esthétique des verres et le respect du vin.
Jean-Michel Wilmotte pour Cyril Lignac et Forge de Laguiole
Dans la série des « couteaux de chefs » de Laguiole, l’architecte, urbaniste et designer Jean-Michel Wilmotte a conçu une série sur mesure pour le chef Cyril Lignac et son restaurant Le Quinzième. Mené par un esprit de grande rigueur et de délicatesse, alchimie idéale entre l’architecture et la cuisine, le designer a choisi des associations de matériaux inhabituelles : inox noir ou brillant pour la lame et aluminium pour le manche. Du côté des formes, on retrouve la tendance innovante des lames qui, une fois le couteau posé, ne reposent pas sur la table. Cette série de couteaux répond à l’exigence de la gastronomie moderne : respecter les traditions en apportant une touche de nouveauté, c’est-à-dire revisiter les classiques.

THOMAS BASTIDE

Le rêve d’enfant de cet artiste hors du commun était de devenir sculpteur industriel. Franco-suédois né en 1954, Thomas Bastide a grandi en regardant œuvrer les maîtres verriers scandinaves : les multiples possibilités offertes par le verre sont devenues de véritables passions pour lui, mais pour autant il ne se laisse jamais emporter par les débordements clinquants ou des envies de luxe.

Au contraire, Thomas Bastide reste profondément ancré dans les impératifs pratiques de son art. Véritablement fasciné par l’univers industriel, à tel point qu’il aurait bien aimé diriger une usine, ce designer à l’esprit pragmatique garde toujours présent à l’esprit l’idée qu’un objet ne doit pas être seulement joli mais également fonctionnel. Diplômé de l’École des Arts Graphiques de Penninghen, sa première expérience professionnelle lui a permis de côtoyer Raymond Loewy, une star du design.

Penser et repenser un concept, le peaufiner jusqu’à atteindre l’alchimie parfaite entre esthétisme et praticité constitue pour Thomas Bastide le meilleur défi.

Sa passion pour le verre l’a amené à mener des collaborations prestigieuses, mais il s’est également illustré avec brio dans le domaine de l’orfèvrerie, puisqu’il a signé de très belles réalisations pour des marques comme Claude Dozorme, Ercuis, Forge de Laguiole et Christofle.

La collaboration avec Christofle est intervenue dans le cadre de la collection « Cubik ». Thomas Bastide a conçu pour la marque une pendulette carrée aux lignes dépouillées et au cadran très classique.

Quelques années plus tard, Thomas Bastide rencontre l’illustre maison Forge de Laguiole et signe pour elle un superbe couteau pliant, appelé « Dandy », qui joue sur les contrastes et a été conçu comme un véritable « bijou de poche » : la jonction entre le manche et la lame, tous deux de teintes mattes, est marquée par la présence de deux cabochons rouges en cristal irisé, qui vues du dessus évoquent presque un œil, donnant au couteau une allure totalement déconcertante et innovante.

Ensuite, c’est aux côtés d’Ercuis que Thomas Bastide va exercer son talent, en réalisant des couverts à la courbe subtile, qui portent le nom délicat d’« Équilibre ». Aériens et d’une brillance parfaites, ces couverts subliment la vaisselle qu’ils accompagnent.

Enfin, c’est pour la maison Claude Dozorme que Thomas Bastide signe « Shadow », le premier couteau de table au manche asymétrique et incliné. Interrogé sur l’inspiration qui l’a amené à concevoir ce couteau exceptionnel, Thomas Bastide confie aimer « tout ce qui penche ».

Les artistes contemporains

Ces dernières décennies, l’art de la table a su se renouveler et se réinventer en s’ouvrant à d’autres disciplines. C’est ainsi que des artistes contemporains ont été sollicités pour collaborer avec les marques les plus prestigieuses dans le cadre de collections originales et signées. Petit tour d’horizon de ces rencontres exceptionnelles.

Jeff Koons

Artiste américain emblématique de la démesure et de la dérision, Jeff Koons est originaire de Pennsylvanie, où il est né en 1955. Son art s’est inspiré à la fois de Marcel Duchamp et d’Andy Warhol, avec une petite touche d’Arman et de Claes Oldenburg. Imprégné par la pop culture, le kitsch, Jeff Koons explore les matériaux via des créations, installations et sculptures variées, comme son split rocker, une sculpture réalisée avec 100 000 fleurs et inspirée de l’imagerie enfantine. Pour la Maison Bernardaud, Jeff Koons a créé un vase reproduisant cette sculpture et il a notamment créé la série « Banality », ornant la porcelaine de motifs à la fois kitsch, rieurs, enfantins et clownesques. Bernardaud a également reproduit sur la porcelaine certaines de ses œuvres les plus célèbres comme le « Balloon Dogs » issu de la série « Célébration ».

Chiara Andreatti

Cette artiste et designer italienne est originaire de la région de Venise. Diplômée en design industriel en 2003, Chiara Andreatti cultive un sens de l’esthétique qui mêle quotidien et poésie, et s’illustre par des collaborations prestigieuses, notamment avec la marque Armani. Dans le domaine de l’art de la table, c’est pour l’éditeur Non Sans Raison que l’artiste a créé en 2014 une collection unique, inspirée de l’univers de la botanique et nommée « Végétal ». Des fruits et légumes stylisés, donnant une impression de dessin à l’encre à peine sèche, ornent les assiettes. La méthode utilisée est très innovante : de vrais fruits ont été tranchés, trempés dans l’encre bleue et apposés comme des tampons sur la porcelaine. L’empreinte ainsi créée est à la fois délicatement estompée et subtilement rafraîchissante.

Marc Seguin

Cet artiste canadien, graveur et dessinateur, est né à Ottawa et vit aujourd’hui entre Montréal et New York. Il pratique un dessin très pur et réaliste et ses œuvres ont fait le tour du monde, à travers une vingtaine d’expositions personnelles et autant d’expositions collectives dans divers musées et galeries. C’est dans le cadre d’une collaboration entre la Maison Bernardaud et le chef québécois Martin Picard que Marc Seguin a été amené à créer des œuvres originales pour le porcelainier en 2016. C’est en effet Bernardaud qui réalise les assiettes et tasses à café du nouvel établissement de Martin Picard.

Vik Muniz

Cet artiste contemporain brésilien est né en 1961 à Sao Paulo. Dans les années 80 il débute sa carrière d’abord comme sculpteur, puis s’oriente vers la photographie et le dessin. Il se spécialise alors dans la customisation de visuels de photojournalisme à l’aide de matériaux déroutants et pourtant présents dans le quotidien. Ses œuvres sont devenues cultes et ont été exposées dans les plus grands musées comme le Guggenheim, le Metropolitan et bien d’autres.

Olivia Putman,

Designer d'exception

Alors que certains essaient de se faire un nom, Olivia Putman a su, quant à elle, conquérir sa place dans le monde du design en faisant presque oublier le sien. La fille d’Andrée Putman a en effet accompli l’exploit de se frayer au fil des années un chemin exemplaire, faisant auprès des plus grands la preuve d’un talent aux multiples facettes. Retour sur un parcours exceptionnel et une personnalité unique.

Tous les chemins mènent au design

Née en 1964, Olivia Putman est la fille de Jacques Putman, éditeur et critique d’art mais également collectionneur, et d’Andrée Putman, designer. Elle a donc baigné depuis sa plus petite enfance dans des milieux artistiques variés.

À l’adolescence, elle vole très vite de ses propres ailes et se crée au détour de moments festifs son propre cercle artistique et amical, ce qui lui permet de croiser des figures mythiques de l’époque, comme Andy Warhol ou Yves Saint-Laurent.

Prédestinée par l’histoire familiale à rejoindre le studio de design de sa mère Andrée, Olivia Putman opte cependant pour une voie plus indépendante et passe une licence d’histoire de l’art à la Sorbonne. Diplômée en 1987, elle choisit alors d’être agent artistique, et co-fonde l’association « Usine éphémère », dont l’objectif est de réhabiliter des locaux inutilisés pour en faire de vrais ateliers d’artistes. Ce faisant, elle offre à des nouveaux créateurs une visibilité qui consacrera son obstination à faire de son parcours un cheminement autonome.

C’est d’ailleurs au fil de l’organisation d’expositions dans le domaine du land art qu’Olivia Putman se passionne pour le paysagisme : reprises d’études, collaborations prestigieuses, notamment auprès du jardin des Tuileries, et jusqu’en 2007 elle va continuer à travailler en marge du studio Putman.

Une vision unique du luxe

C’est en 2007 qu’Olivia Putman prend la direction du studio Putman, rejoignant ainsi l’histoire familiale au moment où elle s’y sent réellement prête.

Commence alors une épopée singulière : Olivia Putman a cette vision unique des lieux, de leur histoire et des forces en présence. Jouant sur le travail des matériaux et travaillant dans différents domaines (rénovation d’hôtels, création de lignes de mobilier mais aussi scénographie de concerts, d’expositions, direction artistique…), elle apporte notamment son regard innovant sur le milieu du luxe, avec cette phrase désormais célèbre : « Le luxe peut être un objet en paille très juste plutôt qu’un objet en platine idiot ».

C’est tout naturellement qu’elle en vient à exercer son talent de créatrice dans le domaine de l’art de la table, avec notamment un couteau pour la marque Forge de Laguiole, ainsi que deux collections pour la maison Deshoulières, porcelainier français : la collection Éclipse et la collection Mémoire, toutes deux dans un registre très black and white, l’une graphique et l’autre abstraite, afin de permettre à chacune de composer le mélange idéal entre ces deux styles.

Laurence Brabant

Parmi les designers qui créent des collections autour de l’art de la table, Laurence Brabant occupe une place à part. Elle a en effet choisi de concentrer son talent sur le seul verre et de privilégier une technique rare, celle du verre soufflé à la volée. Avec son compagnon Alain Villechange, elle édite depuis 16 ans des séries uniques au sein de leur studio de création, mais a également conçu des collections d’exceptions pour les plus grandes marques.

Patrick Jouin,

Le design comme une science

Né en 1967 à Nantes, fils d’un ingénieur mécanique, Patrick Jouin sort diplômé de l’École Nationale Supérieure de Création Industrielle (ENSCI) en 1992. Il fera ses premières armes, chez Thomson Multimédia, avant d’être recruté par Philippe Starck pour intégrer ses équipes en tant que responsable du mobilier industriel.

Patrick Jouin prend assez vite son envol en créant son agence dès 1998. Il se consacre alors à des domaines divers, comme l’architecture intérieure, le design industriel et la scénographie. Ses collaborations de l’époque sont prestigieuses puisqu’il travaille auprès de grandes marques comme Renault, Alessi, Kartell, Ligne Roset, Fermob…

Mais c’est sa rencontre avec Alain Ducasse en 1999 qui va le connecter à l’univers de l’art de la table, la collaboration avec ce chef de renom l’amenant à accompagner la conception de quatre restaurants dont celui du Plaza Athénée et le Jules Verne au 2^nd étage de la Tour Eiffel et surtout à la création de la forme Wave pour la faïencerie de Gien.

En 2003, il est élu créateur de l’année par le salon Maison et Objet, et en 2004, il sera consacré designer international de l’année par le salon du Meuble de Paris.

Patrick Jouin se charge également de la boutique du joaillier Van Cleef & Arpels place Vendôme à Paris, toutefois il reste en lien avec l’architecture et le mobilier urbain, puisqu’en 2004 il transforme la gare de Lille Flandres, et qu’il est également le concepteur du célèbre Vélib.

Il a un faible pour les technologies très avancées, qui permettent de révolutionner la conception et le modelage des objets, permettant ainsi la mise en place de process de fabrication très innovants, comme la sculpture d’objets en 3D par exemple.

Aux côtés de la faïencerie de Gien, Patrick Jouin redonne aussi une seconde jeunesse au célèbre et traditionnel « Oiseau de Paradis » de la marque, en revisitant la forme « coquille » avec la collection « EVOL><LOVE » qui se veut résolument moderne : la couleur dominante devient le blanc ivoire et le festonnage des courbes confère un style contemporain à cette nouvelle ligne.

Pour cette collection, Patrick Jouin a veillé à garantir l’harmonie avec les autres lignes de la marque, offrant ainsi la possibilité originale de personnaliser les assemblages en mêlant les différentes collections.

En 2010, Patrick Jouin signe également pour Puiforcat la nouvelle ligne de couverts et accessoires en acier « Zermatt ». Parmi les créations majeures de cette ligne innovante, une fourchette à trois dents et un couteau à la forme originale, dont la particularité est qu’une fois posée, la lame ne touche pas la table.

Depuis 2010, la collection « EVOL><LOVE » de la faïencerie de Gien fait partie de la collection du Centre national d’art et de culture George Pompidou de Paris, qui lui a consacré l’exposition « La substance du design ». En 2011, Patrick Jouin reçoit le prix Compas d’Or pour la casserole « Pasta Pot » réalisée pour Alessi. Son style est souvent qualifié de « discret et dépouillé », alliant tradition et modernité.